<![CDATA[Парашутов]]> http://www.liveinternet.ru/users/2010239/ LiveInternet / LiveInternet.ru hourly 1 ru Парашутов http://av.li.ru/239/2010239_15312046.jpg Дневник Парашутов http://www.liveinternet.ru/users/2010239/ <![CDATA[ЖЗЛ (ГЕНРИХ БЮРКЕЛЬ. ЯРКИЙ ПЕЙЗАЖИСТ БАВАРСКИХ АЛЬП)]]>
Генрих Бюркель
Heinrich Bürkel

29 мая 1802, Пирмазенс, Рейнская Бавария – 10 июня 1869, Мюнхен



Franz von Lenbach Portrait Heinrich Bürkel.

Немецкий живописец, пейзажист и жанрист, один из ранних представителей реализма Мюнхенской школы эпохи Бидермейера.
Генрих родился в семье трактирщика. Отец мечтал, чтобы сын стал торговцем, но мальчик с юных лет мечтал стать художником. Каждую свободную минуту он посвящал рисованию. Отец Генриха был владельцем гостиницы, и мальчик видел огромное количество сцен, которые впоследствии легли в основу его жанровых полотен. Особенно юноше удавались портретные зарисовки. В возрасте одиннадцати лет у Генриха даже случился конфликт с полицией из-за карикатуры на Наполеона.
В 13 лет отец пристроил мальчика на работу учеником секретаря суда в Пирмазенсе. На этом поприще Бюркель проработал с 1815 по 1820 год, а с 1817 года стал изучать юриспруденцию.
Впрочем, желание стать художником было настолько велико, что Генрих наперекор желаниям родителей, не окончив обучение, в возрасте 20 лет уехал из дома. Одной из причин «бегства» стало знакомство с художником – пейзажистом Фридрихом Хелмсдорфом (Friedrich Helmsdorf, 1 сентября 1783 –28 января 1852). Живописца Генрих встретил в Страсбурге, и тот, оценив способности юноши, посоветовал ему продолжать учиться.




Естественно, Бюркель отправился в Мюнхен, который был центром искусств Германии того времени. Но, увы, в Мюнхенской академии его ждал провал. Работы, представленные в комиссию Академии, были отвергнуты «за недостаточностью таланта» и в приеме в Академию юноше было отказано.
Но Генрих не отчаялся, за время, проведенное в Мюнхене, он завел дружбу со многими художниками, которые помогали будущему художнику практическими советами. Среди этих художников историки называют, например, Карла Альтмана (Karl Altmann, 1800 - 1861).
Альтман с 1819 года изучал живопись в Дрезденской Академии художеств, в 1822 году он переехал в Мюнхен, где женился на вдовушке. До женитьбы Карл снимал комнату вместе с Генрихом, а позже они вместе совершали поездки «за вдохновением» в предгорья Альп.
Дружеские отношения сложились у Бюркеля с историческим живописцем Людвигом (Луи-Жозефом) Брюльсом (Ludwig (Louis Joseph) Brüls, 1803-1882) и баталистом Петером фон Гессом (Peter von Hess, 29 июля 1792 – 4 апреля 1871), который к тому времени был уже известным художником.
Петер фон Гесс был сыном гравера на меди Карла Эрнста Кристофа Гесса, который и был первым учителем мальчика. В восемь лет Петер уже создал свои первые работы, изображающие животных. В 14 лет Гесс стал учеником Академии художеств в Мюнхене. После окончания учебы он проходил военную службу в Генеральном штабе принца Карла Филиппа Вреде, принимал участие в боевых событиях войны 1813-1815 года, а также в работе Венского конгресса. За эти годы Гесс создал множество эскизов, которые потом стали основой для его будущих батальных полотен. В 1839 году Гесс по приглашению Николая I приезжает в Петербург, где пишет восемь больших картин, представляющих основные события Отечественной войны 1812 года. Художник умер в Мюнхене в возрасте 78 лет.
Как видите, у Бюркеля были достойные друзья – учителя и советчики. Кроме того, они советовали Генриху «набивать руку» копированием. Для этого художник часто посещал дворец эпохи барокко Шлайсхайм (Schloss Schleißheim) в окрестностях Мюнхена, где копировал картины голландских пейзажистов 17-18 веков. Некоторые источники пишут, что проникнув любовью именно к нидерландской пейзажной живописи, Бюркель даже совершил поездку в Нидерланды, но документальных подтверждений этому нет. Впрочем, влияние голландских пейзажистов очень заметно на полотнах художника (особенно на его зимних пейзажах).



Heinrich Bürkel A Village Gathering.



Heinrich Bürkel Graveyard of St. Peter's in Winter.

В 1824-25 годах Бюркель посещал студию художника Эрнста Кайзера (Ernst Kaiser, 1803 – 1865), в том же 1824 году Генрих стал членом созданной в Мюнхене Ассоциации искусств.
В 1827 году Бюркель посетил Италию. В этой стране художник побывал еще четыре раза (1829, 1830, 1838 и 1853), в некоторых случаях оставаясь там в течение до двух лет.



Heinrich Bürkel Italienische Strassenszene. 1853 г.

В Италии Генрих активно общался с колонией немецких художников и плодотворно работал.



Heinrich Bürkel Am Brunnen (У колодца).



Heinrich Bürkel Ziehende Landleute vor Rom (Возвращение деревенских жителей из Рима).



Heinrich Bürkel Landschaft von der Ponte Nomentano (Пейзаж у моста Номентано).



Heinrich Bürkel Bettleranfall an italienischer Poststation (Нищие атакуют почтовый фургон).



Heinrich Bürkel Ponte Nomentano bei Rom (Монт Номентано близ Рима). 1853-54 гг.

В промежутках между итальянскими «вояжами» Бюркель женился на Иоганне Хофштеттен. История оставила нам портрет жены художника кисти неизвестного художника и фотографию, на которой Генрих с женой запечатлены в компании родственников художника.



Unknown Artist Johanna von Hofstätten, Frau des Malers Heinrich Bürkel.



Слева направо: Карл Бюркель, Людвиг Бюркель, Генрих с женой Иоганной, Хайнц Ромберг.

После возвращения из второго путешествия в Италию Бюркель был уже популярным художником, известным своими бытовыми и военными жанровыми сценами, изображениями крупного рогатого скота, а также пейзажами. В основном, художник писал, конечно, пейзажи и деревенские сцены, изображавшие жизнь крестьян в Альпах.



Heinrich Bürkel Peasants in front of the Temple of Vesta (Крестьяне в передней части храма Весты). 1831 г.



Heinrich Bürkel Ankunft auf der Alm (Прибытие на ферму). 1835 г.

После 1840 года его небольшого формата картины маслом пользовались большой популярностью далеко за пределами Баварии. Причем, при огромной конкуренции жанровых живописцев Мюнхене работы Бюркеля были очень успешными на арт-рынке. Благодаря Ассоциации художников Бюркелю удалось продать много своих произведений, в частности, в Северную Америку.



Heinrich Bürkel Rain Shower in Patenkirchen (Ливень в Патенкирхен). 1838 г.



Heinrich Bürkel The Harvest. 1839 г.

Бюркель пользовался уважением среди коллег, его друзьями стали известные художники того времени немец Карл Шпицвег (Carl Spitzweg, 5 февраля 1808 – 23 сентября 1885) и австриец Адальберт Штифтер (Adalbert Stifter, 23 октября 1805 – 28 января 1868).
В 1943 году Бюркель был избран почетным членом Академий художеств в Дрездене и Вене.
А спустя еще 15 лет – в 1858 году, звание почетного члена своей Академии присвоила художнику Мюнхенская Академия художеств, отвергшая Бюркеля 30 лет назад в качестве студента.



Franz Seraph Hanfstaengl Portrait of Heinrich Bürkel (foto). 1856 г.



Heinrich Bürkel Das Kirchlein von Hinterriss im Hintergrund.



Heinrich Bürkel Rückkehr von der Bärenjagd (Возвращение c медвежьей охоты).

Последнее десятилетие жизни художника принесло ему признание в художественных кругах Европы, чему способствовало участие в международных выставках в Лондоне (1862) и Париже (1867).
Генрих Бюркель умер после продолжительной болезни в своей мюнхенской студии 10 июня 1869 года в возрасте 67 лет.
Творческое наследие художника очень обширно, всего он создал более тысячи картин. После смерти в его усадьбе нашли около шести тысяч рисунков.
Работы Бюркеля находятся в собраниях многих музеев мира (например, в мюнхенской Пинакотеке и Берлинском музее изобразительных искусств).



Heinrich Bürkel Loading The Hay Wagon (Загрузка сена).



Heinrich Bürkel Rast.

В начале XXI века имя художника замелькало в СМИ. В феврале 2006 года правительство США вернуло Германии 11 картин, которые американские солдаты забрали из бомбоубежища близ города Пирмазенса во время Второй мировой войны. Среди этих работ три полотна Генриха Бюркеля – «Пещера Амальфи» (ок. 1845), «После охоты» (ок. 1830) и "Сгон лошадей» (ок. 1861-1863).



Heinrich Bürkel Amalfi Cave. 1845 г.

Эти картины были приобретены музеем родного города художника Пирмазенса в 1925 году и находились в экспозиции до 13 мая 1942 года, после чего их перевезли и хранили в бомбоубежище, чтобы защитить от бомбежек союзнических войск.



Heinrich Bürkel After the Hunt. 1830 г.

После освобождения города 22 марта 1945 года американскими войсками сотрудники музея уже в сентябре этого же года сообщили, что около 50 картин были утеряны. Часть утерянных (вернее, вывезенных) картин были обнаружены спустя 60 лет на аукционе в штате Пенсильвания, поскольку лоты активно рекламировались в СМИ и интернете.



Heinrich Bürkel The Horse Round Up. 1861-63 гг.

Музей Пирмазенса обратился к немецким властям, посольство Германии в Вашингтоне связался с ФБР и аукционным домом, и продажа картин была приостановлена. В 2006 году картины были возвращены Германии.



Посол Тимкен передает картины мэру Пирмазенса Матейсу.

А о картинах Бюркеля музею сообщила американка, которая получила в наследство несколько картин от двоюродного дедушки - ветерана войны. В 1945 году он находился в составе американских войск неподалёку от Пирмазенса. Вот так картины художника вернулись на родину.

b295a26142b9(147x40, 0 Kb)]]> 2 <![CDATA[ШЕДЕВРЫ ИЗ ПРОВИНЦИИ (ЧАСТЬ 5 - НИЖНЕТАГИЛЬСКИЙ МУЗЕЙ ИЗОБРАЗИТЕЛЬНЫХ ИСКУССТВ)]]> Наталья прислала мне материалы о своем музее (которые и легли в основу поста), и мне захотелось рассказать о музее вам. Поскольку коллекция музея в Нижнем Тагиле обширна и интересна, как и история самого музея, который по историческим меркам еще очень молод. Итак, приглашаю вас в очередное путешествие, чтобы познакомить с шедеврами живописи, хранящимися в провинции.

Нижний Тагил - один из немногих не областных российских городов, имеющих музей изобразительных искусств с богатейшей художественной коллекцией.



Здание Нижнетагильского музея изобразительных искусств. Фото 1997 г.

Бывшая демидовская вотчина, Нижний Тагил возник как заводской поселок, а став городом, развивался как индустриальный центр России. Исторический облик Тагила всегда формировала тяжелая промышленность. Нижний Тагил издавна был известен своими ремесленных дел мастерами, мастерами-камнерезами, создававшими подносные, кузнечные, литейные изделия, произведения для украшения интерьеров Зимнего дворца, Исаакиевского собора и других сооружений Санкт - Петербурга и Москвы.




Демидовы

Больше значение имела и деятельность горнозаводчиков Демидовых, которые будучи не только промышленниками, но и меценатами, заложили фундамент культуры будущего города.



Анонимный автор Портрет Никиты Демидовича Антуфьева-Демидова. Музей Демидовых, Нижний Тагил
Георг Кристофор Гроот Портрет Акинфия Никитича Демидова. 1745 г.

Они приобретали и привозили произведения искусства русских художников и художников из других стран, таких как Италия и Франция, на Урал, в свои владения.



Дмитрий Левицкий Портрет Прокофия Акинфиевича Демидова. 1773 г. Третьяковская галерея
Фёдор Рокотов Портрет Никиты Акинфиевича Демидова 1760-е г. Пермская худ.галерея

Никита Акинфиевич Демидов (8 сентября 1724 - 16 декабря 1789) — российский промышленник, меценат, коллекционер. Демидов любил заниматься науками и покровительствовал ученым и художникам; он находился в дружеской переписке с Вольтером. Младший сын Акинфия Демидова (третий сын от второго брака) первым из Демидовых начал собирать коллекцию художественных и исторических ценностей. Во время путешествия по Европе (1771—1773) посещал мастерские художников и покупал понравившиеся ему картины. Серию полотен по его заказу написал Жан Батист Грез, а живший в Париже шведский живописец Александр Рослин — портреты Никиты Акинфиевича и его супруги.
Большие суммы Никита Демидов тратил на обучение молодых дарований. Немало крепостных художников по его указанию было направлено на учебу в Москву и в Петербург, в Императорскую Академию художеств, и за границу.
Таким образом, уровень художественной жизни поднимался и поддерживался на достаточно высоком уровне.
В 1840 году по распоряжению П.Н. Демидова был открыт «Музеум естественной истории и древности», один из старейших провинциальных музеев России, в 1925 году преобразованный в краеведческий музей. В 1929 году в нем был организован художественный отдел.

История создания

В XX веке стремительное развитие культуры города пришлось на период Великой Отечественной воны. Это связано с тем, что в город были эвакуированы представители технической и творческой интеллигенции из блокадного Ленинграда и оккупированной Украины. Именно в годы войны в Нижнем Тагиле открылись театр кукол, Уральское художественно-техническое училище и музей изобразительных искусств, называвшийся тогда Областной картинной галерей.



В залах Нижнетагильского музея изобразительных искусств.

Становление художественной жизни города началось с появления летом 1942 года Нижнетагильской организации Союза советских художников. Уже осенью 1943 года состоялась первая художественная выставка, в которой приняли участие как эвакуированные на Урал мастера искусства, так и тагильские художники. Именно тогда в среде художественной интеллигенции возникла идея создания в Нижнем Тагиле картинной галереи (позднее музей изобразительных искусств), решение об открытии которой было подписано в декабре 1943 года. В организации музея оказали помощь специалисты Государственного Эрмитажа, коллекция которого в годы войны была эвакуирована в Свердловск.
Музей изобразительных искусств в Нижнем Тагиле был открыт в трудный период Великой Отечественной войны - 30 сентября 1944 года, поэтому его открытие можно расценивать как своеобразный феномен, значение которого трудно переоценить. Музей разместился в здании постройки 1865 года, ранее принадлежавшем купцу П.Т. Аксенову.



Здание Нижнетагильского музея изобразительных искусств. Фото 1940-е г.

В 1950-х годах архитектором А.М. Ликиным был разработан проект возведения на старом фундаменте нового здания музея. В 1963 году после многолетнего перерыва музей вновь принял посетителей.
На первых порах основой коллекции музея послужили произведения русского дореволюционного и послевоенного искусства, переданные в 1944 году из фондов Государственной Третьяковской галереи, Государственного Русского музея, Управления по делам искусств при СНК РСФСР и из Нижнетагильского краеведческого музея, а также работы уральских художников с выставки "Урал - кузница оружия".



В залах Нижнетагильского музея изобразительных искусств.

Нижнетагильский музей изобразительных искусств хранит много произведений, имеющих поистине уникальное значение в истории искусств. В коллекции музея на сегодняшний момент насчитывается более девяти тысяч произведений живописи, графики, скульптуры и декоративно-прикладного искусства, а также актуального (или современного) искусства.

"Тагильская Мадонна"

Небольшая коллекция произведений западноевропейского искусства представляет работы художников итальянского Возрождения всего около 30 экспонатов, по всей вероятности, из фамильного собрания Демидовых, среди которых ведущее место занимает приписываемая кисти Рафаэля Санти знаменитая картина «Святое семейство» или «Мадонна дель Пополо», 1509 года создания, больше известная как «Тагильская Мадонна».
Это произведение считается одним из самых ярких и загадочных предметов коллекции.
С картиной связано много вопросов, ответы на которые не найдены и по сей день.



Рафаэль Санти Святое семейство. 1509 г.

Например, как могла картина кисти самого Рафаэля через несколько столетий после своего не менее таинственного исчезновения в Европе обнаружиться на Урале вдали от культурной жизни России - Петербурга и Москвы? Стоит поблагодарить кого-то из династии Демидовых? Но кого именно? А может это копия? Ведь еще столетия назад люди сами запутались, где оригинал этой Мадонны, а где подделка.
Пытаясь ответить на эти вопросы, Игорь Эммануилович Грабарь – искусствовед, художник и реставратор, приехавший в Нижний Тагил в августе 1925 года для знакомства с находкой, написал исследовательскую работу под названием «Мадонна дель Пополо и Мадонна из Нижнего Тагила». В ней он собрал и проанализировал все известные на тот момент Мадонны, владельцы которых наперебой утверждали, что именно их экземпляр является оригиналом. Всего он насчитал около 65 картин. Хотя некоторые исторические источники заявляли о 250 известных Мадоннах дель Пополо. После чего Грабарь сделал вывод, что тагильский экземпляр Мадонны является наиболее похожим на оригинал. Как Мадонна «добралась» до уральского заводского поселка понять еще труднее, так как она не числится ни в одной описи ценностей Демидовых. Остается только догадываться.
Единственный доподлинно известный факт – год написания картины – 1509 год. Пусть даже не Рафаэль автор этого произведения, а ученик его мастерской. Если в Нижнетагильском музее изобразительных искусств не оригинал, то прижизненная Рафаэлю копия его картины, к которой возможно, он имел самое непосредственное отношение.

Русское искусство XVIII – начала XIX веков

Основу коллекции русского искусства составляют произведения XVI-XX веков. Наличию портретной коллекции XVIII – начала XIX веков музей обязан, прежде всего, Русскому музею, который в год открытия передал в собрание 18 произведений. Часть из них некогда числилась в Памятном отделе Александра III, а другая украшала интерьеры Смольного института, собрания Эрмитажа и музея Императорской Академии художеств. Прежде всего, это произведения неизвестных художников, среди которых выделяются высокими художественными достоинствами портреты русских царей – Ивана Грозного и Екатерины II.
В постоянной экспозиции зала русского искусства так же имеются работы Владимира Лукича Боровиковского и Василия Андреевича Тропинина, того времени когда в обществе особенно остро встал вопрос о личности и ее назначении.



Владимир Боровиковский Иов и его друзья. Конец 1810-х.



Владимир Боровиковский Женский портрет.
Владимир Боровиковский Портрет Надежды Ильиничны Львовой. 1790-е г.



Василий Тропинин Портрет В.И. Бибикова.

Это портреты, по-особому изображающие людей, не всегда богато одетых, но всегда с пронзительными глазами и характерными чертами лица. Коллекция представлена в хронологическом порядке развития русского дореволюционного искусства.



Евгений Плюшар Спящая итальянка середина 1840-х.



Никанор Чернецов Дворец дожей. 1846 г.

Начинаясь от работ русских художников «золотого века портрета», экспозиция продолжает свое повествование историческим жанром Академии художеств. Таким примером является полотно В.П. Худоярова «Исцеление слепорожденного».



Василий Худояров Исцеление слепорожденного.



Василий Худояров Портрет императрицы Марии Федоровны, жены императора Александра III.

Русское искусство XIX век

Все классы Академии художеств нашли отражение в экспозиции: пейзажный (Л.Л.Каменев «Пейзаж», 1864), исторический, бытовой (И.И. Соколов «Ночь на Ивана Купала», 1856) и даже батальный (Б.П. Виллевальде «Бой под Лейпцигом в 1813 году», 1886).



Лев Каменев Озеро в горной долине. 1864 г.



Иван Соколов Ночь на Ивана-Купалу. 1856 г.



Богдан Виллевальде Бой под Лейпцигом в 1813 году. 1886 г.

В 1944 году Третьяковская галерея передала в дар четыре произведения: портрет кисти В.М. Васнецова, пейзажные этюды А.М. Васнецова и В.Д. Поленова, графические листы Л.Ф. Лагорио.



Лев Лагорио Гурзуф. 1885 г.



Лев Лагорио Черное море. 1891 г.



Апполинарий Васнецов Уральский пейзаж. 1930 г.
Василий Верещагин Мыс Фиолент вблизи Севастополя. 1897 г.

Музей с самого основания поддерживался Свердловским областным отделом по делам искусств. Так, в 1944-1945 годах в Нижний Тагил был направлен ряд полотен русских художников, среди которых заслуживают внимания произведения И.Н. Крамского и К.А. Коровина, А. Корзухина и И.К. Слюсарева, а также графические листы А.Н. Бенуа, А.П. Соколова, скульптурные работы П.К. Клодта.



Иван Крамской Женский портрет. Актриса М. Г. Савина 1880 г.
Алексей Корзухин Портрет священника П.В. Удинцева.

Приобретались произведения музеем и на собственные средства. Во время войны на Урале сложился небольшой, но интересный антикварный рынок, позволивший пополнить собрание уникальными произведениями И.Е. Репина, И.К. Айвазовского, И.С. Щедровского.



Иван Айвазовский Морской пейзаж. 1871 г.



Иван Айвазовский Буря на море лунной ночью.



Иван Айвазовский Морской пейзаж. 1871 г.

Большой раздел экспозиции отдан творчеству передвижничества. И.И. Шишкин, А.К. Саврасов, В.Ф. Аммон, И.М. Прянишников, В.М. и А.М. Васнецовы, И.Е. Репин, И.Н. Крамской – их картины составляют часть постоянной экспозиции и гордость нижнетагильского музея.



Иван Шишкин Итальянский мальчик.
Иван Шишкин Лес 1880-е г.



Илья Репин Портрет актёра и драматурга Григория Григорьевича Ге. 1895 г.



Илья Репин Отказ от исповеди. эскиз Начало 1880-х г.
Илья Репин Запорожец. Этюд к картине "Запорожцы пишут письмо турецкому султану" 1884 г.

Неоценимую роль в становлении коллекции русского отдела музея сыграла передача 116 произведений из художественного отдела Нижнетагильского краеведческого музея, осуществленная в 1950-х годах.
Полотна Н.Г. Чернецова, В.Ф. Аммона. И.И. Левитана, И.З. Грабаря, К.А. Коровина, М.Г. Слепяна, графика П.А. Федотова, Б.М. Кустодиева, И.И. Шишкина определили уровень собрания.



Алексей Боголюбов Лоцманы Бискайской бухты. 1857–59 гг.



Владимир Аммон На опушке леса 1871 г.



Исаак Левитан Полотно железной дороги. 1898-99 гг.

Восемнадцать из них некогда хранились в Московском Публичном И Румянцевском музеях, а некоторые до 1901 года находились в частной коллекции московского собирателя К.Т. Солдатенкова.

Русское искусство XX век

Начало двадцатого века показано представителями самых ярких объединений художников того времени – «Мир искусства» и Союз русских художников. Здесь и работы «мирискусников» - Е.Е. Лансере, И.Э. Грабаря, К.А. Коровина, Б.М. Кустодиева, и «союзников» - П.И. Петровичева, Л.В. Туржанского.



Игорь Грабарь Баллюстрада 1901 г.



Борис Кустодиев Венеция. 1907 г.



Борис Кустодиев Усадьба в парке. 1912 г.



Борис Кустодиев Встреча. Эскиз декорации к пьесе А.Н.Островского "Не было ни гроша, да вдруг алтын". 1917 г.



Борис Кустодиев Масленица. 1920 г.



Евгений Лансере Натюрморт. Раковина и яблоки. 1917 г.

В музее существует интересная коллекция русского авангарда, а также искусства советского и постсоветского периода. Передача в 1950 - начале 1960-х годов из местного краеведческого музея ряда произведений русского авангарда позволила показать один из самых ярких по своему звучанию периодов русского искусства. Однако работы Н.В. Синезубова, А.В. Лентулова, Н.М. Чернышева были введены в экспозицию лишь спустя двадцать лет, а работы В. Е. Пестель, Б. В. Зидера, О. В. Розановой, А.А. Экстер - только в 1980-е годы.



Михаил Нестеров Портрет А.М.Щепкиной. 1925 г.



Зинаида Серебрякова На кухне.
Александра Экстер Движение плоскостей. 1917–18 гг.



Антонина Ржевская Музыка 1902-03 гг.

В 1960-1970-е годы передача работ из государственных источников осуществлялась достаточно планомерно, нередко произведениями ведущих мастеров-реалистов. Так, в коллекцию музея вошли пейзажи Б.Ф. Домашникова, В. А. Серова, Н.М. Ромадина, жанровые картины Ю.С. Подляского, А.В. Китаева, Д.А. Налбандяна, портреты Ю.П. Кугача, В.П. Ефанова, скульптура М.К. Аникушина.



Станислав Жуковский Храм Рождества Богородицы. Звенигород. 1904 г.



Алексей Степанов Медведица с медвежатами. 1919 г.



Слюсарев И.К. Лесной пожар. 1942 г.

Не менее яркими стали поступления 1980-1990-х годов работ А.Н. Самохвалова, Ю.И. Пименова, А.И. Кравченко, Н.М. Чернышева и других мастеров советского искусства, художников республик бывшего Советского Союза.



А.Н.Самохвалов Советская физкультура. 1935 г.



Н.Г.Чесноков. Внуки. 1951 г.



Зудов Л.Г. Сергей Есенин. 1988 г.

Период рубежа ХІХ-XX веков дополнился живописными работами художников В.Е. Маковского, С.В. Федорова, З.Е. Серебряковой и других художников.



Владимир Маковский Девочка с гусями. 1875 г.
Николай Кошелев Утро в деревне. 1880-е г.

Из-за небольшой выставочной площади Нижнетагильского музея изобразительного искусства эти коллекции экспонируются только в тематических выставках.
Музей предоставляет возможность встречи с подлинными произведениями не только знаменитых, но и малоизвестных, а то и совсем забытых художников, без имен которых все же невозможно составить полное представление об изобразительном искусстве. Такими забытыми художниками являются Павел Голубятников - ученик К. Петрова-Водкина, Феликс Лемберский и Михаил Шемякин.



Павел Голубятников Гроза.



Михаил Шемякин Дама в светлом. 1909 г.
Феликс Лемберский Катя-дворник 1959 г.

В последние годы в собрании музея сложились монографические коллекции их произведений. Сотрудниками музея, искусствоведами проводится большая научная работа по восстановлению исторической справедливости, которая превращается в целые проекты музейной деятельности – это реставрация и выставки, написание научных сборников и привлечение внимания к творчеству этих художников.



Николай Неврев Бытовая сцена XVII века (Купец и товар). Начало 1890-х г.
Николай Неврев Портрет смеющегося мужчины.



Николай Богданов-Бельский Мальчик со скрипкой 1897 г.
Николай Богданов-Бельский Отдыхающий мальчик.

Не менее важным в коллекции музея является собрание декоративно-прикладного искусства, позволяющее представить интереснейшие выставки, рассказывающие об истории и особенностях таких известных народных промыслов России, как Жостово и Тагил, Филимоново и Дымково, Балхары и Хохлома, или о произведениях профессиональных художников в области фарфора, художественного стекла, обработки металла и камня.



Василий Раев Вид Рима с горы Марио. 1853 г.



Генрих Семирадский Тени волос. Последняя четверть XIX века.



Николай Сверчков Рысак.



Юлий Феддерс Запущенный сад. 1887 г.



Андрей Рябушкин Князь Глеб Святославович убивает волхва на Новгородском вече (Княжий суд). 1898 г.



Сергей Виноградов По жнивью. 1900 г.



Константин Коровин Гурзуф.1916 г.

Автор текста - научный сотрудник НТМИИ Наталья Широбакина
Использованы цитаты из Википедии и книги - "Нижнетагильский музей изобразительных искусств", издательство "Белый город", Москва, 2004 г.

Основная часть картин взята с сайта Art-каталог.

b295a26142b9(147x40, 0 Kb)]]> 16 <![CDATA[КЛОУНЫ В ЖИВОПИСИ (ЧАСТЬ 89 - КЛОУН (Российский вернисаж))]]>

Татьяна Доронина Клоун.






Марк Точилкин Клоун. 1980 г.



Восканян А.В. Ты.



Наталья Зайцева Ботинки.



Абрам Архипов Портрет клоуна, играющего на шарманке.



Марк Шагал Цирк с желтым клоуном.



Михаил Шемякин Цирковое представление.



Артур Фонвизин Цирковой клоун.



Григорий Иванов Клоуны. 1995 г.



Владимир Новожилов Улыбаца.



Борис Иванов Зеркало.



В. Миллер Карнавал.



Денис Гордеев Арлекин.



Андрей Малаев Шут сидящий.



Андрей Малаев Шут - художник.



Павел Челищев Грустный клоун.



Елизавета Донченко Клоун.



Ксения Львицкая Лукавый.



Владимир Семеренко Циркач.



Олег Костбар Клоун.



Любовь Еремина Веселый клоун.

b295a26142b9(147x40, 0 Kb)
]]> 3 <![CDATA[СВАДЬБА В ЖИВОПИСИ (ЧАСТЬ 45 - СВАДЬБА. ОЧЕРЕДНОЙ ПАРАД НЕВЕСТ.)]]> Невеста

Словно ландыш, в белом-белом...
Взмах ресниц - душа запела,
Трепеща от красоты
И от сбывшейся мечты.

Парк. Зелёная поляна.
Хрупкость рук, и гибкость стана,
И изящество плечей -
В сонме солнечных лучей!

Ты кружишь, как танцовщица,
День сияет и искрится
В очарованных глазах,

Заставляя сердце биться
Часто-часто... Счастья птица
Унесла нас на крылах!

Автор под ником Florina



John George Brown The Reluctant Bride 1869 г.






Dante Gabriel Rossetti The Beloved (The Bride). 1856-66 гг.



Капков Я.Ф. Невеста.1851 г.



Anders Zorn Interior with a Bride. 1880 г.



Thomas Baxter The Bridesmaid.



Thomas Benjamin Kennington The Wedding Dress.

Невеста

Хочу я быть невестой,
красивой, завитой,
под белою навесной
застенчивой фатой.

Чтоб вздрагивали руки
в колечках ледяных,
чтобы сходились рюмки
во здравье молодых.

Чтоб каждый мне поддакивал,
пророчил сыновей,
чтобы друзья с подарками
стеснялись у дверей.

Сорочки в целлофане,
тарелки, кружева...
Чтоб в щёку целовали,
пока я не жена.

Платье мое белое
заплакано вином,
счастливая и бедная
сижу я за столом.

Страшно и заманчиво
то, что впереди.
Плачет моя мамочка,-
мама, погоди.

... Наряд мой боярский
скинут на кровать.
Мне хорошо бояться
тебя поцеловать.

Громко стулья ставятся
рядом, за стеной...
Что-то дальше станется
с тобою и со мной?..

Белла Ахмадулина



Альфред Вируш-Ковальский Невеста. 1910 г.



П.Стахевич Наречена з-під Чорногори.



Владимир Димитров-Майстора Невеста.



Паоло Трубецкой Перед свадьбой. 1922 г.



Алексей Исупов Невеста.



Алексей Исупов Казахская невеста.

Невесте

В пушистых легких белых облаках
Невеста – девушка в прозрачном одеянье,
С букетом в тоненьких руках,
И в ожидании счастливого свиданья.
Судьбой своей указан долгий путь,
Усыпан он цветами и росою,
И нет переживания ничуть –
Любимый и единственный с тобою.
И слезы радости застыли на глазах,
И птицы – вестники в долине прокричали,
С букетом белым в тоненьких руках
Невесту – девушку сегодня обвенчали…

© Елена Сомова, 2012 г.



Eugène Delacroix Juive mariée (Еврейская невеста). 1832 г.



Исидор Кауфман Еврейская невеста.



Абрахам Соломон Невеста.



Марк Шагал Невеста с веером. 1911 г.



Matthijss Maris The Bride.

Невеста

Твой лик волнующе прекрасен.
В ресницах светится слеза.
А взгляд по-детски ещё ясен
И чуть испуганы глаза.

Ещё вчера читала сказки,
Про волшебство и добрых фей.
Сегодня нет на принце маски,
Иди к нему, шагай смелей!

Давно желал в свои объятья,
Изящный стан твой заключить.
Прижать к груди из кружев платье,
И жар любви с тобой испить!

Теперь лишь ты его принцесса!
Для вас двоих сегодня бал.
В мир дивных чувств снята завеса!
Амур любовь вам даровал!

© Анжела Давидович



Yiannis Moralis Bride. 1970 г.



Harrison Fisher Untitled.



Mauro Scali Untitled.



Nerida de Jong The braid Wore Red.

Невеста

Белые одежды,
Красные цветы,
У моей невесты
Щечки, как огни,
Сладкое волнение
У неё в груди
И глаза большие
Полные любви.

Нам на встречу лёгкий
Дует ветерок
И довольный нами
Крутится у ног,
Мы идём не спешно
На виду у всех,
С розою в причёске
Белою, как снег.

Музыка играет,
Вдаль река бежит,
Кажется, Всевышний
«Горько» нам кричит,
Белая пушинка
У меня в руках,
Поцелуй мой нежный
На её губах.

Свадьба и веселье,
Поздравления,
А потом остались
Лишь она и я,
Будет помнить ночка,
Как в моих руках,
Ангелы катали
Нас на облаках!

Евгений Шантырь



Татьяна Голембиевская Белое платье.



Александр Сурков Невеста.



Зибницкий.К.А. Невесты.



Алёна Рыбина-Егорова Невеста.



Марина Подгаевская Портрет невесты.



Акжан Абдалиева Невеста в ожидании. 2009 г.

b295a26142b9(147x40, 0 Kb)
]]> 7 <![CDATA[БАБУШКИН СУНДУК (ЧАСТЬ 3 - И ВНОВЬ О БАБУШКИНОМ СУНДУКЕ)]]> Бабушкин сундук

Этот старый расписной, бабушкин сундук,
Да платок до бровей белый, белый.
К нам в окошко смотрел лунный, призрачный круг.
Я уткнулась котёнком в колено.

Эти сказки сквозь марево чёрных ночей,
Да узоры холщовых рубашек.
Тени восковых длинных и тонких свечей
И озноб по спине до мурашек.

Мои думы от бабушки в сердце сквозят.
В сундуке расписном все разгадки.
И сквозь ночь грозовую всё в душу глядят
Её очи и руки на складках.

А мои кружева через край, через край.
На коленях туманом клубятся.
Я прошу тебя Господи: не убивай,
От мечты не смогу отказаться.

От огня, от любви, от волненья в крови,
Моя верность ему - до предела.
И о том, что мы встретимся с ним на пути,
В расписном сундуке подсмотрела.

Антонина Прядка



Федот Сычков Собираются в гости. 1940 г.






Ernest Biéler Deux Jeunes Valaisannes. 1923 г.



Игорь Панов Старый сундук. 2006 г.

Открою бабушкин сундук

Открою бабушкин сундук,
Вдохну былое
И на колени упаду…
Щемит… Не скрою.

Для патефона амулет
Укрыт платочком…
Вертинский из незримых лет…
В тумане очи.

Уснуло здесь веретено,
А как жужжало!
Здесь сарафан, почти что нов,
В цветочках алых.

В крахмале стопкой – кружева,
Очки – в футляре,
Крючок… Он славно танцевал
С бабулей в паре.

В багете скромная чета
Молчит на донце.
Стихи от Пушкина… Читал
Мой дед в оконце.

Здесь память сердца бережёт,
Лелеет время.
Вдруг звёздный дождь стеной пошёл…
От них… я верю.

Галина Шенина



Victor-Henri Juglar Pillage d’une église pendant la Révolution de 1793. 1885 г.



Thomas Crane & Ellen Elizabeth Houghton Untitled. 1882 г.



William Whitaker Steamer Trunk. 1980 г.



Леонид Репринцев Знамя 1950 г.

Старый бабушкин сундук

Старый бабушкин сундук в маленькой прихожей
Нёс корабликом двоих в дальние края -
Книжку стали мне читать, значит я пригожий,
И ведёт нас сундучок по морским боям.
Старый бабушкин сундук – нет удобней ложа,
А тем более сестра треплет хохолок.
Ключ потерян, ну и что? Унывать негоже.
Нам беду преодолеть сундучок помог.

Бой затих и корабли снова на приколе,
Море спряталось, уснув в ворохе страниц.
На губах оставил бриз привкус моря, соли,
И развеялся дымок из-под половиц.
Всё расставит по местам мамина походка,
Никогда не пропадём с мамочкой вдвоём.
Открывается замок и впускает ловко…
Хорошо на сундуке, но милее дом.

Владимир Алиханов



Кирилл Киселев На выданье.



Юрий Сергеев Молитва.



Юрий Сергеев Бабушкины наряды.



Юрий Сергеев У гадалки.



Вениамин Лосин Иллюстрация к сказке "Снегурочка".

b295a26142b9(147x40, 0 Kb)

Серия сообщений "Бабушкин сундук":
Часть 1 - БАБУШКИН СУНДУК (ЧАСТЬ 1 - ДЫХАНЬЕ СТАРИНЫ ГЛУБОКОЙ)
Часть 2 - БАБУШКИН СУНДУК (ЧАСТЬ 2 - ТАЙНЫ БАБУШКИНОГО СУНДУКА)
Часть 3 - БАБУШКИН СУНДУК (ЧАСТЬ 3 - И ВНОВЬ О БАБУШКИНОМ СУНДУКЕ)

]]> 8 <![CDATA[ЖЗЛ (ЯННИС МОРАЛИС. ТВОРЧЕСТВО ДЛИНОЙ В 80 ЛЕТ: ОТ РЕАЛИЗМА К АБСТРАКЦИИ)]]> Греческое изобразительное искусство - как "белое пятно" в истории мировой живописи. Попроси назвать живописцев Греции (не берем античность - там фрески и скульптуры в основном), и народ с трудом сможет назвать хотя бы пару имен, Эль Греко, прожившего в Испании, во внимание не берем. Уверен, любителям живописи необходимо знать о художнике Яннисе Моралисе, поскольку он является одним из ярких греческих художников ХХ века. Думаю, основные причины "нераскрученности" художника в том, что, во-первых, история современной греческой живописи начинается всего лишь с середины 19 века, а, во-вторых, сам художник умер всего 3 года назад, поэтому при жизни историкам, наверное, неловко было его называть гением.
ВВВладимиров написал мне: "Моралис - художник очень "греческий", точнее - "элладный" - и цветовая гамма и композиция его работ, не копируют, но - помнят об античной вазописи. Архаизированная фактура его ранних фигуративных работ со сдержанной, и вдруг озаряемой внезапной вспышкой цвета гаммой, приводит на память строки Мандельштама:
Ты красок себе пожелала --
И выхватил лапой своей
Рисующий лев из пенала
С полдюжины карандашей.
Вот таким «рисующим львом» мне представляется и Янис Моралис".
И я полностью согласен с Владимиром!

Яннис Моралис
Yiannis Moralis
Ιωάννης Μόραλης

23 апреля 1916, Арта – 20 декабря 2009, Афины



Yiannis Moralis Self Portrait. 1938 г.

Греческий художник, один из величайших художников современной Греции, яркий представитель так называемого «поколения 30-х годов».
Яннис родился в городе Арта в западной части Греции. Этот город расположен на месте древнего города Амбракия, основанного коринфянами в 640 г. до н. э., свое нынешнее название Арта получила в XI веке. Город периодически переходил от турков к венецианцам (1688), потом к французам (1797), и, наконец, снова стал греческим только в 1881 году.
Все детство Яннис провел в Арте. Есть информация, что в период с 1922 по 1927 год Моралисы проживали в городе Превеза. Греческая Википедия даже публикует фото сохранившегося дома, где жил будущий художник. Но в 1927 году семья переехала в Афины.






Дом в Превезе, где художник жил в период между 1922 и 1927 годами.

Учеба. 1930-е.

Скорей всего, живописью Яннис увлекся в столице, поскольку он стал посещать воскресные лекции в известной Афинской Школе (позже Академии) изобразительного искусства (ASFA), на живописный факультет которой Яннис поступил в 1931 году в возрасте 15 лет. В АСФА Моралис получил основательное образование. Живопись юноше преподавали Димитриос Гераниотис (Dimitrios Geraniotis, 1871-1966), Умбертос Аргирос (Umbertos Argyros, 1882-1967) и Константинос (Костас) Партенис (Konstantinos (Costas) Parthenis, 10 мая 1878 – 25 июля 1967), а искусство гравюры Яннис изучал у Янниса Кефаллиноса (Yannis Kefallinos, 1894-1957).



Yiannis Moralis Self Portrait. 1934 г.



Yiannis Moralis Love - Hope. 1934 г.



Yiannis Moralis Abduction of Ganymede (Похищение Ганимеда) sketch. 1937 г.



Yiannis Moralis Still Life. 1934 г.



Yiannis Moralis At the Photographer's. 1934 г.

Однокурсники Янниса – Никос Николау (Nikos Nikolaou, 1909–1986), Христос Капралос (Christos Kapralos, 1909 - 1993) и Яннис Царухис (Yannis Tsarouchis, 1910-1989) – стали его друзьями на долгие годы.



Yiannis Moralis Self Portrait with Nikos Nikolaou. 1937 г.



Yiannis Moralis Portrait of sculptor John Pappas 1938 г.



Yiannis Moralis Nikolaos Lytras.
Yiannis Moralis Portrait of the artist Christodoulou. 1938 г.

В 1936 году Моралис в Школе получил годовой грант – стипендию на продолжение учебы за рубежом, и в следующем году отправился в Рим, где изучал мозаики и фрески. Правда, в «Вечном городе» художник пробыл недолго, потому что решил продолжить учебу во Франции.



Yiannis Moralis Paris 1938 г.

В Париже Моралис посещал занятия по живописи и семинары по настенной росписи в Высшей национальной Школе изящных искусств. Одновременно художник изучал искусство мозаики в Школе искусств и ремесел.
Когда в 1939 году началась Вторая мировая война, Моралис был вынужден вернуться в Грецию.



Yiannis Moralis Still Life. 1939 г.



Yiannis Moralis Reclining Nude 1939 г.

На родине. Армос. 1940-е.

В 1940 году в Афинах состоялась первая выставка, на которой была представлена одна из картин художника, на этой национальной Всегреческой выставке работа Моралиса была удостоена первой премии.
После такого успешного дебюта Моралис стал активно участвовать во многих национальных и международных выставках.



Yiannis Moralis Girl sleeping.



Yiannis Moralis Hats. 1939 г.



Yiannis Moralis Still Life with Shoes. 1941 г.

В 1947 году художник был избран профессором в подготовительный класс своей «альма-матер», а спустя десять лет стал вести собственную мастерскую в Академии. Педагогической деятельностью в Афинской Академии изобразительных искусств профессор Моралис занимался в течение почти сорока лет вплоть до своей отставки в связи с уходом на пенсиию (1947-1983).



Yiannis Moralis Self Portrait.

История изобразительного искусства Греции подобна истории самого государства, получившего независимость только в 1830 году. В течение XIX века греческие живописцы черпали навыки и вдохновение в так называемой «Мюнхенской школе», а уже в ХХ веке фаворитами стали Париж и движения модернизма. К концу 1940-х годов образовалась целая группа художников, которая вошла в историю, как «Поколение тридцатых», которые попытались в своем творчестве искать, как окрестили это историки, «греческость», то есть обратить свое внимание на собственную многотысячную историю.
В 1949 году Моралис совместно со своими друзьями, однокурсниками и коллегами создал художественное объединение «Армос». Как отмечают историки, «это был наиболее сплоченный кружок из тех, которые когда-либо появлялись в греческом искусстве».



Yiannis Moralis The Table. 1947 г.



Yiannis Moralis Portrait of a Young Lady.

Кроме Моралиса и его названных выше друзей-однокурсников Никоса Николау и Янниса Царухиса инициаторами создания группы «Армос» выступили Никос Хатзикириакос-Гикас (Nikos Hadjikyriakos-Ghikas, 26 февраля 1906 – 3 сентября 1994), Никос Энгонопулос (Nikos Engonopoulos, 21 октября 1907 – 31 октября 1985), Панайотис Тетсос (Panayiotis Tetsis, родился в 1925 году), Диамандис Диамантопулос (Diamandis Diamantopoulos, 1914-1996),
Георгос Мавроидис (родился в 1913 году) и Спирос Папалукас (Spiros Papalucas, 1892-1957).
Историки отмечают, что эту группу художников «отличает экспериментальность, инновационность техники и оригинальность сюжетов, среди которых не теряются греческие национальные черты». Многих художников «Армоса» считают основателями греческого модерна.



Yiannis Moralis Two Girl Friends. 1946 г.
Yiannis Moralis Pregnant Woman. 1948 г.

Уже в 1950 году группа «Армос» провела свою первую коллективную выставку во дворце Заппейон в Афинах. Как сказал в одном из интервью ученик Моралиса Д. Коккинидис: «Целое поколение художников 1930-х годов пыталось создать стиль для себя, не забывая мотивы и формы греческого искусства».

Жена Мария

В эти же годы Яннис Моралис женился на Марии Роуссен, которую неоднократно изображал на своих полотнах. Сын Марии от второго брака – Симон Бадделей в своем блоге рассказал о судьбе своей матери – первой жены Янниса Моралиса.



Yiannis Moralis The Artist and his Wife 1943 г.

Мария родилась в Афинах 26 августа 1916 года в семье Лилли и Перикла Роуссена, который служил адмиралом греческого военно-морского флота. Мария была средним ребенком из пяти дочерей – Янины, Эмили, Долли и Норы. Она обожала отца, который дразнил ее ласково Марио, ожидая все время мальчика, он дал ей такое мужское прозвище. Между двумя мировыми войнами Мария вместе с сестрами была извесными фигурами гламурного высшего света Афин, в городе их называли «клан сестер Роуссен». Увы, со смертью отца все изменилось. Перикл Роуссен, монархист по убеждениям, отказался выполнять какой-то приказ правительства, который мог привести к гибели греческого флота, был заключен в тюрьму, где скоропостижно умер.
Марии пришлось отказаться от получения образования и, чтобы поддерживать семью, устроиться на работу в городскую энергетическую компанию. Но привыкшая к богемному образу жизни Мария все же успевала в свободное от работы время посещать афинские литературные и художественные сообщества. Здесь она и познакомилась с Моралисом, который пригласил девушку написать с нее портрет. Историки пишут, что Марию писал также друг Моралиса – Яннис Царухис. Симон Бадделей утверждает, что Мария сама в это время увлеклась живописью.



Yiannis Moralis Portrait of Maria Roussen.

Забегая вперед, сообщу, что после немецкой оккупации во время второй мировой войны, и последующей Гражданской войны в Греции, Мария встретила и влюбилась в англичанина Джона Халкетт Бадделея, который служил дипломатом в британском посольстве в Афинах. Джон увлекся красотой Марии, а она была покорена его обаянием и английскими манерами.



Yiannis Moralis Portrait M.R 1943 г.

Вскоре они поженились и были очень счастливы. Мария поддерживала мужа в работе, сопровождала его в поездках в Гонконг, Сингапур, Бирму и Бельгию, родила Джону четверых детей и воспитывала двух от первого брака. В начале 1960-х годов Бадделеи переехали в Лондон, где Джон стал работать в МИДе. Семья жила в Сассексе, а когда дети выросли и разъехались, Джон получил назначение в британское посольство в Вашингтоне. В 1972 году он в возрасте 52 лет умер от рака. Мария вернулась в Фулхэм, а с середины восьмидесятых годов делила время между Грецией, Швейцарией и Англией. Умерла Мария Бадделей в ноябре 2005 года и была похоронена в Великобритании.
Больше о личной жизни Янниса Моралиса мне не удалось ничего найти. Судя по всему, детей у него не было. И неизвестно, женился ли он еще раз?

О творчестве. 1950-е.

Впрочем, это не так и важно, поскольку лучше продолжить разговор о творчестве Моралиса. Начало 1950-х годов "ознаменовалось" целой серией женских портретов и очаровательных ню, выполненных в реалистической и экспрессионистской манере.



Yiannis Moralis Figure. 1951 г.
Yiannis Moralis Portrait of Fani.



Yiannis Moralis Female Nude. 1950 г.
Yiannis Moralis Figure. 1951 г.



Yiannis Moralis Nude Standing.
Yiannis Moralis Figure. 1952 г.
Yiannis Moralis Figure.

В 1954 году художник начал сотрудничество с ведущими театрами Греции, создав декорации и костюмы для многих театральных и танцевальных спектаклей сначала для Художественного театра под руководством Карлоса Куна, а позже для Национального театра Греции и греческого Национального театра балета.



Композитор Манос Хатзидакис, режиссер Карлос Кун и Яннис Моралис.

Художник создал несколько украшений архитектурных сооружений, среди них фрески для фасада отеля Хилтон в Афинах (1959) и станций афинского метрополитена «Панепистимиу» (улица Панепистимиу – одна из центральных улиц Афин, дословно название улицы переводится как «улица Университетская») и «Центральный вокзал».
Стоит отметить, что некоторые из критиков Моралиса называли его «декоративные» работы «дешевыми», указывая, что художнику «не хватало интеллекта и духовности». Но историки утверждают, что подобное отношение связано, в первую очередь, с коммерческой подоплекой всего, что связано с термином «декоративные работы».



Yiannis Moralis Funerary Composition I. 1958-1962 гг.



Yiannis Moralis Funeral Composition. 1958 г.

В 1959 году в выставочном зале «Армос» в Афинах состоялась первая персональная выставка Моралиса. В следующем, 1960 году, он вместе с художником Яннисом Царухисом и скульптором Антонисом Сохо участвовал в Венецианской Биеннале, где получил приз.

Абстракция. 1960-е и 1970-е.

В 1960-х годах Моралис – реалист уступает место Моралису – абстракционисту. Впрочем, заметный поворот к абстрактному искусству был отмечен в шестидесятых годах во всем греческом искусстве. В работах Моралиса абстракция стала появляться, когда художник начал участвовать в крупных проектах, выполняя архитектурный декор (например, фреска с тремя фигурами, которая экспонировалась в Венеции). Элементы абстракции заметны и в многочисленных ню, написанных, начиная с конца 1950-х годов.



Yiannis Moralis Bride. 1970 г.



Yiannis Moralis Composition I. 1949-1958 гг.
Yiannis Moralis Daydreaming. 1959 г.

Но в отличие от других художников Моралис применял в своих картинах, как пишут искусствоведы, «рационалистическую абстракцию», основанную на строгой ритмике геометрических фигур, построению красочно-графических монументальных символов, выражающих многообразие динамичной современной жизни.
Геометрическая абстракция и акцент на женской фигуре стали занимать центральное место в творчестве Моралиса. Художник часто изображал женские фигуры, словно пытаясь расшифровать ее загадки.



Yiannis Moralis Girl untying her sandal. 1973 г.



Yiannis Moralis Reclining Nude.

Кроме того, Моралис проиллюстрировал книги поэтов Георгиоса Сефериса и лауреата Нобелевской премии по литературе 1979 года Одисеаса Элитиса, выпустил серию гравюр, оформил не одну обложку музыкальных альбомов.



Yiannis Moralis 10 colored drawings for the poems of George Seferis. 1965 г.



Yiannis Moralis 10 colored drawings for the poems of George Seferis. 1965 г.



Yiannis Moralis 10 colored drawings for the poems of George Seferis. 1965 г.

1960-е годы стали временем государственного признания художника. В 1962 году Моралис был избран действительным членом Международного Института литературы и искусства, в 1965 году
король Константин II наградил художника Орденом Феникса.
В Положении о награде сказано: «Орденом Феникса награждаются греческие граждане, отличившиеся в области государственной деятельности, науки, искусства и литературы, торговли, промышленности и судоходства, а также иностранные граждане, которые внесли свой вклад в укрепление положения Греции за рубежом, в указанных выше областях». Орден Феникса имеет пять степеней, Моралис стал Командором Ордена (третья степень).



Yiannis Moralis Epithalamio. 1968 г.
Yiannis Moralis Summer. 1968 г.

В 1970-х годах художник окончательно переходит из реалистичного изображения человеческих форм его ранних работ к геометрической стилизации. Так и хочется добавить – Почувствовал вкус!



Yiannis Moralis Love Scene. 1982 г.

В 1973 году Моралис получил Золотую медаль на Международной выставке в Мюнхене, в 1979 году был награжден Медалью искусств афинской Академии художеств.



Яннис Моралис в 1975 году.

В 1983 году, как я уже писал выше, Академия художеств проводила профессора Моралиса на заслуженный отдых. Отмечу, что в момент выхода на пенсию девять из десяти профессоров в Академии были его бывшими учениками. Среди них и ректор Академии, помощник и большой друг Моралиса – Димосфен Коккинидис (Dimosthenes Kokkinidis). Среди известных учеников Моралиса можно назвать также Алекоса Фасианоса и Янниса Метзикова.

Последние годы. XXI век.

Последние годы жизни художник жил и работал то в Афинах, то на своей вилле на острове Эгина в Сароническом заливе. Он редко давал интервью, избегал гласности.



Яннис Моралис

В интервью журналистке Кристи Пападопулу по поводу его ретроспективной выставки летом 2008 года художник сказал: «Одна из причин, почему я не даю интервью, в том, что я чувствую, как после этого снижается восприятие моих картин. Я хочу, чтобы мои произведения, как и я, были свободными, чтобы зритель, не стесняясь, читал в них тот смысл, который он хочет, а не тот, который объяснил я».



Yiannis Moralis Erotic.

В 1988 году Национальная галерея Греции организовала большую ретроспективную выставку Моралиса, еще одна была проведена в 2008 году в Музее современного искусства Афин, в 1999 году художник получил еще одну государственную награду – медаль за заслуги.
Нужно отметить, что художник активно творил в течение почти восьмидесяти лет (1931 – 2009), он не боялся экспериментировать, в творческом наследии художника картины разных течений и направлений – от реализма и экспрессионизма до кубизма и абстракции. При этом, он всегда благоговел перед античным греческим искусством и византийской иконографией.



Yiannis Moralis Erotic.

В конце 2005 года картина Моралиса «Диалог» (1982) была продана на торгах Аукционного дома «Bonhams» за 207 200 фунтов стерлингов и стала самой дорогой картиной греческих художников. Я нашел картину Моралиса "Диалог", датированную 1974 годом.



Yiannis Moralis Dialogue. 1974 г.

Яннис Моралис скончался в Афинах 20 декабря 2009 года в возрасте 93 лет и был похоронен на Первом кладбище в тесном семейном кругу.



Яннис Моралис

Министр культуры Греции Павлос Еруланос, узнав о смерти художника, сказал в интервью: «Мы прощаемся с одной из величайших художественных фигур современной Греции. Пока он был жив, он давал нам уверенность, что мы все еще связаны с прошлыми поколениями и причастны к событиям той эпохи, когда мы еще не родились».
За последние два года работы греческого Мастера были представлены на выставке «Женщина как муза, 1900-1950», представляющей женщин-муз, вдохновлявших знаменитейших художников ХХ века взяться за кисть и написать очередной шедевр. Картины Моралиса в афинском музее Ираклидон осенью 2010 года были выставлены рядом с полотнами Пабло Пикассо, Сальвадора Дали, Анри Матиса и других мастеров прошлого века. В прошлом году в Музее Бенаки в Колонаки прошла выставк «Архитектурные композиции», на которой был представлен Моралис – абстракционист.
Работы художника находятся в многочисленных государственных и частных коллекциях как в Греции, так и за рубежом.



Yiannis Moralis Eroticon. 1990 г.

Источники – мои переводы из зарубежных Википедий и статей на сайтах: 1, 2, 3, 4, 5.

b295a26142b9(147x40, 0 Kb)

Серия сообщений "Греция":
Часть 1 - ЖЗЛ (ГЕОРГИОС ЯКОВИДИС. МЭТР ГРЕЧЕСКОЙ ЖИВОПИСИ НАЧАЛА ХХ ВЕКА.)
Часть 2 - КОЛЛЕКЦИЯ АВТОПОРТРЕТОВ (ЧАСТЬ 53 - ФИДИЙ. ПЕРВЫЙ АВТОПОРТРЕТ В МИРОВОМ ИСКУССТВЕ?!)
...
Часть 4 - ЖЗЛ (НИКОЛАОС ЛИТРАС. СЫН АКАДЕМИСТА, ЗВЕЗДА МОДЕРНА.)
Часть 5 - ЖЗЛ (ЕЛЕНА БУКУРИ-АЛЬТАМУРА. НАСТОЯЩАЯ ГРЕЧЕСКАЯ ТРАГЕДИЯ)
Часть 6 - ЖЗЛ (ЯННИС МОРАЛИС. ТВОРЧЕСТВО ДЛИНОЙ В 80 ЛЕТ: ОТ РЕАЛИЗМА К АБСТРАКЦИИ)

]]> 2 <![CDATA[ТАНЕЦ В ЖИВОПИСИ (БАЛЕТ ЧАСТЬ 42 - МАЛЕНЬКИЕ БАЛЕРИНКИ ЛУИ ЛЕГРАНА)]]> Это цитата сообщения Диаскоп Оригинальное сообщениеО жизни и творчестве художника я написал в предыдушем посте, сегодня добавляю галерею новых балетных рисунков этого замечательного француза, обойденного достойным вниманием историками, критиками, арт-дилерами и любителями живописи.

Луи Легран
Louis Legrand
1863 – 1951












Серия сообщений "Балет":
Часть 1 - ТАНЕЦ В ЖИВОПИСИ (БАЛЕТ. ЧАСТЬ 1 - ПЕВЕЦ &quot;БАЛЕТНЫХ НОЖЕК&quot; - ЭДГАР ДЕГА)
Часть 2 - ТАНЕЦ В ЖИВОПИСИ (БАЛЕТ. ЧАСТЬ 2 - БАЛЕРИНЫ ЗИНАИДЫ СЕРЕБРЯКОВОЙ )
...
Часть 43 - ТАНЕЦ В ЖИВОПИСИ (БАЛЕТ ЧАСТЬ 40 - Я - МАЛЕНЬКАЯ БАЛЕРИНКА (Новый вернисаж))
Часть 44 - ТАНЕЦ В ЖИВОПИСИ (БАЛЕТ ЧАСТЬ 41 - БАЛЕТ В ТВОРЧЕСТВЕ ЛАУРЫ НАЙТ)
Часть 45 - ТАНЕЦ В ЖИВОПИСИ (БАЛЕТ ЧАСТЬ 42 - МАЛЕНЬКИЕ БАЛЕРИНКИ ЛУИ ЛЕГРАНА)

]]> 2 <![CDATA[ЖЗЛ (ЛУИ ЛЕГРАН. ПОГАСШАЯ ЗВЕЗДА BELLE EPOQUE)]]> Странно, что творчество Луи Леграна заинтересовало историков и арт-дилеров не так давно, хотя в разных источниках пишут, что художник был одной из центральных фигур La Belle Epoque в конце 19 века, когда Париж являлся мировым центром искусства. К тому же, историки ставят имя Леграна в одном ряду с такими известными графиками и плакатистами, как Анри Тулуз-Лотрек (Henri de Toulouse-Lautrec, 24 ноября 1864 - 9 сентября 1901), Мануэль Роббе (Manuel Robbe, 16 декабря 1872 - 1936) и Жюль Шере (Jules Chéret, 31 мая 1836 –23 сентября 1932).
«Соседство» именно с Тулуз-Лотреком и Роббе заявлено еще и потому, что кроме балетных танцовщиц Легран часто писал проституток и танцовщиц кабаре, а также жанровые зарисовки посетителей баров. Критики в свое время обвиняли художника в том, что он «пропагандирует» декаданс. Но давайте обо всем по порядку.

Луи Огюст Матье Легран
Louis Auguste Mathieu Legrand

23 сентября 1863, Дижон – 12 июня 1951, Ливрей-Гарган, Пикардия



Louis Legrand Portrait De L`Artiste Par Lui-Meme (Self-Portrait).

Французский художник, гравер, офортист и рисовальщик.
Луи Легран родился в столице провинции Бургундия, городе Дижоне, который всегда гордился своими уроженцами. А среди них – три короля из династии Валуа, знаменитый французский проповедник и богослов XVII века Жаком Боссюэ, композитор и теоретик музыки эпохи барокко Жан-Филипп Рамо (1683- 1764), создатель знаменитой башни, инженер Александр Гюстав Эйфель (1832- 1923), а также скульпторы Франсуа Жуффруа (François Jouffroy, 1 февраля 1806 - 25 июня 1882) и Франсуа Рюд (François Rude, 4 января 1784 - 3 ноября 1855).
После получения начального образования Луи устроился работать кассиром в банк, а в свободное от работы время посещал живописный класс в Дижонской Школе изящных искусств. В 1883 году, в возрасте двадцати лет, Легран выиграл главный приз на творческом конкурсе, проводимом ежегодно в этой Школе, и через год уехал в Париж.






Louis Legrand À l'Atelier Etching. 1885 г.



Louis Legrand Matinee.

В столице художник устроился на работу карикатуристом и политическим сатириком в «Забавном журнале» (Le Journal amusant), а с 1887 года стал сотрудничать еще и с влиятельным изданием «Французский курьер» (Courrier français). Очень быстро Легран стал известен своими картинами, рисунками и гравюрами, изображающими жизнь парижского бомонда. Интересный факт, но за слегка непристойную сатиру на Эмиля Золя во «Французском курьере» художник «схлопотал» краткосрочное тюремное заключение.



Louis Legrand Naturalisme. 1890 г.
Louis Legrand Monsieur et Madame Adam.

В Париже Легран продолжил самообразовываться, он брал уроки у бельгийского художника-символиста Фелисьена Ропса (Félicien Rops, 7 июля 1833 - 23 августа 1898), который с 1865 года жил во Франции и был широко известен как карикатурист, гравер и иллюстратор, создавший иллюстрации к произведениям Шарля де Костера и Шарля Бодлера.
Леграна Ропс научил технике офорта. Технически Луи многое узнал от своего учителя, но их подходы к самим темам различаются. Кроме иронии, остроумия и юмора, в офортах Леграна присутствует жалость к своим персонажам, он их не презирает, как и Тулуз-Лотрек, любивший своих героинь – проституток и танцовщиц. Но подчас ирония Леграна мрачна, и в этом он - истинный ученик Ропса.



Louis Legrand Untitled.



Louis Legrand Paganisnisme.



Louis Legrand Untitled.

Именно после занятий у Ропса акварели, изображавшие танцовщиц кан-кана в мюзик-холе, опубликованные в прославленном литературном журнале «Жиль Блас» (Le Gil Blas), принесли художнику первый большой успех.
Для справки: «Жиль Блас» - парижский литературный журнал, основанный в ноябре 1879 года Августином - Александром Дюмоном и издававшийся до 1914 года. Журнал был назван в честь известного плутовского романа Аллена-Рене Лесажа и часто печатал на своих страницах новинки литературы еще до того, как они появлялись в виде книг (например, «Жерминаль» Эмиля Золя).
Рисунки Леграна оказались настолько успешными, что были проданы тиражом до 60 тысяч экземпляров, и «Жиль Блас» сделал художнику заказ 11 гравюр на тему «Танец». Эта серия была опубликована в 1892 году в виде набора офортов «Танцевальные уроки конца века».



Louis Legrand Cours de Danse de Fin de Siècle (Brisement a Terre). 1892 г.



Louis Legrand Cours de Danse de Fin de Siècle. 1892 г.



Louis Legrand Cours de Danse de Fin de Siècle (Brisement de cuisse à terre). 1892 г.

Успех художника обратил на него внимание известного издателя конца XIX века Гюстава Пелле, который в том же 1892 году опубликовал 15 литографий Леграна, а в следующем 1893 году – целую серию гравюр «Маленький балет» (Les Petites de ballet), тематически напоминавших пастели Дега и изображавших балетные репетиции.



Louis Legrand Cours de Danse de Fin de Siècle (Brisement Assis avec Professor). 1892 г.



Louis Legrand Cours de Danse de Fin de Siècle (Le Salut Militaire). 1892 г.



Louis Legrand Cours de Danse de Fin de Siècle. 1892 г.

После выхода этой серии слава художника распространилась по всей Европе. Этот проект стал началом долгого сотрудничества Леграна и Пелле, значимость издателя в «раскрутке» художника была такой, что на поле отпечатков работ Леграна Пелле ставил свое имя рядом с подписью художника.



Louis Legrand Untitled.



Louis Legrand Cours de Danse de Fin de Siècle (Lancement). 1892 г.
Louis Legrand Cours de Danse de Fin de Siècle (Brisement sur mur). 1892 г.

Уточню, что знаменитый издатель активно сотрудничал также с Тулузом-Лотреком, Одилоном Редоном, Фелисьеном Ропсом и Полем Синьяком. Что касается Леграна, то Пелле опубликовал около 300 работ художника, включая балетные серии, эротические изображения и жанровые картины. Нужно отдать должное Пелле, именно благодаря ему, Легран в 1890-х годах стал французской знаменитостью.



Louis Legrand Coquetterie (Femme au Miroir). 1900 г.



Louis Legrand Les deux Amies.



Louis Legrand Dans le Théâtre.



Louis Legrand Permissionnaire (Солдат в отпуске)

Его пастели пользуются большим спросом, зрителей, покупателей и арт-дилеров увлекают его работы в стиле Belle Epoque, показывающие интимную сторону жизни богемы и ночную жизнь Монмартра. Казалось бы, ничего нового и революционного в изображениях. Всё это есть у того же Лотрека и других известных художников – в основном девушки и женщины, которые изображены в театре на репетиции, в кафе или баре за столиками, дома за утренним или вечерним туалетом, в объятиях клиентов, готовых платить за свое удовольствие. Они танцуют, сидят, едят, пьют и курят…



Louis Legrand Flore Artificielle.



Louis Legrand Apres le Tub. 1909 г.

Но, видимо, филигранное мастерство художника обращало внимание публики именно на его работы. Правда, историки утверждают, что такой большой интерес вызван еще и тем фактом, что работы Леграна стали публиковаться в печати чуть раньше, чем картины Лотрека и других художников этого «жанра». Лично я не очень уверен в этом, но приходится «верить на слово». Впрочем, справедливости ради, стоит заметить, что при жизни того же Лотрека критика была настроена недоброжелательно по отношению к его творчеству, а признание и настоящая слава пришли к художнику уже после его смерти в 1901 году.



Louis Legrand Animales.



Louis Legrand Untitled.



Louis Legrand Etching of Women.

Что касаемо сравнения леграновской балетной серии с творчеством Дега, то те же историки пишут: «Дега – как более объективный художник, не просто любит и сочувствует изображаемым им девушкам, он порой их ненавидит, как ненавидел все, что было уродливого в повседневной жизни, - потому что трудятся пока мало, потому что есть среди них посредственности, которым никогда не овладеть прекрасным искусством». Насчет ненависти, как мне кажется, спорный тезис, но я всегда считал, что искусствоведческий разбор – это всегда субъективное мнение, и можно либо согласиться с ним, либо возразить.



Louis Legrand Devant la Fenêtre. 1908 г.



Louis Legrand Entrée de Scène. 1908 г.

Легран тоже видит уродливые стороны этого прекрасного вида искусства, но у него «обвиняемые» – не сами танцовщицы, а, например, их алчные до денег и славы родители, приводящие своего ребенка на первый урок часто против их желания или педагоги, которые порой ради достижения результата ломают кости и судьбы своих подопечных. Но не зря же балетное искусство считают адским трудом, который зритель, к счастью, не видит. Зачастую художник, изображая смущение, упорство, усталость или леность своих балерин, выступает тонким психологом.



Louis Legrand Coquette. 1896 г.



Louis Legrand Faune Parisienne. 1918 г.

Напомню, что темы творчества Леграна – это не только балет. Художник иллюстрировал рассказы Эдгара По, отображая жуткие фантазии писателя, и «Фауста» Гете.



Louis Legrand Illustration for Goethe's Faust.



Louis Legrand Illustration for Goethe's Faust.



Louis Legrand Untitled.

Легран выпустил серии офортов «Маленький класс» (La Petite Classe, 1908) и «Бары» (Les Bars, 1909), он много писал крестьян, изображал сюжетные картины матерей с детьми, писал рекламные плакаты, пейзажи и исторические портреты, например, Карла VI (1909).



Louis Legrand From series Le Bars. 1909 г.



Louis Legrand From series Le Bars. 1909 г.



Louis Legrand From series Le Bars. 1909 г.

Одним словом, вроде бы карьера художника сложилась удачно, но после Первой мировой войны «Прекрасная эпоха» тихо скончалась, вкусы и мода изменились, изменились культурные и социальные ценности, и интерес к творчеству Леграна пропал.



Louis Legrand Maternelle.



Louis Legrand Joie Maternelle. 1900 г.

Историки, действительно, отмечают, что Belle Époque исторически обозначена между 1890 и 1914 годами. Именно в эти годы зародилось автомобилестроение и воздухоплавание, кино и метро (хотя в Париже метро появилось уже в 1863 году), это было время расцвета фотографии и модерна в искусстве и литературе, археологических открытий и рождения кино, популярности бульваров и кафе, кабаре и морских купаний. Всё это и было символами и составляющими Belle Époque.
Единственный непонятный факт биографии художника – длительный период творческого бездействия Леграна. В чем его причины? Почему художник, как отмечают историки, даже стеснялся своей славы и своих успехов? Более сорока (!!!) лет Луи Легран непонятно как жил и непонятно чем занимался, хотя некоторые его гравюры, найденные мной в интернете и датированы, например, 1931 годом.
В 1951 году Луи Легран тихо скончался в возрасте 88 лет.
В результате имя художника было практически забыто еще при его жизни, а интерес к его творчеству, статьи о нем и аукционные продажи стали появляться только в самом конце ХХ века.



Louis Legrand Femme au chapeau.



Louis Legrand Le fils du Charpentier (Сын плотника).1892 г.



Louis Legrand Scène galante.

Еще во время дебюта Леграна на художественном поприще в Париже знаменитый французский поэт, писатель, биограф и арт-критик Северин Фауст, известный под псевдонимом Камиль Мауклер (Séverin Faust (Camille Mauclair), 29 декабря 1872 - 23 апреля 1945), написал о художнике: «Замечательно искусный гравер, рисовальщик с острым зрением, художник, рисующий любопытные характеры и персонажей, который во многом опередил художников нашего времени».



Louis Legrand L'Hétaïre (Гетера). 1900 г.



Louis Legrand The Apache's Supper (Ужин апаша). 1901 г.



Louis Legrand Sportsmen. 1908 г.

И очень отрадно, что имя Луи Леграна, наконец-то, начинают ценить в его родной стране. И будем надеяться, что и во всем мире!



Обложка каталога выставки Леграна.

Источники: мои переводы информации с сайтов 1, 2, 3, 4, 5.

b295a26142b9(147x40, 0 Kb)]]> 4 <![CDATA[ЖЗЛ (ФЕЛИКС ТРЮТА. ХУДОЖНИК, НЕ ВОШЕДШИЙ В ИСТОРИЮ.)]]> Но, поскольку История не любит сослагательного наклонения, мы имеем ныне небольшую биографическую справку о художнике, с десяток картин, которые находятся, в основном, в музее его родного города, и абсолютно новое имя.
Знакомьтесь!

Феликс Трюта
Félix Trutat

25 февраля 1824, Дижон — 7 марта 1848, Дижон



Felix Trutat Portrait of the Artist and His Mother. 1846 г.

Французский художник-реалист.
Феликс был учеником Леона Конье (Léon Cogniet, 29 августв 1794 - 20 ноября 1880) и Пьера-Поля Амона в парижской Школе изящных искусств.
К слову, вспомнилась биография учителя Трюта – Леона Конье. Он ярко начинал, учился у Пьера Нарцисса Герена и в Риме, блистал на Парижских салонах, имел многочисленных учеников, но в преклонном возрасте отошел от творчества и умер всеми забытый, как и неоклассицизм с романтизмом, которые Конье проповедовал всю жизнь.
Во время учебы Трюта испытал большое влияние художников венецианской школы (особенно Тинторетто), картины которых копировал в Лувре.
Сохранившиеся картины Трюта - в основном портреты и изображения обнажённой натуры. По стилю молодой художник приближался к Гюставу Курбе.
Феликс Трюта погиб в результате падения с коня в 1848 году, в возрасте 24 лет, не успев жениться и не оставив потомства.
Многие из работ художника Трюта выставлены в Музее изящных искусств Дижона.
Двоюродный брат Феликса – Эжен Трюта (Eugène Trutat, 25 августа 1840 – 6 августа 1910) стал фотографом и хранителем Тулузского музея естественной истории.
Вот и всё, что известно об этом неизвестном французском художнике!






Félix Trutat Nude Girl on a Panther Skin. 1844 г.



Felix Trutat Head of dead Christ. 1846 г.



Felix Trutat Portrait de femme.



Felix Trutat Etude de Torse.



Felix Trutat Head of a Sleeping Man.



Felix Trutat Portrait de Jean Baptiste Carre.



Felix Trutat Portrait de Madame Jean Baptiste Carre.



Felix Trutat Portrait de Joseph Carre.



Felix Trutat Portrait de Madame Benigne Carre.



Felix Trutat Portrait de Pierre Paul Hamon.



Felix Trutat Portrait de madame Hamon, epouse du peintre Pierre-Paul Hamon. Musee du Louvre.

b295a26142b9(147x40, 0 Kb)
]]> 3 <![CDATA[ВЫСТАВКА ОДНОЙ КАРТИНЫ (Часть 69 - ИСПАНСКИЙ ТРИПТИХ. ПАМЯТИ АНДРЕЯ МЫЛЬНИКОВА)]]> Всё чаще, когда пишут о деятелях искусства (да и не только искусства!), которые покидают наш суетный неупорядоченный мир, звучит фраза – «уходит поколение…».
Вот и на днях в общении с моим другом, скульптором из Петербурга, прозвучала фраза «Сегодня попрощались с Андреем Андреевичем Мыльниковым... Уходят Гении. Истинные…»
Для меня это стало неожиданной новостью, поскольку в новостях о кончине художника не говорили, да и интернет откликнулся на это печальное событие уже в день похорон. Что очень странно и обидно для фигуры такого художника.
Андрея Андреевича Мыльникова во многих источниках называют «последним из могикан». И не только потому, что художник был обладателем всевозможных званий, премий и регалий. Он, действительно, был одним из выдающихся художников – монументалистов и замечательным педагогом советской эпохи и продолжил творить и преподавать уже во времена «новой России».



Андрей Андреевич Мыльников (1919 - 2012)

Пишу так, поскольку для меня критерием значимости художника является всегда то, что при произнесении его имени можно безошибочно назвать хотя бы две-три его работы. Для меня в творческом наследии Андрея Андреевича – это «Прощание» и триптих «Испания». Эти картины врезались в память еще в юности в виде репродукций из журналов. Сейчас, спустя много лет, увлекшись изучением истории изобразительного искусства, я, например, узнал, что картина «Прощание» (1975) была награждена в 1977 году Государственной премией СССР, а испанский триптих (1979) в 1981 году получил Золотую медаль Академии художеств СССР, а в 1984 году – Ленинскую премию.




В одном из блогов нашел интересную мысль именно об этих картинах Мыльникова (действительно, самых известных работах художника): ««Прощание» и «Испанский триптих» — по составу крови и религиозно-культурному бэкграунду сродни главным мифологическим фигурам 70-х годов, от Тарковского до Высоцкого».
Конечно, можно сказать, что Андрей Мыльников (в отличие от тех же Тарковского и Высоцкого) был официальным художником власти, обласканным ею. Ведь он – народный художник СССР, вице-президент Российской академии художеств, профессор этой Академии, лауреат Сталинской премии (1951) и Государственной премии РСФСР (1979, за создание художественной экспозиции музея «Битва за Ленинград»), Герой Социалистического Труда (1990), кавалер орденов «За заслуги перед Отечеством» III и IV степени (1999, 2009) и т.д. Впрочем, не о наградах сейчас речь.
Главное, все-таки, картины живописца, его наследие и долгий творческо-педагогический путь.



В некрологе, опубликованном на сайте Академии художеств, говорится: «Андрей Андреевич стал классиком современного отечественного искусства еще при жизни. Яркий представитель академической школы монументальной живописи, автор широко известных произведений, мозаик и росписей в Кремлевском Дворце Съездов в Москве, Театре юного зрителя, станциях метро «Владимирская», «Площадь Ленина», Памятника защитникам Ленинграда, он значительно обогатил российскую художественную школу, придал ей новое звучание, предопределил ее развитие на многие годы».
Андрей Андреевич Мыльников родился 22 февраля 1919 года в городе Покровск (ныне Энгельс).
Во время войны художник был в ополчении, пережил блокаду Ленинграда.
В 1946 году он окончил Институт живописи, скульптуры и архитектуры им. И. Е. Репина, где учился у И. Э. Грабаря и В. М. Орешникова, а через два года аспирантуру этого же института.
Профессором Академии художеств Мыльников стал в 1957 году и более полувека преподавал в Институте живописи им. И. Е. Репина и Академии художеств, воспитав не одно поколение живописцев в России и за рубежом. Историки пишут: «Он учил чистой классике и искренне верил в то, что она первична. Не все его ученики остались верны этому завету. Но почти все помнят его уроки, как главное в их становлении как художников».
Все, кто знал и общался с Мельниковым, говорят, что он был настоящим петербургским интеллигентом, знатоком мирового искусства, высочайшим профессионалом. В последние годы жизни художник ходил в берете, как художники уже позапрошлого века, все больше говорил о "святости" живописи и о работе художника, как о служении.



Андрей Андреевич Мыльников скончался после продолжительной болезни ночью с 15 на 16 мая 2012 года в на 94 году жизни. Похоронен художник на Литераторских мостках Волковского кладбища в Санкт-Петербурге.

Триптих «Три креста Испании»



Андрей Мыльников Левая часть триптиха Коррида. 1979 г.



Андрей Мыльников Центральная часть триптиха Распятие. 1979 г.



Андрей Мыльников Правая часть триптиха Смерть Гарсиа Лорки. 1979 г.

Светлая память Мастеру!

b295a26142b9(147x40, 0 Kb)

Серия сообщений "Помню и люблю":
Часть 1 - СВЕТЛАЯ ПАМЯТЬ ВЕЛИКОМУ АРТИСТУ!
Часть 2 - УТРАТЫ 2008 ГОДА
...
Часть 11 - ПОКА Я ПОМНЮ - Я ЖИВУ! УТРАТЫ 2011 ГОДА.
Часть 12 - НЕ СТАЛО ЛЮДМИЛЫ ШАГАЛОВОЙ...
Часть 13 - ВЫСТАВКА ОДНОЙ КАРТИНЫ (Часть 69 - ИСПАНСКИЙ ТРИПТИХ. ПАМЯТИ АНДРЕЯ МЫЛЬНИКОВА)

]]> 10 <![CDATA[ЖЗЛ (МОИСЕЙ СЛЕПЯН. ПОПЫТКА СОСТАВЛЕНИЯ БИОГРАФИИ)]]>


Моисей Слепян Ночной ресторан.

Встав «в охотничью стойку», я отправился на поиски. Честно признаюсь, «улов» не ахти какой! Но все же удалось кое-как выстроить очень приблизительную хронологию жизни (которая в большинстве своем основывается на сопоставлениях и предположениях) и разыскать еще несколько работ Слепяна.
Кстати, насчет работ, хочу сразу же выразить благодарность Людмиле Зориной, живущей в США, которая откликнулась на пост в дневнике gold-a и мой комментарий к нему, и прислала мне скан картины художника, которую ее дед приобрел на выставке в Петрограде в 1916 году.
Кстати, хочу сразу уточнить насчет фамилии художника. В «Реестре художников Российской империи, СССР, «русского зарубежья», Российской Федерации и республик бывшего Советского Союза» фамилия художника указана, как Слепянь. При всем уважении к данному сайту, думаю, это просто ошибка (возможно, опечатка), и авторы приписали автоматически букву «ѣ» (ер), которая была упразднена в результате реформы орфографии циркулярами Временного правительства летом 1917 года, а потом вторично декретом советской власти от 23 декабря 1917 года.
К тому же, в «Словаре еврейских фамилий Российской империи», составленном Александром Бейдером, указана именно фамилия Слепян, которая произошла, по мнению автора, или от слова слепой, или от названия деревни Слепня или Слепни. То есть, «возможно, что предок носителя этой фамилии был слепым, или что он был родом из одной из этих деревень». Да и на всех сайтах, где упоминается имя художника или его однофамильцев, указана именно фамилия Слепян (Slepyan).
Итак, с фамилией разобрались, теперь читайте, что удалось откопать о жизни художника, жизнь которого была связана с Одессой, Москвой, Питером и Минском.




Моисей (Меер) Григорьевич (Герцович) Слепян

1872, Одесса - 1941

Русский художник еврейского происхождения.
Родился Моисей Слепян в Одессе. Эта версия возникла, поскольку в одном из источников, где упоминается старший брат художника Дмитрий (Мордхе-Вольф или Мордух) Слепян, указывается, что он (Дмитрий) был родом из Одессы. Странно, что в одном из каталогов, где представлена работа Слепяна, написано, что художник родился в Минске. Думаю, эта неверная информация возникла из-за того, что художник в 1920-х годах жил в Белоруси.
Но давайте обо всем по порядку!
В упоминаниях о самом художнике есть информация, что Моисей закончил с Большой бронзовой медалью Одесскую рисовальную школу Общества изящных искусств (ныне Одесское художественное училище им. М.Б. Грекова). Соответственно, можно предположить, что Моисей Слепян учился в Одесской рисовальной школе.
Эта школа занимала особое место в культурной жизни города: во-первых, она была одним из старейших средних художественных заведений в истории развития художественного образования Российской империи и Украины, первой основанной школой в Украине, а во-вторых, она патронировалась Санкт-Петербургской Академией художеств, которая помогала ей методическими пособиями, денежными субсидиями и литературой. Здесь частыми гостями были И.К. Айвазовский, И.Е. Репин, М.А. Врубель, В.В. Верещагин и другие знаменитые художники.
Лучшие работы учеников школы отсылались в Петербургскую Академию художеств, а лучшие ученики награждались медалями.
Не в тему, но в 1910 году было сооружено новое здание школы, в котором ныне и находится училище, а вот первое здание школы, построенное в 1885 году, стоит сейчас в руинах. А ведь оно, как самое первое здание школы, представляет ценность для историков, краеведов и художников. Здесь бывали, учились, работали известнейшие деятели культуры, кроме названных выше, – К. К. Костанди, Л. Пастернак, И. Бродский, Н. Альтман, Д. Бурлюк и многие другие. Видимо, история этого учебного заведения, как и имя того же Слепяна, мало кого интересует.
Я прошерстил кучу страниц интернета в поисках однокурсников Слепяна по Одесской школе. Увы, пусто! Но обнаружил немало интересных имен, которые учились там либо раньше, либо позже, все они «повторили» начало творческого пути Моисея Слепяна. Каждый из этих художников имеет право не быть забытым, каждому можно посвятить отдельный материал (хоть и информации о них в том же интернете – мизер!). Все названные ниже имена получили награды от Одесской рисовальной школы, а затем продолжили учебу в Санкт-Петербургской Академии художеств.
Это и одессит Николай Андреевич Околович (1867 – 1928), который учился в Академии с 1897 по 1901 год, с 1912 года состоял хранителем Русского Музея, а в начале 1920-х годов эмигрировал.
И представитель так называемой «Французской школы» Иван Песке (1870 – 1949), который в 1885-1888 годах посещал Одесскую рисовальную школу, а после революции уехал во Францию, и
Иосиф Янкелевич (Яковлевич) Перельман (1876, Таганрог – 1949), который по окончании курса в Одесской рисовальной школе в 1897 году был принят без конкурсного экзамена в Академию художеств, где учился до 1904 года.
Это Евгения Марцелиновна Малешевская (Ровити) (1868 – 1958, Пирея, Греция), которая получив малую бронзовую медаль от Одесской рисовальной школы, училась в 1896–1903 годах в Академии художеств у И. Е. Репина, в 1910–1917 годах работала в Петрограде, писала жанровые и исторические картины. После революции выехала в Бессарабию, преподавала в художественной школе, а после II Мировой войны обосновалась в Греции.
Можно назвать еще основоположника современной грузинской скульптуры, одного из создателей в 1922 году Тбилисской Академии художеств, народного художника Грузинской ССР (1946), советского скульптора Якова Ивановича Николадзе (16 (28) мая 1876, Кутаиси — 10 марта 1951, Тбилиси), который учился в 1892—94 годах в Строгановском училище в Москве, затем в 1894-95 и 1897-98 годах в Одесской рисовальной школе (странная последовательность обучения!), а в первое десятилетие ХХ века проведшего в Париже, где более года работал у Огюста Родена.
Или Ивана Ивановича Андреолетти (настоящая фамилия – Пагирев) (2 (14) июня 1869 – 1925), который в 1894 году с большой бронзовой медалью окончил Одесскую рисовальную школу, поступил в Академию художеств в скульптурный класс профессора Владимира Александровича Беклемишева (1961 – 1919). В 1900 году Андреолетти окончил Академию, два года провел за рубежом, а с 1904 года жил и работал в Санкт-Петербурге и преподавал в Рисовальной школе Общества поощрения художников.
А еще Соломон Яковлевич Кишинёвский (1864 – 1941-42), в 18 лет поступивший в Одесскую рисовальную школу, где его педагогами были скульптор Иорини и пейзажист Бауэр. Окончив Школу в 1883 году и получив за время учёбы три медали, художник продолжил образование в Мюнхенской академии, свободную Академии в Риме, а в 1888 году – Национальную Академию искусств в Париже. С таким «багажом» Кишиневский возвращается в родной город, активно работает и участвует в выставках, преподает в художественном институте, иллюстрирует газету «Одесские новости» и журнал «Театральное южное обозрение», пишет статьи об искусстве под псевдонимом Бенвенуто. Художник остался в оккупированной фашистами Одессе и погиб в гетто в 1941-42 гг.



Иван Песке
Соломон Кишинёвский Автопортрет.
Яков Иванович Николадзе.

Вообщем-то, так и не узнав, в какой период учился Слепян в Одесской рисовальной школе, можно было продолжить поиски в Санкт-Петербурге, поскольку есть точная информация, что Моисей был учеником Академии Художеств с 1892 по 1895 год, то есть с двадцати до двадцати трех лет. Но! Я нашел информацию, которая привела меня в Москву.

Москва

Существует версия, что в середине 1880-х годов Моисей Слепян учился в Московском училище живописи, ваяния и зодчества. С одной стороны, непонятно, зачем художнику после окончания этого заведения нужно было продолжать учебу в Академии (для престижа, что ли?), поскольку во всех исторических справках о Московском училище указано, что «выпускники училища фактически имели тот же статус, что и выпускники Петербургской Академии художеств». Впрочем, в тех же исторических справках сказано, что только в 1896 году «училище было превращено в высшее учебное заведение».
С другой стороны, объяснимо, почему юноша отправился сразу не в Питер, а в Москву. Общеизвестно из многих биографий художников, что в российской столице действовали ограничения в образовании, приеме на работу и вообще в быту для людей еврейской национальности. Поэтому и была выбрана более либеральная в этом отношении Москва.
Версия учебы в Москве зиждется на информации, полученной из биографии художницы Эсфирь (Эстер) Иосифовны Иосилевич (в замужестве Слепян, псевдоним Ира Ян) (2 или 20 февраля 1868/69, Кишинёв - 24 апреля 1919, Тель-Авив).



Художница Эсфирь Слепян (Ира Ян) в 1908 году.

В биографии этой израильской художницы и литератора упоминается и сам Моисей, и его старший брат Дмитрий. Оказывается Дмитрий (Мордхе-Вольф, или Мордух) Герцович Слепян был женат на Эсфирь Иосилевич, а Моисей учился вместе с ней в МУЖВЗ.
Эсфирь училась в Московском училище живописи, ваяния и зодчества у В. Д. Поленова с 1885 года. Моисею в это время исполнилось только 13 лет, и можно было бы решить, что мал еще он был для учебы в МУЖВЗ. Но существует не один пример того, что именно в этом возрасте дети поступали учиться в это заведение. Один из ярких примеров - 13-летний Исаак Левитан, поступивший в Московское училище живописи, ваяния и зодчества в 1873 году, спустя два года после старшего брата Авеля-Лейба (Адольфа) Левитана (1859 — 1933), тоже художника, о котором многие, уверен, даже не слышали. Кстати, самой Эсфирь в год поступления в училище исполнилось 16 (от силы 17 лет), поэтому замуж она вышла намного позже.
В 1895 году Эсфирь Иосилевич, после учебы в Московском училище живописи, ваяния и зодчества, затем обучения в Париже у Рафаэля Коллена (1850—1916) и работы в Софии, где художница открыла частную художественную школу, вернулась к родителям в Кишинёв. Там она в этом же году вышла замуж за бактериолога и эсера Дмитрия Слепяна, который в то время жил в этом городе. Не думаю, что это случайное совпадение: приехала, встретила и вышла замуж. Скорей всего, Эсфирь и Дмитрий были знакомы до того, и могло это произойти при «посредничестве» Моисея, например, в годы учебы в Москве.
«Отрабатывая» линию старшего брата Моисея, добавлю, что в 1896 году, через год после свадьбы, у Дмитрия и Эсфирь родилась дочь Елена, но вскоре после этого Дмитрия выслали в Архангельск за гектографическое распространение нелегальной литературы. Жена с дочерью остались в Кишиневе, а в 1908 году Эсфирь Слепян эмигрировала в Палестину, где стала известна под псевдонимом Ира Ян.

Санкт-Петербург

Что ж, пути поиска после Москвы все равно привели нас в Санкт-Петербург, где (повторюсь) с 1892 по 1895 год Моисей Слепян учился в Имперской Академии художеств (этот факт есть во всех упоминаниях о художнике).
Впрочем, кроме этой информации – полная тьма незнания. Ни у кого учился художник, ни какие работы написал, ни какие награды, премии получил, был ли пенсионером за рубежом! Да и звание классного художника было присвоено Слепяну спустя шесть лет после окончания Академии – 1 ноября 1901 года - за картину "В Аквариуме".
Полистав справочники Санкт-Петербурга, я выяснил, что "Аквариум" - это увеселительный сад, открытый в 1886 году на Каменноостровском проспекте (ныне это территория киностудии «Ленфильм»). И у меня есть предположение, что картина Слепяна "Ночной ресторан", единственная представленная в интернете картина маслом художника, может быть той самой дипломной работой, которая каким-то образом оказалась в музее Нижнего Тагила. Опять же - это предположение, поскольку нет никакой информации о том, что Слепян совершил пенсионерскую поездку от Академии за границу и мог, предположим, написать эту картину в Париже или Мюнхене.
Вообщем, всё первое десятилетие ХХ века - «белое пятно» в биографии художника, хотя, судя по всему, Слепян жил и работал в Санкт-Петербурге (с 1914 года – Петрограде).



Моисей Слепян Окно.

В известном дореволюционном справочнике «Весь Петербург» («Весь Петроград»), который включал в себя раздел «Художники», с указанием адресов, написано, что Моисей Слепян жил по адресу: Васильевский остров, 11 линия, дом 56-б.
Известно (по атрибуции работ), что в 1905 году Слепян написал несколько сцен из спектакля «Дачники» М.Горького в Драматическом театре Веры Комиссаржевской, и ее портрет.



Моисей Слепян В.Ф.Комиссаржевская в роли Варвары Михайловны (Дачники М. Горького) 1905 г.



Моисей Слепян Дачники М. Горького. Сцена из спектакля. 1905 г.

В каталоге Нижнетагильского музея сказано, что еще в студенческие годы Слепян увлекся театром. Поэтому после окончания Академии Слепян начинает работать в Петербурге, как театральный художник. Могу предположить, что "практиковался" он как раз в театре, руководимом Верой Комиссаржевской.
Известно также, что художник был членом творческого объединения художников Петербурга «Община художников», основанного в 1910 году на базе «Нового союза передвижных выставок» (1908-1910). Объединение организовывало выставки, которые экспонировались в Петербурге, других городах России, а также за границей - в Лондоне, Гааге, Амстердаме, содействовало сбыту картин и популяризация изобразительного искусства. Возвращаясь к письму Людмилы Зориной, напомню, что ее дед купил на выставке в апреле 1916 года картину Слепяна «Этюд детей беженцев».



Моисей Слепян Этюд детей беженцев 1915-16 гг.

Примерно в это же время, Моисей Слепян становится членом Еврейского Общества поощрения художеств, которое было организовано любителями искусства, меценатами и художниками под председательством деятеля кадетской партии, адвоката М. Винавера в Петрограде в ноябре 1915 года. Просуществовало оно, правда, всего четыре года и в конце 1918 влилось в Наркомпрос в качестве Еврейской секции. Общество занималось просветительской и благотворительной деятельностью, целью которой было «развитие пластических искусств среди евреев», проводило вечера и выставки, разрабатывало образовательные и издательские проекты. Наиболее значительной акцией Общества явилась выставка его членов, проходившая в апреле-мае 1916 года.



Моисей Слепян Портрет скульптора Г. 1917 г.

11 января 1916 года при Обществе была создана художественная секция, в работе которой участвовали Исаак Бродский, Натан Альтман, Борис Анисфельд, Марк Шагал и другие. Последнее имя особо значимо для судьбы Слепяна, поскольку в 1920-х годах имя художника уже связано с Белоруссией.

Минск

Это, опять-таки, мои догадки, но скорей всего именно Марк Захарович пригласил Слепяна приехать в Белоруссию «поднимать молодое советское белорусское искусство», тем более в республике (и в Минске, и в Витебске) жило и работало много художников - евреев.
В биографии Шагала указано, что в сентябре 1915 года Шагал приехал в Петроград, где поступил на службу в Военно-промышленный комитет. В 1916 году художник вступил в Еврейское общество поощрения художеств, а уже в 1917 году с семьей вернулся в Витебск. После революции, 14 сентября 1918 года, постановлением Отдела изобразительных искусств Комиссариата народного просвещения под руководством А.Луначарского он был назначен уполномоченным комиссаром по делам искусств Витебской губернии (в то время губерния входила в состав Западной коммуны с центром в Смоленске).
Поскольку Шагалу пришлось быть не только художником, но и высоким государственным чиновником, который за два года успел создать Народное художественное училище и Музей современного искусства при нем, Марк Захарович, видимо, подтягивал из Питера коллег и друзей художников. Недавно только я писал, что по приглашению Шагала в Витебск уехал работать Иван Пуни, правда, выдержавший там всего два года. Думаю, и Слепян попал в число таких «приглашантов».

И снова задаюсь вопросами – Когда Слепян переехал в Минск? Был ли он к этому времени женат?
Поскольку документально подтверждено присутствие художника в Белоруссии только 1925 годом.
Ведущий научный сотрудник отдела современного белорусского искусства Национального музея искусств Беларуси, кандидат искусствоведения Л.Д. Наливайко в статье, посвященной юбилею Первой Всебелорусской выставки, посвященной юбилею революции 1905 года и 400-летию белорусского книгопечатания, писал: «В декабре 1925 года в Минске состоялась Первая Всебелорусская выставка, на которой демонстрировалось более 1000 произведений. Отбором экспонатов занималась комиссия, в состав которой входили представители ЦК КП(б)Б, Института истории при ЦК КП(б)Б, Наркомпроса, Витебского художественного техникума и художники Михаил Филиппович, Моисей Слепян, Абрам Бразер, Николай Михолап и Мария Лебедева».
Естественно, чтобы «заслужить доверие» быль членом этой комиссии, нужно было не один год завоевывать доверие власти, пользоваться успехом в построении карьеры, прославиться в плане творческих побед. Поэтому и думаю, что Моисей Слепян все 20-е годы жил и работал в Белоруссии. К тому же – документированный факт, художник стал членом Всебелорусского объединения (Ассоциации) художников (ВОХ), которое было создано в 1927 году и просуществовало до 1932 года.
Впрочем, повторюсь, это мое предположение, что художник жил в Белоруссии, я, наверное, точно утверждал бы это, если бы не маленькая приписка в информации об истории ВОХ: «Объединение имело филиалы в других городах республики, а также в Москве и Ленинграде». То есть, после 1925 года Слепян мог вернуться в Ленинград и там уже стать членом этой Ассоциации.
Последняя информация, которая есть о художнике в интернете, это то, что в 1930 году Моисей Слепян принимал участие в выставке Общества имени А. И. Куинджи, которая проходила в залах Академии художеств Санкт-Петербурга. В ней принимало участие 74 художника, среди которых были известные имена - И. И. Бродский, Ю. М. Непринцев, А. А. Рылов, С. Н. Архипов, П. П. Белоусов и другие.

Как и где прожил художник последние десять лет своей жизни тоже неизвестно. Год смерти Слепяна – 1941-й. Связано ли это с началом Великой Отечественной войны, неизвестно. Если художник жил в Белоруси, то именно эта республика первой приняла на себя удар фашистских захватчиков. Но даже если Слепян жил в Ленинграде, то блокада города немецкими войсками началась тоже в 1941 году - 8 сентября. А может художник вообще после 1930 года эмигрировал и умер на чужбине? Или Слепян тяжело болел? Как видите, одни вопросы!

Вот и все, что удалось найти, домыслить и предположить о жизни художника Моисея Слепяна.
Что касаемо творчества, то известно лишь, что его картина «Ночной ресторан» находится в коллекции Нижнетагильского музея изобразительных искусств. Помещаю фотографию с фрагментом экспозиции, присланную мне научным сотрудником НТМИИ.



Картина Слепяна в экспозиции Нижнетагильского музея.

В каталоге Нижнетагильского музея под этой работой написано: "Атмосфера пряной праздничной феерии создается на полотне Слепяна смелой живописной манерой и декоративностью красочных сочетаний".
Глядя на полотно, видишь, что работа написана в стиле модерн, так популярном в начале ХХ века. От этого возникает желание увидеть другие работы художника, написанные как в годы учебы, так и в последние годы жизни. Но, увы…
Будем надеяться, что когда-нибудь кого-нибудь из профессиональных искусствоведов или краеведов заинтересует имя и творчество Моисея Герцовича Слепяна.

Источники: 1, 2 , 3 и др.

b295a26142b9(147x40, 0 Kb)]]> 4 <![CDATA[КЛОУНЫ В ЖИВОПИСИ (ЧАСТЬ 88 - КЛОУНСКИЙ ПОРТРЕТНЫЙ ВЕРНИСАЖ)]]> С радостью продолжаю свою клоунскую серию
с огромной благодарностью моим друзьям - читателям,
которые помогают мне ее собирать, присылая новые картины к этой теме.

Клоун

Гаснет свет. Окончен бал…
Человек ботинки снял.
Снял цилиндр, фрак, живот —
Он ему немного жмёт.
Отцепил свои часы,
Уши, бороду, усы.
И улыбку до ушей
Спрятал в ящик от мышей.
Снял копну густых волос.
Положил на полку нос.
И, вздыхая, лёг в кровать…
Завтра снова надевать!

Александр Усачев



Jan van Beers Pierrot.






Zoe Mozert Portrait of a Clown.



Carl Berndtsson Clown.



Cortland Butterfield Clown with Bird.

***
Я поэт или клоун?
Я серьезен иль нет?
Посмотреть если в корень —
Клоун тоже поэт.
Он силен и спокоен,
Он серьезно смышлен,
Потому он и клоун,
Потому и смешон.
Трудно в мире подлунном
Брать быка за рога,
Нужно быть очень умным,
Чтоб играть дурака.

Николай Глазков



Gabriel Dauchot Een clown met Rozen.



Edward Seago A Study of a Clown, possibly Adrien Wettach Grock.



Everett Shinn Clown with Drum.



Everett Shinn Head of a Clown.

Старый клоун

Умирал в больнице клоун,
Старый клоун цирковой.
На обманчивых уколах
Он держался чуть живой.

Знали няньки, сестры знали,
Знали мудрые врачи:
Положенье безнадежно,
Хоть лечи, хоть не лечи!

И, судьбой приговоренный,
Сам артист, конечно, знал,
Что теперь уже бессилен
Медицинский персонал.

Навестить его в палату
Приходили циркачи:
Акробаты и жонглеры,
Прыгуны и силачи.

Приходили, улыбались,
Лишь бы только правду скрыть.
О житье-бытье негромко
Начинали говорить.

Он встречал собратьев шуткой,
Старой байкой ободрял -
Несмешную клоунаду
Перед ними он играл.

И в последнее мгновенье,
В скорбный миг прощальный свой,
Он в глазах друзей увидел
Свет арены цирковой.

Сергей Михалков



Ismail de la Serna The Clown.



Emil Bacik Sad Clown (Грустный клоун).



Emil Bacik The Clown.



Juraj Collinasy The Clown.

Рыжий клоун

Рыжий клоун снял парик -
Голова почти седая.
Он людей смешить, рыдая,
В сущности, давно привык.

Вытер грим, стакан достал,
Беленькой плеснул немножко,
И своей печали крошки
На закуску смаковал.

Жизнь, как вешняя вода
Утекла. Стал ниже ростом
Провожая до погоста
Тех, кого любил всегда...

Закурил, глотая дым
Вспомнил девичьи объятья,
Всё, что не успел сказать ей...
Сколько ж было им, двоим?

Если вместе сосчитать -
Он, теперешний, их старше,
Хорошо, что чувства раньше
Рифмовал в свою тетрадь -

Будто юности нектар:
Много нежности и страсти,
Есть любовь и жажда счастья,
Счастье - миг... он очень мал...

Рампа. Сцена. Полный зал.
Разноцветье декораций,
Можно плакать... не стесняться...
Под аплодисментов шквал
Клоун душу открывал...

Ирина Блажевич



Franz Josef Kline Dusty Rhoads.



Ernest Spitz The Clown.



Neznamy madarsky maliar A Clown with a Cat and a Dog.



Romano Mussolini The Clown.

Буду клоуном

Я клоун!
Я к зрителям буду спешить.
Я клоун!
Я зрителей буду смешить.
— Эй, клоун! Смотрите,
какой он растяпа!
— Какая смешная у клоуна шляпа!
— И нос как картошка!
— И уши как груши!
— И щёки как плошки!
— И бант на макушке!
Пожалуйста, смейтесь
И громче кричите,
И все надо мною до слёз хохочите!
Пускай у вас слёзы
От хохота льются!
Я очень люблю,
когда люди смеются.

Автор под ником Fraulein



Pelle Åberg Playing Clown.



Pelle Åberg The Clown in the Arena.



Pelle Åberg The Clown.



Georges Rouault The Clown.

Солнечный клоун

Жил на арене рыжий клоун,
Как будто счастьем нарисован!
Улыбкой, красками одежды
Дарил он радугу надежды:
И детворе, и людям взрослым.
С ним было сказочно и просто.
Сияли искорки – веснушки
На щёчках…Кепка на макушке
С махровым розовым помпоном,
Жилет в горошек, бант зелёный,
Штаны бордовые на лямке…
Портрет готов, хоть ставьте в рамку!
Весельем, зажигая зал,
Наш клоун небо рисовал…
Мелками синим, жёлтым, белым
Изображал, шутя, умело
И дождь грибной, и облака,
Что стали тучками, слегка,
И – солнце - жарким жёлтым шаром -
Всем от души дарил - задаром…

Ольга Уваркина



Arthur Sarnoff The Clown.



Arthur Sarnoff The Clown.



Walt Kuhn The Nut (The Clown). 1916 г.



Walt Kuhn Dimitri (The Clown).

Представления закончены

Цирк закрылся шапито,
Старый клоун, без пальто,
Грустен, тих и деловит,
На скамеечке сидит.

Он всё лето веселился,
Делал стойку и кульбит,
Он от смеха утомился,
Пусть немного погрустит.

Пусть подумает о лете
И о прожитых годах,
И об авиабилете
В южный город Карабах.

Рядом друг по кличке Тяпа,
Удивительнейший пёс!
Дождь почуял он и шляпу
Из гостиницы принёс.

Валерий Шульжик



Belmiro de Almeida Cabeca de Palhaco Crayon.



Finn Christensen Klovn pa sirkus.



Jirlow Lennart Clown med Hund. 1960 г.



Ferdinand Hloznik The Clown.

Самый грустный клоун

Самый грустный клоун - это клоун, снимающий носик,
И колпачок, и бантик - все, что клоуны носят.
Самый печальный клоун - тот, кто грустит о плате,
Тот, у кого на сердце нищенские заплаты...
Самый несчастный клоун тот, что смешит кривляясь,
Тот, кто несет повинность, сердце не посвящая.
Самый нелепый клоун тот, кто в себя не верит,
Кто оживает только на цирковой арене…
Самый нечестный клоун тот, у кого в кармане
Ложь, сигарета, рюмка и вечера в тумане...
Клоуны! Будьте святы, отделены от мира,
Дети не виноваты, что в этом мире дыры.
Дети наивней взрослых, их обмануть не сложно,
Но подарить им чудо только из сердца можно…

Елена Несмиян



Otto Herbert Fiedler Clown met Marionet.



Marian Cunderlik The Clown.



Robert Green Palinello II. 1934 г.

b295a26142b9(147x40, 0 Kb)
]]> 2 <![CDATA[КЛОУНЫ В ЖИВОПИСИ (ЧАСТЬ 87 - ЯРКИЙ МИР ЦИРКА ЛАУРЫ НАЙТ)]]> О самой Лауре Найт вы можете прочесть в моей серии ЖЗЛ, а сегодня просто полюбуйтесь коверными и другими жителями арены. Почувствуйте, как прекрасен был старый цирк!

Старый цирк

Шарманка играет, монеты с балконов, бежит за слоном детвора.
Смешные клаксоны, цветные фургоны и клоунов рыжих парад.
Наивно и странно, наивно и странно, никто никуда не спешит.
И публику в цирке смешит обезьяна, и фокусник в цирке стоит.
Вот кто-то в бумаже из прошлого машет, какие манеры и стать!
Прабабушки наши, вас не было даже, прадедушек можно понять.
Эй! Эй! Дети новых скоростей!
Эй! Эй! Заходите поскорей!
Эй! Эй! Дети новых скоростей
Может быть, заглянете в старый цирк!

Песня Игоря Николаева, автор слов – Николай Зиновьев



Laura Knight Circus People.






Laura Knight Three Clowns. 1930 г.

Старый цирк

Бим-бом, бим-бом, бим-бом...
Фонари погасли под шатром.
Разошлись зеваки. А потом
В клетках звери тощие грустят,
Вечный рупь канючит акробат.
В номерах циркачка с циркачом
Хлещут чай, болтая ни о чем.
Фокусник Петров (Али-Баба)
В пух продулся - значит, не судьба.
С кавалером, помня про канат,
Пьет канатоходка лимонад.
Думает в постели казначей,
Как бы облапошить циркачей.
А под мокрым тентом шапито
Слышен чей-то слабый шепот. То
Ангел цирка с детской головой
Бродит над ареной цирковой.
Бим-бом, бим-бом, бим...
Бом увел жену у Бима.
Ненавидит Бома Бим.
Как она была любима!
Он недавно был любим...
На манеже град пощечин
Отпускает Биму Бом.
Их союз казался прочен,
А теперь столкнулись лбом.
На манеже град пощечин
Отпускает Бому Бим...
Почему-то мы хохочем
И над тем и над другим.

Давид Самойлов



Laura Knight Old time Clowns.



Laura Knight An O'gust and Two Lions.

Мой старый цирк

Взмахнул рукою дирижёр,
Грохочет музыки мажор,
И вновь ударил барабан,
И все расселись по местам!
Все тот же купол и фасад,
И каждый зритель видеть рад,
Огни знакомых фонарей,
И пару вздыбленных коней!

Идут гимнасты, силачи,
Жонглёры бросили мячи,
И всем давно понять пора,
Что наша жизнь игра, игра.
Сияют лица малышей,
У них улыбка до ушей,
Но не скрываю слезы я,
Цирк продолжается, друзья!

Мой старый цирк, моя любовь,
Мой старый цирк родился вновь,
И перестанут петь певцы,
Куда, куда уехал цирк!
Мой старый цирк опять со мной,
Мой старый цирк, бульвар Цветной,
Мой старый цирк из детских снов,
Моя судьба, моя любовь!

В. Иоффе
Песню исполнил Ю.Никулин на открытии Цирка на Цветном бульваре после реконструкции



Laura Knight Circus musicians.



Laura Knight Clowns with a Prop Donkey.

***
Вы не верьте наветам тоски,
Задушите в душе шепоток:
Между серых домов городских
Открывается цирк шапито.

Там оркестры и цокот подков,
Электричества солнечный свет.
По карманам хоть горсть медяков
Постарайтесь набрать на билет.

Тот билет - как билет на перрон,
Что вам стоит не выпить сто грамм?
Мимо окон зеленый фургон
Сонный ослик везет по утрам.

И окликнет вас ласково мать,
И сгоревшее встанет жилье,
И подарит вам детство опять
Полотняное небо свое.

Позабывшие облик земли,
Нафталином засыпьте пальто:
На окраине в рыжей пыли
Открывается цирк шапито.

Александр Городницкий



Laura Knight The Finishing Horse.



Laura Knight The Mens' Dressing Wagon.

Цирк

Цирк -- не парк, куда вы входите грустить и отдыхать.
В цирке надо не высиживать, а падать и взлетать,
и под куполом, под куполом, под куполом скользя,
ни о чем таком сомнительном раздумывать нельзя.

Все костюмы наши праздничные -- смех и суета.
Все улыбки наши пряничные не стоят ни черта
перед красными султанами на конских головах,
перед лицами, таящими надежду, а не страх.

О Надежда, ты крылатое такое существо!
Как прекрасно твое древнее святое вещество:
даже если вдруг потеряна (как будто не была),
как прекрасно ты распахиваешь два своих крыла

над манежем и над ярмаркою праздничных одежд,
над тревогой завсегдатаев, над ужасом невежд,
похороненная заживо, являешься опять
тем, кто жаждет не высиживать, а падать и взлетать.

Булат Окуджава
1965 г.



Laura Knight The Clown.



Laura Knight Some Clowns.

Старый клоун

Цирк давно опустел, тишиною закован,
Только где-то гитара, нарушает аккордом покой.
Это песню, это песню поёт старый клоун,
Он прощается с цирком, со смешною своею душой.

Он поёт о гастролях, о неведомых странах,
Он поёт о манеже, который уже далеко,
О далёких, о забытых сырых балаганах,
О своём ремесле, и о том, как смешить нелегко.

Старый клоун уходит, успехи свои и потери,
Словно старый солдат, навсегда он уносит с собой.
Осторожно, осторожно не скрипните дверью,
Он прощается с цирком, как с любовью своей и судьбой!

Юрий Никулин, Булат Окуджава



Laura Knight Portrait of a Clown.



Laura Knight Waiting to Go On.



Laura Knight Joe Craston & Buffer, Scene from a Circus.

b295a26142b9(147x40, 0 Kb)
]]> 3 <![CDATA[ЖЗЛ (НИКОЛАЙ РУСАКОВ. ОТКРЫТИЕ ЧЕЛЯБИНСКОГО ТАЛАНТА)]]>


Обложка книги Г.Трифоновой

Сразу оговорюсь, что в интернете есть несколько очень интересных материалов о художнике. Например, серия статей журналиста Светланы Симаковой, написанных для сайта Chelyabinsk.ru, или статьи Айвара Валеева и Константина Рылёва, опубликованные в челябинской прессе.
Я, проштудировав все материалы, написал своеобразное эссе на основе найденных статей о творчестве этого замечательного авангардиста первой половины ХХ века. Яркий талант, яркое творчество, драматическая судьба, сломанная Страной Советов – всё это заставило меня рассказать вам об этом художнике. Тем более, что имя его, вычеркнутое из истории русской живописи, вернулось к нам только в конце ХХ века, и то – стараниями челябинских искусствоведов и краеведов, в первую очередь, благодаря Галине Трифоновой и внучке художника Татьяне Семеновой, живущей в Москве. Отмечу, что жители столицы впервые смогли лицезреть произведения Русакова только в начале века XXI. Но обо всем по порядку.




Николай Афанасьевич Русаков

27 ноября (10 декабря) 1888, д. Писклово Челябинского уезда Оренбургской губернии –
31 декабря 1941, Челябинск



Николай Русаков Автопортрет в красной рубахе. 1935 г.

Русский живописец и педагог, член Союза художников СССР с 1936 года, один из основателей Союза художников Челябинска.
Николай родился в деревне Писклово под Еткулем в семье унтер-офицера казачьих войск. Отец умер в феврале 1889 года, когда сыну исполнилось всего несколько месяцев. В селе Писклово Николай жил до 13 лет, а в 1901 году семья переехала в Челябинск, где в 1907 году мальчик окончил 3-классное городское училище.

Учеба

После окончания училища Николай уехал в Казань, где поступил учиться на живописное отделение Казанской художественной школы в мастерскую известного художника Николая Ивановича Фешина (1881–1955). Под влиянием своего педагога юноша особое внимание стал уделять портретному жанру, и любовь к портретам осталась у художника на всю жизнь.
В годы учебы в Казани был написан и первый автопортрет Русакова.



Николай Русаков Автопортрет. 1912 г.

Учась в Казанской художественной школе, Николай подружился с Александром Родченко (1891–1956), в будущем известным художником - конструктивистом и фотографом, который учился на курс младше. В 1912 году Родченко написал портрет друга.



Александр Родченко Портрет Н.А. Русакова. 1912 г.

Об этом портрете существует целая история. В воспоминаниях Александр Родченко писал, что в 1913 году он решил провести генеральную уборку в своей мастерской и обнаружил портрет Русакова, написанный на небольшой доске, служившей палитрой, почти без применения кисти годом ранее. «Я промыл его, и он мне понравился, а я - то хотел его выбросить» - вспоминал Родченко.
Искусствоведы точно подметили, что лицо Николая написано с помощью экспрессивных разноцветных полос и по технике напоминает автопортрет Казимира Малевича (11 (23) февраля 1879 - 15 мая 1935), написанный несколькими годами ранее.



Казимир Малевич Автопортрет. 1908-09 гг.

Портрет Русакова семья Родченко в 1987 году передала в Челябинскую картинную галерею. В этом 1912 году Русаков написал «ответный» портрет друга.



Николай Русаков Портрет А.М.Родченко. 1915 г.

В 1913 году Николай окончил Казанскую художественную школу, и в этом же году поступил в Московское училище живописи, ваяния и зодчества в мастерскую Константина Алексеевича Коровина (23 ноября (5 декабря) 1861 - 11 сентября 1939). В Строгановку год спустя поступил и Родченко. В Москве Русаков общался с Константином Бальмонтом и Владимиром Маяковским, мечтал, чтобы его работы были выставлены в Третьяковской галерее.



Николай Русаков 1910-е гг.

На жизнь Николай зарабатывал частными уроками рисования, таким способом пополнения скудного бюджета он начал заниматься еще в Казани в 1910 году.
В годы учебы в Москве Русаков открыл для себя европейских художников – модернистов, особо его впечатлило творчество Гогена, что позже отразится и в цветовой палитре, и в тематике его работ.
В 1915 году Николай, с восторгом прочитавший о поездках Гогена на Таити, решил «повторить подвиг» кумира и отправился в путешествие на корабле из Одессы до первой столицы Японии – города Киото, расположенного в центральной части острова Хонсю.



Николай Русаков Название неизвестно.

В архиве МУЖВЗ Г.Трифонова нашла письмо, написанное из Николаева князем Гедрейхом, который ведал всеми делами, связанными с отправлением кораблей на Восток. В этом письме он отвечал студентам училища, что нужно сделать, чтобы поехать на Восток. Путешествие начиналось в Одессе, на корабле они огибали полуостров Индостан, заходили порт Мадурай в провинции Мадура на западном побережье полуострова, а из Индии плыли до Японии и обратно. Путешественникам разрешалось выходить на стоянках, где они наблюдали новую для себя жизнь и делали зарисовки.



Николай Русаков Вечер в Индии. Поэ. 1916 г.

Русаков, кроме того вел своеобразный дневник прямо на полях альбомов для эскизов. Например, на полях акварели, изображавшей индийских факиров в провинции Мадура, он написал: «...лились трепетные легкие звуки свирели под втору гитары. Был розовый вечер. Все тонуло в розовом свете, все облито было ало-розовой страстью жизни. Я стоял, одинокий, далекий странник, я смотрел зачарованным глазом на истинную красоту жизни, тут не было гнилых европейских суждений, тут была сама жизнь, тут все было просто, естественно (...), била жизнь чистой хрустальной струей. Все было так дико, странно – но все так цвело, трепетало».



Николай Русаков Индия. Баядерки танцуют.

Скорей всего, дипломная работа Русакова - картина «Матросский бар» (1917), была написана по следам впечатлений от поездки. Сейчас эта работа находится в собрании Челябинской картинной галереи.

Челябинск

После окончания учебы в Москве Русаков возвращается в родной Челябинск. Этому тоже есть причины, о которых Галина Трифонова пишет в своей книге. В молодой стране Советов шла гражданская война, в столице жилось голодно. В Москве Николай Русаков женился, его супруга Мальвина Казимировна в 1918 году ждала ребенка. Чтобы создать нормальные условия жизни беременной жене, оградить ее и себя от голода, художник решил вернуться в Челябинск к матери, у которой был свой дом на Красноармейской улице и корова в хозяйстве. Все-таки, большое подспорье! В Челябинске родился первенец Русаковых – Олег, которого покрестили в Христорождественском соборе.



Николай Русаков Портрет жены художника. 1920-е.

Челябинские краеведы пишут, что и в родном городе художнику с семьей жилось на первых порах не очень легко – сам город несколько раз переходил «из рук в руки», его то занимали «белые», то отвоевывали «красные». Неподалеку от дома Русаковых находилось здание контрразведки белогвардейцев, и когда в городе хозяйничали белогвардейские войска, Русаковы постоянно слышала душераздирающие крики, доносившиеся из кабинетов. С приходом большевиков к власти художник пошел на службу в политотдел Пятой армии под командованием Тухачевского, где работал как художник-оформитель.
Кроме того, Николай Афанасьевич организовал первую художественную школу-студию, а чуть позже стал преподавать живопись в одном из Домов культуры.
В 1920–23 годах Русаков заведовал Челябинской губернской школой-студией изобразительных искусств Губернского профсоюза обраразования, и одновременно в 1921 годах начал вести уроки рисования в железнодорожной средней школе № 42 и ФЗУ № 8. В этих учебных заведениях художник проработал до 1935 года, а в 1935 году начал вести студию в Доме народного творчества при отделе искусств, которую ученики любовно называли «Академией Русакова». Называли так не только потому, что любили своего педагога, но и потому, что занятия в студии строились по программе 4-летнего курса художественного училища. Среди учеников Русакова – ныне известные челябинские художники Михаил Комиссаров, Константин Соколов, Иван Таушканов, Виктор Мещеряков, Александр Харин, Николай Загороднев и архитектор Евгений Александров,

Путешествия на Восток

В середине 1920-х годов, если точнее, то примерно в 1923 году, художник совершил путешествие по Средней Азии и по горной части Центральной Азии. Увы, документов, которые бы свидетельствовали о путешествиях Николая Русакова по восточным странам, нет (или не сохранилось). Но несколько восточных циклов картин говорят о том, что художник был в Азии и писал свои сюжеты с натуры. «Отравленный» Востоком еще в студенческие годы, художник стремился туда снова.
Галина Трифонова пишет: «Восток в творчестве Русакова не просто тема, а бесконечно увлекавший его образ бытия. От Востока он взял цвет, локальность его в сочетании с графической линейностью, и это касается, прежде всего, одежд, драпировок».



Николай Русаков Привал каравана. 1925 г.

Свои путешествия на Восток (возможно, судя по годам создания картин, их было несколько) Русаков совершал караванным путем. Внучка художника Татьяна слышала от бабушки Мальвины Казимировны рассказ о том, что «Русаков работал в железнодорожной школе и легко мог доехать по железной дороге до Средней Азии, а там куда угодно можно было двигаться караванным путем». Впрочем, об этом говорят и сохранившиеся картины художника - «Кашмирская долина», «Караваны идут», «Привал каравана».



Николай Русаков Караваны идут. 1920-е гг.

Искусствоведы различают несколько больших восточных циклов художника – «Колониальный Восток наших дней» (путевой альбом путешествия на Восток, 1926), «Молодежь колониального Востока» и «Азиатский цикл». Все они написаны в течение 1920-х годов. Причем, тематика работ более политизирована, чем впечатления от посещения Индии и Японии в студенческие годы. Понятно, что такой подход диктовало само время. «По стилю это уже несколько другие работы, - пишет Трифонова. - В них обострен социальный момент – не просто красота, но еще и несправедливость одной части общества к другой».



Николай Русаков Индия. Сбор хлопка. 1924 г.

Сам художник записывает в альбом 7 марта 1926 года: «Азия – это враг торжествующего империализма! Нигде мне не приходилось наблюдать такого огромного единодушия, какое я встречал на Востоке. (…) Кто бывал на Востоке и внимательно присматривался, тот, конечно, замечал, что нигде так не угнетено и не унижено человечество, как в Азии. Отсюда и есть то единодушие, встречаемое между восточными народами».
В 1925 году в Челябинске состоялась большая выставка местных художников. Писатель Ветров
в газетной рецензии об этом событии написал: «Когда вы уйдете с выставки, перед вами неотступно будут стоять картины Русакова с его колоссальным чувством цвета...»



Николай Русаков Первый поезд. 1924 г.

Двумя годами ранее, в 1923 году, в Челябинске была организована городская секция Ассоциации художников революционной России (АХРР), которая в 1928 году была переименована (как и во всей стране) в Ассоциацию художников революции (АХР). Николай Рудаков был одним из инициаторов и организаторов этого художественного объединения. Результатом творческих командировок художников по стране становились тематические выставки, на которых местные художники «представляли созданные ими «художественные документы» новой эпохи».
На тематической выставке, посвященной 10-летию Октябрьской революции, Русаков представил одну из своих новых работ – «Эти и те», которая представляла почти плакатное противопоставление угнетенных и элиты, господ, наслаждающихся жизнью в лондонской чайной, и китайских кулей, несущих тюки хлопка, похожие на тяжелые камни.



Николай Русаков Эти и те. 1927 г.

Об автопортретах

Отдельной темой творчества Николая Русакова были автопортреты. И хотя я нашел в интернете всего пару автопортретов художника, меня греет мысль, что они были (есть) и, наверняка представлены в книге Галины Трифоновой. Автор замечает: «На протяжении всей жизни он пишет себя и акварелью, и маслом. По сути, каждый его жизненный этап был отмечен автопортретом».
Одним из первых автопортретов является акварельный рисунок, на котором молодой художник изобразил себя с бантом и дополнил собственными стихами:
«Мой мозг прояснили дурманы,
Душа влечется в примитив,
Я вижу росные туманы
И слышу липовый мотив...»
Еще в Москве, видимо перед первым путешествием на Восток и после прочтения книги Гогена «Ноа-Ноа», художник пишет одноименную картину – автопортрет, где изображает себя на фоне белого паруса, а рядом женщину в синем платье, напоминающем сари.
Таитянское слово «ноа-ноа» означает «благоухающий, надушенный», которое употребляется с существительным «фенуа» — «страна, остров», и поэтому переводится, как «благоуханный остров». Существуют версии, что словом «ноа-ноа» таитяне называли самого Гогена, поскольку он пользовался парфюмом. В любом случае, «Ноа-ноа» Русакова – мечта о неизведанных странах и путешествиях.
В студенческие годы были написаны «Автопортрет в андалузском стиле» - своеобразное подражание акварели Врубеля «Гамлет и Офелия»), автопортрет «Я» в синей блузе с бантом и в шляпе-канотье на фоне среднерусского пейзажа, картина «Автор после возвращения из Индии», где художник изобразил себя в профиль на фоне восточной арки и виднеющегося в ней восточного города.



Николай Русаков Автопортрет в чалме (Автор по возвращении из Индии). 1926 г.

В 1925 году Русаков пишет семейный портрет «Семья Г.И.Р.С.» (Граждане Интернациональной Республики Советов), где изображает себя в светлой легкой рубашке и жену в образе индианки, склонившейся над двумя сыновьями, а в следующем, 1926 году в альбоме «Колониальный Восток наших дней» автор предстает перед нами в полосатом халате и чалме, с загорелым лицом и обостренными чертами.
Один из последних автопортретов Русакова – картина 1935 года «Автопортрет в красной рубахе», написанная в авангардной стилистике, с многозначной трактовкой цвета рубахи – это и иконный цвет, и исконно русский, и цвет революции.
Галина Трифонова пишет: «Николай Русаков не единственный художник в истории искусств, обращавшийся к автопортрету как свидетельству трансформации в своем творчестве, в собственной душе, во времени и пространстве. Его автопортреты способны очень многое сказать о самом художнике, о времени и о том, что двигало его жизнью и творчеством».

Последние годы

1930-е годы, являвшиеся в истории СССР эпохой индустриализации, стали переломными и драматичными в судьбе самого художника. Художественные критики и чиновники повсюду борются с формализмом в искусстве, картины Русакова подвергаются жесткой критике. Художник пытается работать только с натуры, запрещает себе всякие фантазии и старается перенести свою любимую тему Востока на «южноуральскую почву».
В 1932-34 годах на Урале была проведена масштабная художественная акция. Более ста московских и ленинградских художников, среди которых были Б.В. Иогансон, В.В. Мешков, П.П. Соколов - Скаля, Ю.И. Пименов, И.И. Бродский, приехали на Урал, чтобы живописать индустриальные гиганты региона, например, Челябинский тракторный завод (ЧТЗ). По итогам этой акции было проведено немало тематических выставок, Челябинск организовал проведение передвижной выставки по городам области в течение нескольких лет, а в 1940 году произведения этой выставки легли в основу созданной Челябинской картинной галереи.
Трифонова в своей книге пишет: «От социума не удалось уйти и спрятаться в чистое искусство ни одному художнику, и не только в СССР. Николай Афанасьевич занял определенную политическую и гражданскую позицию, он активно включился в революцию, в служение ей силой своего таланта, как это совершенно искренне сделала большая часть русской художественной интеллигенции».



Николай Русаков Мархаба, звеньевая сложной молотилки колхоза имени Кагановича. 1937 г.

Уже в семейном автопортрете 1925 года «Г.И.Р.С.» художник использовал изображение индустриального город и фигуру вождя. В ряде работ конца 1930-х годов в картинах Русакова появляется «прагматика времени», это, например, и бюст Сталина на столе, и газета «Правда».
Художник, как и многие его современники, пытался отображать мифологизацию новой страны,
футурологическое представление ее с цветущими полями, заводами – гигантами, урбанистическими городами и счастливыми людьми.
И все же, работы художника не соответствуют полностью понятию «соц. реализм», есть в них и отражение декоративного модерна, и яркие колористические решения.



Николай Русаков Курай (Южный Урал, колхоз "Красный Урал"). 1934 г.

Среди интересных работ последнего десятилетия жизни художника Галина Трифонова называет картины «Советская художница» и «Советская симфония».
На первом полотне Русаков изобразил свою молодую коллегу, с которой преподавал в Доме художественного воспитания детей, художницу Ольгу Петровну Перовскую. Судьба Ольги Перовской тоже интересна, поэтому не могу рассказать о ней хотя бы "в двух словах".

Ольга Петровна Перовская

29 июня 1909 - 1980



Николай Русаков Советская художница. 1938 г.

Челябинская художница.
Родилась в городе Троицке Челябинской области в семье Петра Аполлоновича Сафонова, проработавшего всю жизнь на Челябинском тракторном заводе. Ее мама происходила из немецкой семьи Николаи, владевшей оружейной мастерской. Ольга - старшая из шестерых детей. Ее братья Николай и Адольф тоже увлекались живописью.
Окончив в 1926 году семилетку, в следующем году Ольга поступила в Омский художественно-промышленный техникум имени М. А. Врубеля на живописное отделение. В 1931-1933 годах Перовская работала в Омске художником-оформителем в Клубе металлистов и чертежником в технической школе, затем по семейным обстоятельствам уехала в Ульяновскую область и вела в средней школе Чердыклинского района черчение и рисование. В Омске художница-педагог участвовала в художественных выставках, состояла членом Ассоциации художников революции.
В 1934 году Перовская приехала в Челябинск, где стала работать учителем рисования и черчения в железнодорожной школе № 1, она была среди организаторов и первых членов Союза советских художников в Челябинске, созданном в 1936 году. Вместе с Николаем Русаковым и скульптором Т. В. Щелкан Перовская преподавала в Доме художественного воспитания детей. В 1939 году облоно направил ее в Челябинский институт усовершенствования учителей, где художница работала до 1940 года.
В 1940 году Перовская покинула Челябинск и уехала в Махачкалу (причины отъезда художницы в Дагестан неизвестны), где работала в Дагестанском краеведческом музее, во время войны работала инспектором по охране памятников истории и старины, оформляла уличные витрины "Фото ТАСС", трудилась на строительстве оборонительных сооружений. С приближением линии фронта Ольга сопроводила эвакуированных детей в Ташкент, а сама вернулась в Челябинск. Здесь она с 1943 по 1947 год работала в Особторге художником-моделистом по изготовлению кукол. Документы о членстве в Союзе художников СССР остались в Дагестане и по ее запросам не были высланы, а затем и вовсе утеряны. В течение 44 лет (!!!) Перовская доказывала всем инстанциям, что она была членом Союза художников, и что ее никто из его состава не исключал. Художнице было важно, чтобы в родном городе признали ее статус профессионала. Только 15 июня 1977 года Секретариат Союза художников СССР заново принял Ольгу Петровну в свою организацию. Это произошло за три года до смерти художницы...

Вторая картина Русакова, тоже портрет, изображает мальчика со скрипкой на балконе высотного дома, откуда видна красивого, в духе конструктивизма, города.
Галина Трифонова пишет в своей книге, что «сам художник говорил, что пальцы мальчика на струнах скрипки «читаются», как первые ноты «Интернационала»». И вновь на фоне фигуры мальчика художник изображает «город будущего» - с многоэтажными домами и широкими улицами, он вновь отталкивается от реальности и создает идеальную модель мира.



Николай Русаков Советская симфония. 1935 г.

7 января 1936 года в Челябинске создается «правоприемник» АХР – городское отделение Союза советских художников. В числе инициаторов создания этого Союза, наряду с художниками А.И. Сосновским, А.П. Сабуровым, И.Л, Вандышевым, Д.Ф. Фехнер, О.П. Перовской и др., выступает и Русаков.
В 1938 году в здании Челябинского драматического театра прошла выставка, посвященная 20-летию творческого деятельности Николая Русакова и 50-летию со дня рождения.
А в 1939 году художник представил свои работы на Всесоюзной выставке, посвященной 20-летию ВЛКСМ.
И все же при всем принятии новой власти и ее новых законов искусства, Русаков негласно числился в рядах формалистов, занимающихся «кривлянием и формотворчеством». Ему даже особо не с чем принимать участие в ежегодных тематических выставках, поскольку у него не было полотен, посвященных индустриализации (художник писал в основном пейзажи и портреты башкир), а темы выставок говорили сами за себя - «Социалистическое строительство», «Гиганты Урала», «Урало-Кузбасс в живописи» (1938). Тем не менее, Русаков участвовал во всех челябинских выставках.
Но даже, казалось бы, в нейтральном жанре «пейзаж» критики пытаются найти «слабые места». Трифонова публикует отрывок из рецензии на одну из картин художника: «В пейзаже «Березовая роща» найден неплохо общий колорит, но однообразие зеленого цвета губит хорошее начало. В этой вещи автор совершенно отходит от присущей ему манеры письма. Вместо широких смелых приемов начинает излишне детализировать и дробить: листья, трава, цветы»...



Николай Русаков Южный Урал. У разъезда Гремячий ключ. 1934 г.

Русаков пытается «вскочить на подножку социалистического поезда» за счет темы вождя. На Первой областной художественной выставке 1940 года художник экспонирует картину «Путь Сталина». Впрочем, художника очень критиковали за этот портрет, его коллега, театральный художник Владимир Талалай на одном из обсуждений высказался: «Не могу понять и принять как зритель это произведение. Здесь все решается примитивно и совершенно не раскрывается смысл эпохи».
Те, кто был близок Николаю Афанасьевичу, видели и понимали, как страдал художник от этой своеобразной травли. Его ученики вспоминали позже, что Русаков осознавал всю двойственность власти и не боялся обсуждать политические события на занятиях и на улице.



Николай Афанасьевич Русаков фото 1930-х годов

Результат – классичен для того страшного времени. 27 июня 1941 года, через пять дней после начала Великой Отечественной войны, художник был арестован по доносу.
17 октября состоялся суд. В обвинении говорилось, что Русаков "ведет систематическую контрреволюционную агитацию, направленную против мероприятий советской власти, систематически высказывает пораженческие взгляды и распространяет различные слухи клеветнического характера". С формулировкой приговора суда «измена Родине» (ст. 52-10, ч. 2) 31 декабря 1941 года Николай Русаков был расстрелян в челябинской тюрьме, как «враг народа».
У семьи было изъято 90 писем, среди которых, по словам родственников, были письма Родченко, Маяковского, Бальмонта. Из собрания Челябинской картинной галереи сотрудники НКВД в срочном порядке изъяли пять картин Русакова, купленных у художника в 1940 году. Кстати, работы художника, которые находились в учреждениях и на предприятиях города также бесследно исчезли. Остальное творческое наследие художника удалось спасти жене Русакова. Она перевезла работы мужа к младшему сыну в Москву, где тот тогда учился.
11 октября 1957 года художник был реабилитирован посмертно за отсутствием состава преступления. Ни одна из изъятых в галерее картин так и не была возвращена музею после реабилитации художника, судьба их до сих пор неизвестна. Впрочем, еще более 30 лет имя художника находилось в забвении.

Возвращение

В 1980 году на выставке «Старейшие художники Челябинска – основатели творческого союза», которую организовал искусствовед Л. П. Байнов в Выставочном зале Союза художников, было представлено несколько работ художника. И только в период «перестройки и гласности», в декабре 1989 года, через год после круглой даты – столетия со дня рождения художника, в Челябинске прошла выставка «Николай Афанасьевич Русаков. 1888–1941. Живопись, графика. Из собрания семьи художника (Москва) и собрания Челябинской областной картинной галереи». Реставратор картинной галереи В. П. Кочнев подготовил к этой экспозиции 39 холстов художника. Эта выставка стала настоящим откровением для горожан, прессы, критики и профессионалов.
Именно после этой выставки искусствовед галереи Галина Трифонова занялась сбором материалов о жизни и творчестве Русакова, она провела огромную работу и собрала уникальный материал, исследуя московские, казанские и челябинские архивы, сотрудничая с обществом «Мемориал», общаясь с родственниками и учениками художника. Результатом стал выход в 2004 году монографии «Николай Русаков. Жизнь и творчество. 1888-1941 гг.».
В картинной галерее Челябинска хранятся около 150 произведений Русакова, в 1980 году несколько его работ были куплены у семьи художника Южно-Сахалинским музеем изобразительных искусств. А еще историки Челябинска рассказывают легенду, что картина Русакова «Смерть рикши», написанная в 1920-е годы находится в собрании Британского музея. Честно признаюсь, я обшарил сайт Британского музея, вводя различные формулировки запосов в поиске, но, увы, безрезультатно.
В 2004 году в областной картинной галерее прошла еще одна персональная выставка Русакова, приуроченная к 115-летию. А через четыре года, в июне-августе 2008 года, в рамках федерального проекта «Золотая карта России» в Третьяковской галерее были представлены картины из собрания Челябинского музея искусств, в том числе и 22 акварельные и живописные работы Русакова.
Юношеская мечта художника о том, чтобы его работы были выставлены в Третьяковской галерее, - спустя почти сто лет сбылась!

Источники: статьи Светланы Симаковой 1, 2, 3 , статья Константина Рылёва в «Деловой газете Взгляд», статья Айвара Валеева в газете «Челябинский рабочий», статья Галины Трифоновой, сюжет Ирины Коробейниковой и Константина Дедкова на ГТРК «Южный Урал» (2008), Календарь знаменательных дат.

b295a26142b9(147x40, 0 Kb)]]> 11 <![CDATA[ЛЕГЕНДЫ И МИФЫ (ЧАСТЬ 84 - ИОСИФ И ЖЕНА ПОТИФАРА Часть 6 - Продолжение темы)]]> "Зацепился" за тему соблазнительницы Потифарихи и стойкого к домоганиям Иосифа, и вот, получилась еще одна галерейка. Поскольку все истории рассказаны и стихи прочитаны (в предыдущих постах темы), остается только смотреть!



Венская "Книга Бытия" Иосиф и жена Порифара. конец VI в.






Louis Stanislas Faivre-Duffer Putiphar's Wife.



Gerard Wigmana Joseph and Potiphars Wife.



Anonimo artista italiano Giuseppe e la moglie di Putifarre.



Adrien Van der Werff Joseph et la femme de Putiphar. Musée du Louvre, Paris



Artiste inconnu de l'école française Joseph et la femme de Putiphar. 18 век



Attributed to Artemisia Gentileschi Joseph and Potiphar's Wife. 1622-23 гг.

Эта картина уже была в моей серии об Иосифе и жене Потифара, но на сайте, где я ее нашел было указано авторство художника Паоло Финолья (Paolo Domenico Finoglia, 1590 - 1645), и что картина находится в Музее искусств Гарварда. Но после этого я обнаружил эту же картину атрибутированную (точно или предположительно), как работу Артемизии Джентилески (Artemisia Gentileschi, 1593–1653), которая, как вы видите по годам жизни, была современницей Финольи. И где же правда?



Hermine F Schäfer Joseph et la Femme de Potiphar. 1964 г.



Pablo Picasso Joseph et la femme de Potiphar (d'après Tintoretto et Rembrandt). 1962 г.

Хотя, если честно, то понять, что Пикассо взял от Тинторетто, а что от Рембрандта - практически невозможно. Или есть какие-либо предположения?



Paul Gauguin Joseph et la femme de Potiphar (after Pierre-Paul Prudhon). 1896 г.



Иван Никифоров Иосиф и жена Потифара. 1996 г.



Сергей Романович Иосиф Прекрасный и жена Потифира (реплика на картину Тинторетто). 1940-е гг.

И напоследок две картины, изображающие "разборки" начальника стражи Потифира со своим слугой Иосифом.



Arturo Faldi Joseph sold to Potiphar.



Dante Gabriel Rossetti Joseph Accused before Potiphar. 1860 г.

b295a26142b9(147x40, 0 Kb)

Серия сообщений "Иосиф и жена Потифара ":
Часть 1 - ЛЕГЕНДЫ И МИФЫ (ЧАСТЬ 78 - ИОСИФ И ЖЕНА ПОТИФАРА Часть 1 - Соблазнение)
Часть 2 - ЛЕГЕНДЫ И МИФЫ (ЧАСТЬ 79 - ИОСИФ И ЖЕНА ПОТИФАРА Часть 2 - Обвинение)
...
Часть 4 - ЛЕГЕНДЫ И МИФЫ (ЧАСТЬ 81 - ИОСИФ И ЖЕНА ПОТИФАРА Часть 4 - Новая галерея)
Часть 5 - ЛЕГЕНДЫ И МИФЫ (ЧАСТЬ 83 - ИОСИФ И ЖЕНА ПОТИФАРА Часть 5 - Любимая тема Карло Чиньяни)
Часть 6 - ЛЕГЕНДЫ И МИФЫ (ЧАСТЬ 84 - ИОСИФ И ЖЕНА ПОТИФАРА Часть 6 - Продолжение темы)

]]> 0 <![CDATA[ЛЕГЕНДЫ И МИФЫ (ЧАСТЬ 83 - ИОСИФ И ЖЕНА ПОТИФАРА Часть 5 - Любимая тема Карло Чиньяни)]]> Jostr), и иногда встречаю там новые для себя имена художников. Сегодня вычитал в Календаре, что 15 мая – день рождения итальянца Карло Чиньяни. Заглянул в свою папку с картинами художника и обнаружил, что давно дожидаются своей очереди новые работы для серии «Легенды и мифы».
В прошлом году я сделал четыре поста об истории Иосифа и пытавшейся его соблазнить жене начальника телохранителей египетского фараона Потифара. Что это за история, и чем она закончилась, вы можете узнать, почитав мои посты. Кстати, в четырех галереях об этой истории есть и картина Карло Чиньяни. Но только сейчас я обнаружил, что художник неоднократно обращался к этой теме. Причем, композиция во всех полотнах примерно одна и та же, но датированы картины разными годами, да и находятся в разных музеях.
Возможно, конечно, что часть этих картин – копии с работы Чиньяни, но вроде бы не стоит не доверять официальным сайтам музеев и галерей, где я их и нашел. И потом, возникает вопрос – если часть этих картин – копии, то какая из них – оригинал??
Мною найдено пять картин, причем известно их местонахождение. Это Дрезденская картинная галерея, Палаццо Питти во Флоренции, Национальная галерея Дании в Копенгагене, амстердамский Рейксмузеум и Музей Феша на Корсике.



Carlo Cignani Joseph and Potiphar's Wife. 1678-80 гг. Gemäldegalerie Dresden




А вот датчане "прокололись", атрибутировав эту картину 1732 годом, а ведь Чиньяни умер в 1719-м! Поэтому получается, что это чья-то копия.



Carlo Cignani Josefs kyskhed. 1732 г. National Gallery of Denmark, Copenhagen

Впрочем, точно известно, что копией является и еще одна картина почти "точь-в-точь" похожая на эту, и датированная 1726 годом. Находится эта картина в Рейксмузеуме (Rijksmuseum) в Амстердаме, и на официальном сайте музея в информации о работе указано, что эту картину написал Феличе Рамелли (Felice Ramelli, 1666 - 17 сентября 1741). При этом голландцы все же схитрили, указав в других источниках авторство Чиньяни (понятно, что это "поднимает" ценность картины!).



Carlo Cignani Jozef en de vrouw van Potifar. 1726 г. Rijksmuseum, Amsterdam

А вот еще один иосифо-потифаровский вариант, который очень похож на два предыдущих, но и отличается от них композиционным положением рук и ног персонажей. Эта картина находится в собрании картинной галереи Дворца-музея Феш (Musee Fesch) во французском городе Аяччо на острове Корсика. Музей носит имя кардинала Йозеф Феша, который был епископом Лионским и "по совместительству" дядей Наполеона. К тому же Феш был азартным коллекционером произведений искусства, и его коллекция, ставшая основой музея активно пополнялась картинами, награбленными французскими войсками в Голландии, Италии и Германии. Не зря же музей гордится подлинниками Рафаэля, Тициана, Беллини, Веронезе, Боттичелли и многих других французских и испанских мастеров семнадцатого века. На официальном сайте музея эта картина честно подписана, как произведение атрибуцированное, как работа Чиньяни (жаль, неизвестен год написания). Может это и есть вторая картина Чиньяни? Как считаете?



Carlo Cignani Joseph et la femme de Putiphar. Musee Fesch, Ajaccio

Наверное, можно было бы так и решить, но еще одна чиньяновская парочка обнаружена на родине художника - в Италии. В галерее Ралатина во дворце Питти во Флоренции находится картина, дублирующая копенгагенский и амстердамский вариант. Отличает эту картину от двух вышеназванных, пожалуй, только названия. На сайте галереи картина заявлена под названием "Целомудрие Иосифа". Дата, увы, не указана...



Carlo Cignani Castità di Giuseppe Galleria Palatina Palazzo Pitti, Florence, Italy

Поскольку картина находится в Италии, да еще и в очень знаменитом музее, может именно ее написал Чиньяни? Или это тоже копия? Вообщем, вопросов больше, чем ответов!

А в конце, традиционно, помещаю биографию художника, тем более Чиньяни и его автопортреты не были представлены в моих сериях «ЖЗЛ» и «Коллекция автопортретов».

Граф Карло Чиньяни
Il Conte Carlo Cignani

15 мая 1628, Болонья — 6 или 8 сентября 1719, Форли



Carlo Cignani Autoritratto.

Итальянский живописец эпохи барокко, последний значительный мастер болонской школы живописи.
Карло родился в богатой семье в Болонье, учился сначала у Джан Баттисты Кайро (Gian Battista Cairo), а затем у Франческо Альбани (Francesco Albani, 17 марта или 17 августа 1578 - 4 октября 1660), став самым известным его учеником. Кроме этого, молодой художник усиленно занимался самообразованием, изучая произведения Тициана, Агостино Карраччи, Гвидо Рени и творения архитектора Мелоццо да Форли (Melozzo da Forlì, 1438 – 11 августа 1494). Огромное влияние на творчество Чиньяни оказало творчество Антонио да Корреджо (Antonio da Correggio, 1489 – 5 марта 1534).
Художник выполнил много работ для болонских церквей и палаццо итальянской аристократии и высших духовных лиц. В болонском палаццо Фарнезе художник написал две большие фрески – «Король Франциск I, проездом через Болонью, печется о больных» и «Въезд Папы Павла III в Болонью».
Несколько лет Карло провел в Парме, в этом городе в основном творил его любимый Корреджо.



Carlo Cignani Self-portrait, bust-length, wearing the cross of Malta. British Museum.

В 1681 году художник вернулся из Пармы в Болонью и открыл Академию обнаженной натуры (Accademia del Nudo), где учил рисовать человеческие фигуры с помощью моделей-натурщиков. У Чиньяни было большое количество учеников, только Википедия называет около двадцати имен. Самыми известными из них являются Джузеппе Мария Креспи (Giuseppe Maria Crespi (Spagnuolo), 16 марта 1665 - 16 июля 1747), Маркантонио Франческини (Marcantonio Franceschini, 1648 - 24 декабря 1729), Федерико Бенкович (Federico Bencovich, 1667 – 8 июля 1753), а также сын художника Феличе (Felice Cignani, 1660—1724) и его племянник Паоло (Paolo Cignani, 1709—1764) которые тоже стали художниками.
Как педагога, и как человека, современники описывают Чиньяни, как дружелюбного, скромного и щедрого человека, и как замечательного педагога.



Francesco Bartolozzi (after Carlo Maratta) Portrait of Carlo Cignani. 1768 г.

За яркий талант и вклад в культуру Болоньи Папа Климент XI даровал художнику титул графа. Кроме того, по папскому назначению Чиньяни возглавил Академию художеств. Существует легенда, что когда художник в 1686 году переехал жить и работать в Форли, Болонская академия добровольно последовала за ним в полном составе.
В Форли был создан один из главных шедевров Чиньяни, фреска «Успение Пресвятой Богородицы», выполненная вокруг купола церкви Мадонна дель Фуоко в Форли. Эта работа была навеяна росписью Корреджо в монастыре Сан-Паоло в Парме и перспективами работ Мелоццо да Форли. Кстати, над этой фреской Чиньяни работал около двадцати лет.



Carlo Cignani Autoritratto.

Искусствоведы пишут, что «во всех своих произведениях Чиньяни является отличным рисовальщиком и приятным колористом, находчивым в композиции, но способным к передаче только внешней красоты и жизни, пленяющим только взоры зрителя, но не возбуждающим в нем глубокого чувства. Особенно привлекательными выходили у художника фигуры молодых женщин и детей».
Кроме уже названных картин Чиньяни к известным работам художника можно отнести – «Рождение Юпитера», «Отцелюбие римлянки», «Материнская любовь» и несколько вариантов «Иосифа и жены Потифара».
Картины Чиньяни находятся во многих музейных коллекциях Италии, а также в Мюнхенской пинакотеке, в Эрмитаже, в Дрезденской галерее, в музеях Вены, Берлина, Копенгагена, Брауншвейга, Касселя и Гааге.
После смерти Чиньяги Болонская Академия живописи, основанная в 1706 году и более известная под именем Академия Клементина, избрана Чиньяни своим почетным академиком.

Источник - Википедия

b295a26142b9(147x40, 0 Kb)

Серия сообщений "Иосиф и жена Потифара ":
Часть 1 - ЛЕГЕНДЫ И МИФЫ (ЧАСТЬ 78 - ИОСИФ И ЖЕНА ПОТИФАРА Часть 1 - Соблазнение)
Часть 2 - ЛЕГЕНДЫ И МИФЫ (ЧАСТЬ 79 - ИОСИФ И ЖЕНА ПОТИФАРА Часть 2 - Обвинение)
Часть 3 - ЛЕГЕНДЫ И МИФЫ (ЧАСТЬ 80 - ИОСИФ И ЖЕНА ПОТИФАРА Часть 3 - Вариации ХХ века)
Часть 4 - ЛЕГЕНДЫ И МИФЫ (ЧАСТЬ 81 - ИОСИФ И ЖЕНА ПОТИФАРА Часть 4 - Новая галерея)
Часть 5 - ЛЕГЕНДЫ И МИФЫ (ЧАСТЬ 83 - ИОСИФ И ЖЕНА ПОТИФАРА Часть 5 - Любимая тема Карло Чиньяни)
Часть 6 - ЛЕГЕНДЫ И МИФЫ (ЧАСТЬ 84 - ИОСИФ И ЖЕНА ПОТИФАРА Часть 6 - Продолжение темы)

]]> 4 <![CDATA[ЖЗЛ (ДЖИНО ПАРИН. ПОРТРЕТ ЕГО ЖИЗНИ, ПОРТРЕТ В ЕГО ТВОРЧЕСТВЕ.)]]>
Джино Парин
Gino Parin
Настоящее имя – Федерико Гульельмо (Фридрих Вильгельм) Иегуда Поллак
Federico Guglielmo Jehuda Pollack

25 августа 1876, Триест – 9 июня 1944, Берген Бельзен



Gino Parin Autoritratto nello studio.

Итальянский художник еврейского происхождения.
Художник родился в семье Людвига (Людовико) Поллака и Берты Гласс в Триесте. Чтобы понять, как занесло австрийских евреев в итальянский Триест, нужно вспомнить историю самого города.
Австро-венгерский Триест на протяжении столетий был столицей Австрийского Приморья, главным портом Габсбургской монархии. В 1719 году Карл VI Габсбург объявил Триест вольным имперским городом, но к 1891 году права вольного города были отозваны. К началу ХХ века город считался жемчужиной, так называемой, Австрийской Ривьеры, где проводили зимние месяцы высшие слои венского общества. Итальянское королевство с момента своего образования в 1860 году считало приобретение Триеста одной из целей своей внешней политики. По итогам первой мировой войны по Лондонскому пакту, по которому страны Антанты обещали Триест итальянцам, если они вступят в войну, к Италии отошёл не только сам город, но и почти всё австрийское побережье, где был образован регион Венеция-Джулия.
Таким образом, Джино Парин родился в одной стране, а провел большую часть своей жизни уже в другой. Поэтому его настоящее имя Фридрих Вильгельм во многих источниках указано уже на итальянский лад – Федерико Гульельмо.




Первый учитель

После окончания начальной школы юноша в 17-летнем возрасте в 1893 году поступил учиться в Индустриальный институт искусств в родном городе. В институте будущий художник проучился два года в мастерской художника Эугенио Скомпарини. Историки утверждают, что псевдоним Джино Парин, который художник взял уже после первой мировой войны в середине 1910-х годов, происходит от фамилии его первого учителя СкомПАРИНи.
Возможно, жизни Эугенио Скомпарини нужно было посвятить отдельный пост, но поскольку, навряд ли, соберусь это сделать, расскажу о жизни художника здесь.

Эугенио Скомпарини
Eugenio Scomparini

1 сентября 1845, Триест – 1913, Триест



Eugenio Scomparini (caricatura)
Carlo Wulz The Painter Eugenio Scomparini in Working clothes in Front of One of His Works.

Итальянский художник.
Эугенио родился в Триесте в семье Антонио и Марии Скомпарини, отец его был родом из городка Чиоджа, а мать – из Венеции. Мальчик был младшим из шести братьев, один из них, Павел, в 1860 году воевал в отряде Гарибальди.
После успешного обучения в 1868-1869 годах в Школе дизайна в Триесте, Скомпарини уехал в Венецию, где учился в Академии живописи у Микеланджело Григолетти (Michelangelo Grigoletti) и Помпео Мольменти (Pompeo Molmenti).
В 1871 году получив диплом Академии, художник дебютировал на промышленно-сельскохозяйственной выставке со своими работами и получил высокую оценку критиков.
С 1874 по 1877 год Скомпарини вместе со своим другом Антонио Лонца (Antonio Lonza) жил и работал в Риме. В этом же году художник экспонировался на выставке в Монако, а в 1887 году начал преподавать живопись в Индустриальном институте искусств в родном Триесте, где его учеником и был герой моего сегодняшнего рассказа.
Скомпарини был избран в состав Комитета, учрежденного Фондом Ритмейера, по присуждению стипендий молодым художникам города, и в 1888, 1891, 1897, 1900 и 1903 годах избирался председателем этого Комитета.
В 1890 году музей Револьтелла приобрел первую работу Скомпарини – «Маргарита Готье», эта картина считается самой известной работой художника.
В 1907 году Эугенио был назначен главным куратором музея Револьтелла, и сохранил эту должность вплоть до своей смерти, совмещая ее с преподаванием. Музей Триеста носит имя известного городского мецената и филантропа Паскуале Револьтелла.
Скомпарини декорировал несколько дворцов в Триесте, создал театральные декорации и занавесы для театров в Триесте, Горициа и Тревизо, писал портреты в стиле романтического реализма. Вместе с Антонио Лонца художник создал костюмы для спектакля Джозефа Синико «Спартак».
В 1911 году Скомпарини оставил кафедру живописи и дизайна в Индустриальном институте, выпустив целое поколение художников из Триеста. Его преемником стал художник Карло Востри.
В 1913 году у художника случился инфаркт, но, тем не менее, он успел завершить большую работу для Сбербанка Триеста. В 1914 году Скомпарини умер.
Художник Джузеппе Гарцолини на гражданской панихиде назвал Эугенио «нежным гигантом с простодушной улыбкой, который сделал очень много для художественной культуры города». В том же году в зале Арт-клуба Общества художников была организована в честь Скомпарини ретроспективная выставка. Чуть позже вдова художника Катерина Шиллин продала музею Револьтелла большое количество работ художника.

Европа

Итак, закончив в 1895 году учиться у Эугенио Скомпарини, тогда еще не Джино Парин, а Фридрих Вильгельм Поллок уехал продолжать обучение в германскую Баварию.
Рубеж веков и первые почти двадцать лет Джино плодотворно работал, искал свою художественную манеру и стиль, экспериментировал, много путешествовал по Европе, жил в разных городах и странах, активно экспонировался и сотрудничал с разными печатными изданиями.



Gino Parin Natura morta con pomodori e brocca.

Художник жадно впитывал в себя все самое модное и передовой, возникшее в Германии на рубеже веков. Как пишут историки, «в этот период Парин изучал фотографический реализм Ленбаха и чувственный язык живописи Франца фон Штука, он научился, как выбрать и смешать краски, чтобы колорит был реалистичным и привлекательным, ипонимал, что Ленбах более декоративен, чем фон Маре». Ориентирами в творчестве (особенно портретном) для художника были модерн Штука, работы Энсора и Ропа. С 1898 года Джино экспериментировал в стиле модной тогда греческой вазописи.



Gino Parin Ritratto d'uomo.

С 1897 года Парин прожил два года в Швейцарии, и историки утверждают, что после этой поездки художник принял в Мюнхене швейцарское гражданство, но документальных свидетельств этого нет.
Потом Парин обосновался в баварском Монако, где начал изучать модерн. Помимо живописи художник занимался графикой и иллюстрированием журналов, сотрудничал с журналами «Молодежь» и «Симплициссимус», которые являлись органами модернистского движения.



Gino Parin Bozzetto con donna.

Монако являлся пропагандистом художественного сообщества, которое активно творило в Триесте, и, благодаря отзывам в местной прессе, создавалась репутация для художников, которые и жили в Триесте, и обосновались в Германии или Австрии.
В 1900 году состоялся дебют художника в родном Триесте. Он принял участие в выставке, организованной Арт-клубом, своеобразным Обществом художников Триеста, и позже, продолжая жить в Германии и Австрии, принимал участие во всех выставках, которые организовывало это Общество. Уже в ноябре 1900 года в галерее Минерва в Триесте прошла первая персональная выставка Парина, а в следующем году художник представил свои работы на выставке Сецессиона в Монако.



Gino Parin Ritratto di donna.



Gino Parin La modella.

«Маленький журнал», издаваемый в Монако, написал тогда, что «некоторые художники из Триеста, среди которых Парин, Дудович и Де Финетти, своими работами завоевали новый реальный плацдарм для творчества».



Gino Parin Paesaggio.

Первые пять лет ХХ века в творчестве Джино преобладали карикатуры и сатирические рисунки буржуазного образа жизни, поскольку жанр сатиры был очень популярен у немцев.
В 1904 году художник впервые принял участие в международной выставке Ассоциации «Hagenbund» в Вене и вскоре стал ее членом.
В своем творчестве Парин пытается освоить стилизацию арт-деко, основанную на простоте графических символов, упрощении линейных форм и сбалансированном составе линий в стиле англичанина Бердсли и «геометрии» Уильяма Блейка.



Gino Parin Caricatura. Xilografia, 1913 г.

В течение 1904-07 годов Парин активно экспонировался в Монако – в галереях Краузе и Хайнеманна, в большом зале Glaspalast.
Очень насыщенным и творчески активным историки описывают в жизни художника 1908 год. За год художник успел стать членом и корреспондентом Венского Сецессиона, поучиться в Академии художеств в Венеции у художника из Падуи Джироламо Наварры (Girolamo Navarra, 1852 - 1920), посетил первые Венецианские Биеннале, где познакомился с работами лучших европейских современных художников. Кроме этого, Джино поучаствовал в выставках в Вене, Висбадене, Виченце и родном Триесте, а также побывал в Англии.
В эти годы художник сблизился с коллегами-земляками из Общества художников Триеста (Circolo Artistico Triestino), активно показывался на выставках в Триесте в 1909 и 1910 (выставка карикатур) годах, а еще экспонировался в Вене, Ареццо, Монако и Флоренции (все выставки – 1910 год).
Надо отметить, что став уже популярным художником, Джино продолжал самообразовываться, он поступил в Мюнхенскую Академию художеств, где до 1913 года учился у художника - пейзажиста и жанриста Карла Рауппа (Karl Raupp, 2 марта 1837, Дармштадт - 14 июня 1918, Мюнхен). Педагог ввел ученика в круг участников городской Ассоциации искусства (Munchener Kunstler Genossenschaft), что дало Парину возможность активно участвовать в выставках. Кстати, именно в этот период художник стал подписывать свои работы псевдонимом Джино Парин.



Gino Parin Armonia in bianco e rosso. 1915 г.



Gino Parin Dancer.

В 1913 году Парин получил золотую медаль на Международной выставке в Монако, его работы выставлялись практически ежегодно с 1911 по 1913 год на выставках в Монако и Триесте, а также на II выставке изобразительного искусства Комитета по делам молодежи в Неаполе в 1913 году.

Друзья и первая мировая

Историки пишут, что Джино был очень общительным, и у него всегда было много друзей и не только среди коллег-художников. Например, Парин был большим другом ученого, профессора австрийского университета в Граце Витторио Бенусси (Vittorio Benussi, 1878-1927), который известен тем, что, изучая проблемы психофизики, внес свой вклад в развитие детекции лжи. В 1914 году при проведении допросов подозреваемых уже использовали пневмограф (от греч. pneuma - дыхание и grapho – писать) его изобретения.



Gino Parin Ritratto di Vittorio Benussi.

Среди коллег теплые отношения связывали с художником Бруно Кроато (Bruno Croatto, 1875 - 1948). Вместе они не только дружили, но и работали. Например, расписали в Триесте виллу известного представителя образованного среднего класса города, еврея венгерского происхождения Эрнесто Лакенбахера, итальянизировавшего свою фамилию в Ламбани. Кроме того, Парин написал портреты всей семьи Эрнесто – его портрет (1914), его второй жены Эммы Травизи и их дочери Марии (1918).



Gino Parin Ritratto del dott. Edoardo Hornicker di tre quarti.

Как известно, в 1914 году началась первая мировая война, и это нарушило многие планы художника. Его товарищ, художник Карло Вострей (Carlo Wostry, 18 февраля 1865 – 10 марта 1943) вспоминал, как их застало известие о начале войны: «30 июля 1914 я находился в Монако, но был вынужден вернуться около полуночи в Триест. Весь вечер я провел с Джино Парином. Это было очень напряженное время, ведь никто не мог предсказать, как разрешится конфликт между Австрией и Сербией. Еще в одиннадцать вечера на вокзале мы прочитали последние бюллетени, которые были еще обнадеживающими. Но через два часа в Зальцбурге я заметил большое количество солдат. Поезд заполнился новобранцами, и я понял, что объявлена война!»
Нельзя сказать, что военные годы были вычеркнуты из жизни Парина, он не был призван в армию,
Возможно, в силу возраста (художнику исполнилось 38 лет) или по причине того, что он жил в это время в Монако. К тому же, художник продолжал участвовать в выставках, как в Триесте (только в 1914 году Общество художников провело там три выставки), так и в ежегодных выставках в Монако (1914 - 1919).
Во время Первой мировой войны Парин создал большую серию портретов поэтессы Фанни Тедески и других моделей, выполненную углем и карандашом. Историки отмечают, что он был хорошим портретистом, точным и внимательным и к техническому решению рисунков, и к выражению лиц и характеру своих героинь.



Gino Parin Ritratto di Fanny Tedeschi. 19 novembre 1915 г.



Gino Parin Giovane ragazza.

Возвращение на родину

По возвращении в Триест после окончания войны, Парин решает женскую портретную живопись сделать своей основной темой творчества.



Gino Parin Ritratto di gentildonna 1916 г.



Gino Parin Trieste, Piazza Unità d’Italia 1918 г.

Исследователи творчества Парина не раз писали, что портретная живопись художника напоминает яркие примеры замечательных картин Джованни Болдини (Giovanni Boldini, 31 декабря 1842 – 11 июля 1931), а также творчество портретистов из Триеста Артуро Риетти (Arturo Rietti, 1863-1943) и Джованни Занграндо (Giovanni Zangrando, 1867-1941). «Напоминает», конечно же, в хорошем смысле этого слова.



Italico Brass Profilo di Gino Parin. 1922 г.



Gino Parin Lady in an Interior.



Gino Parin Ritratto di Donna.

Большинство портретов Парина выполнено пастелью, как пишут историки «с присущим ему мастерством и уверенностью художника». После Мюнхенского периода Парин пришел к тенденции «белого символизма», который художник «перенял» из творчества бельгийского художника, графика, скульптора и искусствоведа, главного представителя бельгийского символизма Фернана Кнопфа (Fernand Khnopff, 1858-1921), чьи картины опять же напоминали творчество английских прерафаэлитов. Сказалось на манере Парина и творчество немецкого живописца и скульптора Франца фон Штука (Franz von Stuck, 1863-1928). Влияние фон Штука даже более очевидно в иллюстрациях Парина, которыми он продолжал заниматься параллельно с живописью.



Gino Parin Modella in giallo.



Gino Parin Ritratto femminile, profilo destro, con capelli raccolti.

Впрочем, в одной из статей о Парине было написано: «Огромное количество женщин, которых он увековечил - изысканных, элегантных, в нарядных одеждах, напоминают символику портретов фон Штука в атмосфере таинственности и чувственности, которая исходит от них». Автор добавляет, что такой стиль соответствовал вкусу и требованию времени, которое вошло в историю, как «la belle epoque».



Gino Parin La modella.



Gino Parin Ritratto di Donna.

Хочу заметить, что в жанровом плане творчество Парина было разнообразным, кроме портретов и автопортретов он писал натюрморты и интерьеры, пейзажи и жанровые картины. Причем, картины художника пользовались спросом и популярностью. Поэтому мне и непонятно, почему имя Парина не стоит в ряду со многими известными итальянскими художниками первой половины ХХ века, объяснением может служить только тот факт, что итальянская живопись ХХ века прославилась, прежде всего, авангардистами (Де Кирико, Северини, Боччони, Модильяни и т.д.).



Gino Parin Autoritratto.



Gino Parin Elegant Woman on a Divan. 1919 г.



Gino Parin Modella sorridente.

Отмечу, что Парин очень активно выставлялся, как в родном городе, так и в Италии, и Европе. Специально пересчитал его выставки и выяснил, что за десять лет – с 1920 по 1930 год, только в Триесте художник экспонировался на 26 выставках: это и выставки в Арт-клубе Общества художников, и семь выставок в Салоне Микелацци (две из них в 1921 и 1922 году – персональные), Рождественские выставки (1921, 1923, 1924, 1930) и Осенние художественные выставки в городском саду (1924 -1927). Выставлялся Парин на Большой Сельской ярмарке в 1924 году, на I, II и IV выставке Intersindacale Giuliana (1927, 1928, 1930) и даже на II Региональной выставке фашистского изобразительного искусства в сентябре 1928 года.



Gino Parin Notturno. 1920 г.



Gino Parin Ritratto di Donna.



Gino Parin Giovane ballerina.

Начиная с 1922 года, картины художника семь раз были представлены на Венецианских Биеннале.
Среди известных работ, представленных на этой знаменитой международной выставке в Венеции, историки называют «Автопортрет» (Autoritratto, 1922) и «Дама с веером» (La signora del ventaglio, 1922), «Тень и свет» (Ombra e Luce, 1924), «Вечер» (Sera, 1928), «Портрет Елены» (Ritratto a Elena, 1928), «Черное и белое» (Nero e Bianco, 1930), «Сивилла» (La Sibilla, 1930), «Портрет министра Антонио Москони» (Ritratto a Ministro Antonio Mosconi, 1932). Последний раз художник участвовал в Венецианской Биеннале в 1935 году.



Gino Parin Russian Lady. 1925 г.



Gino Parin Ragazza in posa sulla poltrona.



Gino Parin Natura morta con fiori.

К этому уже огромному «послужному выставочному» списку необходимо добавить выставки в итальянских городах Виченца (1920), Рим (1921, 1923, 1925, 1927, 1930), Флоренция (1921, 1927), Монца (1924), Падуя (1926) и Турин (1923, 1925-1927), причем в 1923 году на Национальной выставке изобразительных искусств – Квадринале в Турине Парин получил Золотую медаль от Министерства образования за картину «Розовое и черное» (Rosa e Nero).



Gino Parin, Rosa e Nero. 1923 г.

Международное признание пришло к художнику после XXV Международной художественной выставки в американском Питтсбурге (штат Пенсильвания) и Институте Карнеги в Чикаго (обе выставки – 1926 г.), а также во Дворце Модиано в Будапеште (1928).

Прелестница Магда

О личной жизни художника его биографы как-то не пишут, неизвестно, был ли Джино женат, и остались ли после него дети (скорей всего нет, иначе семья бы разделила судьбу отца во время второй мировой). Но зато исследователь творчества Парина Вальтер Абрами написал целое эссе о творческо-романтической связи художника со своей ученицей Магдой Спрингер. Ведь есть сведения, что после возвращения в Триест и до начала второй мировой войны Парин преподавал рисование в художественной школе города.

Магдалена (Магда) Спрингер
Maddalena (Magda) Springer

1909-1979

Итальянская художница немецкого происхождения.
Впрочем, это не столько биография самой Магды, сколько рассказ об отношениях с Джино Парином, основанный на статье В.Абрами. С Магдой Парин познакомился еще, когда она была юной ученицей, пришедшей учиться в художественную школу, именитому в городе художнику было тогда уже за 45 лет.
Магда родилась в богатой семье немецкого происхождения, ее дед был известным в Триесте антикваром, а отец Джованни владел стоматологическим кабинетом на площади Де ла Борса.
Девочка была старшей из четверых детей, привыкла к роскоши и жила на вилле Мария, где горничная, повар и другие сотрудники готовы были удовлетворить любое ее желание.
Поэтому случай непредсказуемой судьбы свел вместе «порочного семита», каким считали художника представители «чистых кровей», и обаятельную красивую остроумную девушку.
Историки пишут, что Джино привлекла не только красота этого «крошечного существа», но и сильный и решительный характер, живой интеллект, чувство юмора, острые шутки и способность вести диалог.
Думаю, не стоит обвинять художника в совращении (этого как раз и не было). Просто Джино был восхищен и очарован ее сильной личностью, а Магда была повержена его талантом и характером, и, как предполагают современные историки, «он был еще не стар, чтобы не интересоваться ее красотой, для него это было волшебное возвращение в молодость».
Гармония, возникшая в отношениях учителя с ученицей, сразу же нашла отклик в легкомысленных буржуазных салонах Триеста, так падких на сплетни и «жареные факты». Видимо, отсюда и закрепилась за художником эта «история любви», которая на самом деле была творческим вдохновением мастера, а общение с ученицей – моделью было построено не на похоти, молчании, долгих паузах в разговоре.
Думаю, историки не обратили бы внимания на этот романтический эпизод в жизни Парина, если бы Магда стала не художницей, а обыкновенной хозяйкой салона и матерью многочисленного семейства. После учебы у Парина, девушка в конце двадцатых годов продолжила учебу в Академии художеств во Флоренции в мастерской живописца и гравера родом из Триеста Эдмондо Пассауро (1893-1969), в Триесте в 1934 и 1941 годах прошли ее персональные выставки, а потом Магда покинула Италию и обосновалась в Бельгии. Общалась ли она со своим учителем до отъезда из страны – неизвестно. Известно только, что художница оставила нам много натюрмортов (периодически появляющихся на аукционных сайтах) и несколько прекрасных портретов, среди которых стоит отметить портрет своей подруги – художницы Марии Лупиери (Maria Lupieri, 1901 - 1961) и портрет Джино Парина. Как вы понимаете, мне не удалось найти эти работы.

Последние годы

Период с 1930 по 1940 год историки называют лучшим десятилетием в жизни и творчестве Джино Парина. В 1930 году художник в составе делегации художественной интеллигенции был удостоен аудиенции у короля Италии Виктора Эммануила III (1900—1946), где был награжден премией Дуче.
За пять лет, с 1931 по 1936 год, состоялось восемь международных выставок Intersindacale Giuliana в Триесте с участием Парина. Подобная выставка 1937 года стала последней возможностью экспонировать свои работы, поскольку уже в 1938 году перед проведением XII традиционной выставкой Интерсиндикале Джулиана , несмотря на ходатайства коллег, Парину отказали в участии по «расовому признаку».



Gino Parin Volto di Donna.



Gino Parin Interno con gentildonna.

Одной из последних работ художника, выполненной в 1942 году, является эскиз с изображением Христа, в котором художник пытается обратиться к проблемам религиозной духовности.
Во время войны художник уже впрямую подвергался преследованиям по расовому признаку.
Будучи евреем, как многие жители Триеста, Парин в 1944 году был арестован и отправлен в нацистский концентрационный лагерь Берген-Бельзен, который находился в Нижней Саксонии, к юго-западу от города Берген. В этом же году художник трагически погиб в концлагере в возрасте 68 лет. По оценкам историков в лагере Берген-Бельзен между 1943 и 1945 годами было уничтожено 50 тысяч человек, из которых почти 35 тысяч умерло от тифа в первые месяцы 1945 года. Лагерь был освобожден 15 апреля 1945 года британской 11-ой бронетанковой дивизией. Освободители нашли шестьдесят тысяч заключенных, большая часть которых была серьезно больна. Около 13 тысяч трупов лежало вокруг лагеря непогребенными.
В газете «Наше будущее» 3 июня 1945 года о Джино Парине написали: «Худой, с тощим лицом, седой бородой и в шляпе, он в это опасное время был неосторожным и малоосмотрительным, появляясь на улицах города. Он по-прежнему был вежлив, элегантен, оживлен и общителен, таким он и запомнится в наших сердцах».



Gino Parin Autoritratto col cappello.

Послесловие

Нужно отметить, что после окончания второй мировой войны, уже в 1946 году в Триесте прошла мемориальная выставка работ Парина. В родном городе художника выставки художника были проведены в 1961, 1977, 1979 годах. В 1982 году творчество художника представляло Италию на Международных выставках в Барселоне, Париже и Афинах, а в 1999 году – в Будапеште.



Gino Parin Ritratto in rosso.



Gino Parin Ninetta col Cestina.

Основные источники: 1, 2, 3.

b295a26142b9(147x40, 0 Kb)]]> 6 <![CDATA[ИДЕИ ВИТАЮТ В ВОЗДУХЕ (ЧАСТЬ 69 - БУРЛАК И В АФРИКЕ БУРЛАК (Продолжение темы))]]> Найдя в галереях картину Телемако Синьорини на эту же тему, написанную, кстати, раньше репинского шедевра, я сделал материал в рубрике «Идеи витают в воздухе» (смотрите здесь).
Мои читатели отозвались на материал картинами других художников, и я понял, что тема бурлаков была «плодотворной» в творчестве не только русских живописцев, но и их зарубежных коллег. Поэтому и возник этот материал, в котором помещаю и информацию о самой этой, так называемой, профессии.



Илья Репин Бурлаки (эскиз) 1870 г.

Бурлаки — наёмные рабочие, обычно из оброчных крестьян или городских низов, которые, идя вдоль берега (по так называемому бечевнику), тянули при помощи бечевы речное судно против течения или передвигали его по воде с помощью весел. Историки считают, что само слово «бурлак», возможно, возникло от названия реки Бурла, протекающей главным образом в Алтайском крае. Бурлаки в России появились в конце XVI – XVII веках и трудились, в основном, в Волжском, Беломорском и Днепровском речных районах. В XVIII—XIX веках основным типом судна, водимым бурлацким трудом, была расшива.






Илья Репин Бурлаки на Волге. 1870-73 гг.



Илья Репин Бурлаки, идущие вброд.1872 г.



Николай Каразин Каракалпакские бурлаки на Амударье.

Бурлацкий труд являлся сезонным, лодки тянули обычно по «большой воде»: весной и осенью. Для выполнения заказа бурлаки объединялись в артели. Обычно бурлаки нанимались артелями по 4-6, чаще 10-40 человек, связанных между собой круговой порукой, но иногда артель составляли более 150 человек.



Василий Верещагин Бурлаки 1866 г.



Алексей Корин Бурлаки. 1897 г.

Труд бурлака был крайне тяжёлым, монотонным и низкооплачиваемым. Скорость передвижения зависела от силы попутного или встречного ветра. При попутном ветре на судне поднимался парус, который значительно ускорял передвижение. Выдерживать темп движения бурлакам помогали песни. Одной из известных бурлацких песен является «Эх, дубинушка, ухнем», которая обычно пелась для координации сил артели в один из самых тяжёлых моментов: страгивании расшивы с места после подъёма якоря.



Алексей Саврасов Бурлаки на Волге. 1871 г.



Исаак Левитан Бурлаки.

В Российской империи «столицей бурлаков» с начала XIX века называли город Рыбинск. В летнюю навигацию через Рыбинск проходила четвертая часть всего российского бурлачества. Именно в этом городе стоит единственный в мире памятник бурлаку.



Памятник бурлаку в г. Рыбинске.

В связи с техническим прогрессом (распространением пароходов) к началу ХХ века бурлацкий труд практически исчез. Некоторое время вместо перемещения судна бурлаками также использовался такой способ передвижения, как завоз якорей вверх по течению и подтягиванию к ним судна на лебёдке с конной или паровой тягой.
Уже в СССР в 1929 году постановлением НКПС, в подчинении которого до 1931 года находился речной транспорт, бурлацкая тяга была полностью запрещена. Однако, в годы Великой отечественной войны на ряде малых рек, ввиду отсутствия буксиров, бурлацкая тяга имела ограниченное применение. В современных нормативных актах Российской Федерации нет запрета на бурлацкую тягу, поскольку постановление 1929 года утратило силу, однако фактов ее применения в современности не наблюдалось, видимо, как пишет Википедия, в связи с экономической неэффективностью.



Honore Daumier The Hauler Of A Boat. 1856-60 гг.



Signorini Telemaco L'alzaia 1864 г.



Frederick Arthur Bridgman Scene de Halage sur le Nil. 1875 г.



Lando Landozzi Il battelliere. 1931 г.

В Западной Европе (например, в Бельгии, Нидерландах и Франции) передвижение речных судов с помощью живой силы и тягловых животных сохранялось до тридцатых годов XX века. А вот в Германии использование живой силы прекратилось уже во второй половине XIX века.



Claude Monet Towing of a Boat at Honfleur.



Jacques Villon The Haulers 1907 г.

Впрочем, слово «бурлак» обозначает не только человека, таскающего баржи и суда, но имеет и другие этимологические значения. Например, в разговорном латышском языке слово «burlaks» означает не только «бурлак», но и «разбойник». В разговорном литовском языке словом «burliokas» называли местных русских старообрядцев. А в разговорном румынском языке бурлаком (burlac) называют холостяка.
В русском языке иногда словом «бурлак» обозначали человека, ушедшего на приработки: рубить дома, класть печи, на сплав и т. д. Слово «бурлачить» в значении охотиться употребляют до сих пор в Кирилловском районе Вологодской области: «Опять кот Васька ушел бурлачить».



Бурлаки фото 1900-х гг. Рыбинский краеведческий музей

Напоследок, сделанное мной открытие. Я нашел картину Константина Мейсонье, которая называлась «Женщины бурлаки».



Constatin Meunier Three Female Haulers Sun.

Я подумал, что это неточное название, и женщины не могут бурлачить. Но сомнения отпали, когда я нашел фотографию из Рыбинского краеведческого музея. Стопроцентно был прав Некрасов – «коня на скаку остановит, в горящую избу войдет»… Впрочем, и на рисунке Жака Виллона одна из бурлаков тоже женщина (в чепце).



Бурлаки-женщины на Волге. фото 1900-х гг.

Источники – Википедия и Российский гуманитарный энциклопедический словарь

b295a26142b9(147x40, 0 Kb)
]]> 8 <![CDATA[ЖЗЛ (ЛУКИАН ПОПОВ. ГОРДОСТЬ ОРЕНБУРГСКОГО КРАЯ) ]]> Но, увы, Попов не занял достойное место ни в истории русской живописи, ни в ряду всемирно известных художников – передвижников. Объяснения этому, конечно же, можно найти. Одной из причин было то, что художник умер очень рано. Второй считаю то, что после окончания Академии Попов вернулся в родной Оренбург, который на рубеже веков считался «далекой глубинкой». Ну, а третья и, пожалуй, самая главная состоит в том, что советские искусствоведы «записали» художника в разряд «социальных художников», воспевающих «острые социальные проблемы современной действительности и пробуждение революционного движения на селе». Хотя на самом деле картины с «политическим подтекстом» были, действительно, написаны в период революционных волнений 1905 года, но они абсолютно не типичны для творчества художника и являются небольшим периодом в его творчестве.
В Большой Советской Энциклопедии, выпущенной в 1961 году, Ф.Рогинская и Л. Попов писали: «В своих жанровых картинах, появлявшихся на выставках из-за цензурных соображений под нейтральными названиями, Попов стремился показать революционное движение в деревне, во главе которого встал рабочий, передать революционные сдвиги в мировоззрении и типичные черты духовного облика русского крестьянства в начале 20 века». У меня такое ощущение, что названия картин «Вставай, подымайся...», «Социалисты», «Агитатор» тоже были придуманы советскими искусствоведами, поскольку в каталогах Передвижных выставок эти картины носят другие (как было указано выше – нейтральные!) названия. К тому же, считая Попова «революционном художником», страна Советов выпустило о его жизни и творчестве только две брошюры, а большая часть его творческого наследия сосредоточена в родном Оренбурге. Правда, Русский музей в Санкт-Петербурге может гордиться тем, что имеет в своей коллекции четыре работы Попова, но, опять же предполагаю, что они пылятся в запасниках.
Давайте вместе попытаемся проследить хронологию жизни и творчества Лукиана Попова.

Лукиан Васильевич Попов

8 (22) октября 1873, с. Архангельское, Оренбургская губерния – 7 (20) мая 1914, Оренбург



Иван Куликов Портрет Лукиана Васильевича Попова. 1900 г.

Русский живописец, жанрист и пейзажист начала XX века, академик Императорской Академии художеств, член Товарищества передвижных художественных выставок.
Лукиан Попов родился в крестьянской семье пахаря в селе Архангельское (еще в источниках упоминается название села, как Архангеловка), которое расположено было в 36 верстах от Оренбурга. В 1876 году, после введения всеобщей воинской личной повинности, отца трехлетнего мальца призывают на службу в армию, и семья переезжает в Оренбург, но своей малой родине художник будет предан до конца дней.




Юность

Из статьи, опубликованной в начале ХХ века в газете «Оренбургская жизнь», известно, что родители отдали Лукиана сначала в приходскую школу, затем - в городское трехклассное училище. Впрочем, мальчик после второго класса бросил училище и в 12 лет стал работать в писчебумажном магазине Курникова. Там он попал, как пишет оренбургский журналист, «в мир книг, красок, кистей и картин». В это время Лукиан познакомился с местным художником по фамилии Мехед, который стал для парня первым учителем рисования. Лукиан с упоением трудился в иконописной мастерской, которую держал Мехед. Позже художник напишет портрет Мехеда, эта картина упомянута в нескольких статьях о Попове. А еще мне интересно, кем доводится этому оренбуржцу Мехеду заслуженный художник Республики Адыгея Владимир Михайлович Мехед (23 марта 1924 – 1998) – потомком или однофамильцем?!.
Датирование событий юношеских лет, проведенных в Оренбурге, очень приблизительно и порой неопределенно.
Неоспоримым фактом биографии Попова является то, что в 1892 году в Оренбурге проводилась выставка картин Любительского кружка самарских художников под руководством художника I степени Федора Емельяновича Бурова (12 мая 1845 – 16 апреля 1895). И то, что в этом же году в Оренбурге побывал проездом в своей поездке на этюды уже известный художник - пейзажист Аполлинарий Михайлович Васнецов (25 июля (6 августа) 1856 — 23 января 1933).
Оба события произвели на молодого человека большое впечатление и сыграли решающую роль в его желании стать профессиональным художником.
Необходимо сказать несколько слов о самарском художнике Федоре Бурове, который был не только талантливым живописцем, но и известным в своем городе педагогом. В 1891 году он с разрешения властей открыл в Самаре «Классы живописи и рисования» с трёхгодичным обучением по собственной программе. Состав учащихся его рисовальной школы был разнообразным, но в основном это были ремесленники, прислуга и крестьяне. Учились в его школе и женщины. Несмотря на то, что школа просуществовала всего четыре года (в 1895 году Буров умер от туберкулеза), многие его ученики впоследствии стали известными художниками. В «классах» Бурова обучались, например, Кузьма Петров-Водкин и Константин Горбатов.
Кроме рисовальной школы Федор Буров организовал в Самаре кружок из местных художников, которые стали организаторами первых городских художественных выставок. Позднее эти выставки помимо Оренбурга экспонировались в Симбирске, Сызрани и других городах.
Что касается Апполинария Васнецова, то историки утверждают, что Попов встречался и общался с художником. Да и сам факт посещения Васнецовым оренбургского края подтверждается рядом его работ, выполненных в 1892-93 годах, среди которых чаще всего упоминается картина «Оренбургские степи» (1893).
Современники Попова вспоминали, что Васнецов заказал в магазине раму для своей работы, и молодой Лукиан доставил заказ в гостиницу, где и познакомился с художником. 19-летний Попов с жадностью рассматривал работы Васнецова, засыпал его вопросами и после этой встречи твердо решил ехать учиться «на художника» в Петербург.

Академия художеств. Петербургский период.

В столицу империи Попов попал только спустя два года после той «судьбоносной» встречи. В 1894 году он поступил в Рисовальную школу Общества поощрения художеств, в которой проучился два года. В 1896 году (по некоторым данным – в 1897 году) Лукиан Попов без труда поступил в Высшее художественное училище живописи, скульптуры и архитектуры при Имперской Академии художеств (во многих источниках название этого заведения считается синонимом самой Академии художеств). Его основным педагогом был Владимир Егорович Маковский, оказавший большое влияние на всё творчество своего ученика. Благодаря Маковскому, Лукиан выбрал для своего творчества один из сложных живописных жанров - жанр сюжетно-тематических и бытовых картин.
В Академии художеств Попов учился до 1902 года, каждое лето приезжая на этюды в родной Оренбург. Во время учебы Лукиан очень сдружился с однокурсником, художником Иваном Куликовым (1 апреля 1875 – 15 декабря 1945), который был родом из Мурома Владимирской губернии. Друзья вместе снимали квартиру на Васильевском острове. Именно благодаря этой дружбе, мы имеем портрет Попова с усиками и в модной шляпе, написанный Куликовым в 1900 году. На старших курсах Куликов перешел от Маковского в мастерскую Репина и даже ассистировал Мастеру в работе над картиной «Заседание Государственного совета». Уже при советской власти, в последние годы жизни Иван Семенович вернулся к себе на родину, преподавал в художественной студии Мурома и являлся одним из основателей городского краеведческого музея.
Историки пишут, что портрет Попова написал также художник Александр Моравов (8 декабря 1878 – 23 февраля 1951). Но эту работу я не нашел. К тому же удивился, что сам Попов, занимаясь жанровой и портретной живописью не оставил в своем наследии автопортретов.
На третьем курсе Академии, в 1899 году, за картину «Затопило» Лукиан получил премию им. Н. С. Мазурина на конкурсе Московского Общества любителей художеств. С этого же года Попов в течение пяти лет участвовал в выставках этого Общества и традиционных выставках Академии.
В 1901 году внимание публики и критики привлекла картина «Дети», которую искусствоведы посчитали автобиографической, поскольку художник отобразил судьбу мальчиков, которых нужда в крестьянских семьях вынудила в раннем возрасте покинуть отчий дом, уйти в город, чтобы работать в услужении в магазинах и кустарных мастерских.
В 1900 году, еще будучи студентом Академии, Попов впервые принял участие в XXVIII выставке Товарищества передвижников (официально это называлось – стал экспонентом. После окончания Академии в 1903 году молодой художник стал действительным членом Товарищества передвижных художественных выставок (ТПХВ) и принимал участие в этих выставках до самой смерти. Оренбургские краеведы с гордостью пишут, что «честь быть членами этого Товарищества выпадало на долю немногих художников».



Лукиан Попов Одухотворённый пейзаж 1900-е гг. частное собрание

В 1902 году Лукиан Попов закончил успешно Академию, представив на суд академического жюри картины «Тихо» и «С просветом», за которые получил звание художника и право на пенсионерскую поездку за рубеж.
Весной 1902 года в Оренбурге состоялась большая коллективная выставка художников, на которой Попов представил более 50 картин, эскизов и набросков. Газета «Оренбургский листок» писала: «В картинах Попова особенно рельефно выступает стремление подражать своему учителю В. Маковскому. …Детям очень нравится его картина «Мать у колыбели». Так как наш молодой художник отправлен Академией художеств за границу, то можно ожидать, что его талант, который бесспорно есть, - разовьется».



Лукиан Попов Сотрудники журнала "Нива".

В этом же 1902 году Попов отправился, как пенсионер Императорской Академии художеств за границу, побывал в Берлине, Дрездене, Мюнхене и Париже, а после успешного завершения заграничной поездки в 1903 году, вернулся в Оренбург, где и прожил до конца жизни.

Оренбургский период

Зимой 1905 года городская дума Оренбурга разрешила художнику взять в аренду участок в 200 кв. сажен (архивы уточняют - по цене 10 копеек за кв. сажень) в Зауральной роще на берегу Урала, для устройства там «мастерской для художественных работ».
Все 1900-е годы Попов плодотворно трудился, причем в разных жанрах. Он одинаково убедителен и как жанрист, и как портретист, и как пейзажист. Судя по всему, в это же время художник женился на Вере Васильевне Поповой (девичья фамилия неизвестна), потому что один из первых портретов его жены датирован началом 1900-х годов.



Лукиан Попов Портрет жены в пёстром платке. 1900-е гг. Оренбургский музей изобразительных искусств

Художник неоднократно бывал в деревнях и селах Приуральского края, ежегодно на длительные сроки выезжал в деревню, где, как пишут историки, «стремился осмыслить новые черты жизни крестьянства». Именно в 1904-08 годах появились работы, которые потом искусствоведы назовут «посвященными непосредственно революционному движению в деревне». Среди этих работ - картина, обозначенная в каталоге XXXIV Передвижной выставки, как «К закату» (1906), на которой крестьяне слушают агитатора-революционера. Историки пишут, что на самом деле художник назвал картину «Агитатор в деревне» (хотя встречается еще и название «Оратора слушают», что более ближе к сути происходящего). К тому же, оратор и агитатор – слова с разными определениями.
Хотя, скорей всего, это обычный сельский сход, да и центральной фигурой здесь является старый крестьянин, а не юноша, которого определили в агитаторы. И название может говорить не только о «закате царского режима», но и о возрасте героев картины.



Лукиан Попов К закату (Агитатор в деревне). 1906 г. Пермская художественная галерея

Еще одна «политическая» картина была представлена на XXXV выставке Товарищества в Петербурге под названием «В деревне» (1907). Историки пишут, что это название было поставлено «в связи с цензурными условиями», но уточняют, что в последующие годы картина была выпущена в виде открытки под настоящим названием – «Вставай, подымайся!». Хочется спросить историков, а что, выпуск открытки цензура проморгала? И на самом ли деле Попов хотел показать «революционность жителей деревни»?

Зимой 1908 года в Оренбурге состоялась очередная выставка Товарищества передвижников, где было представлено более ста работ Репина, Маковского, Киселева, Дубовского, Волкова, Шильдера и др. В рамках этой выставки была показана и персональная экспозиция работ Попова.
Корреспондент «Оренбургской газеты» писал: «Выставка картин Л.В. Попова начинает заинтересовывать наше общество - по будням число посетителей иногда достигает 90 человек, а в воскресенье оно дошло до 350. Явление, конечно, весьма отрадное для нашего города».



Лукиан Попов Непокойная ночь.



Лукиан Попов Жених. 1904 г. Оренбургский музей изобразительных искусств

Нужно отметить, что руководство Коммерческого собрания бесплатное предоставило зал для выставки, а весь сбор от продажи билетов поступил в пользу сельских школ Оренбургской губернии.
Местные критики в прессе написали о Попове, как о «ярком образчике выдающейся энергии, трудолюбия и таланта. Без гроша в кармане, богатый только твердой верой в свое художественное призвание, молодой человек в девяностых годах отважно отправился в Петербург и поступил в рисовальную школу общества поощрения художеств».
В конце ноября этого же 1908 года в Оренбурге в помещении коммерческого собрания состоялась еще одна персональная выставка Попова, на которой были представлено около ста картин художника, большинство из которых было предназначено для выставок в Петербурге и Москве.
Местная пресса написала: «Во многих картинах оренбуржцы могут признать своих знакомых. Общее впечатление прямо-таки захватывающее. Для оренбуржца такие вещи случаются очень редко, скорее никогда не случаются, почему можно только рекомендовать и рекомендовать эту выставку вниманию самой широкой публики..."



Лукиан Попов Дедушка помогает внучке с домашним заданием. частное собрание

Выступал Попов и в роли педагога, он преподавал рисование в Оренбургском Неплюевском кадетском корпусе. В одной из биографий художника недобросовестный биограф написал, что Попов окончил этот кадетский корпус еще в 1891 году, хотя в это время он работал приказчиком в магазине (Вот так и рождаются домыслы и искаженные факты!).

В 1909 году Лукиан Попов стал членом образованного в этом же году Общества художников имени Архипа Ивановича Куинджи (1842-1910). Это творческое объединение художников Петербурга было основано по инициативе и на средства самого Куинджи, который пожертвовал на эти цели 150 000 рублей и своё имение в Крыму. Общество ставило задачей сохранение и развитие реалистических традиций русского искусства, как это понимали ученики и последователи Куинджи, в большинстве своем художники-пейзажисты. Общество организовывало выставки, приобретало работы художников и ежегодно присуждало премии имени Куинджи. Среди членов Общества были весьма именитые живописцы – В. Е. Маковский, Н. К. Рерих, А. А. Рылов, И. И. Бродский и др. Общество Куинджи было упразднено в 1930 году путем слияния с другими обществами в «Цех художников».
В январе 1910 года Попов представил на выставке передвижников в Москве картины «Трое» и «Зимой», которые пользовались большим успехом.



Лукиан Попов Товарищи.

Мастерство художника получило и официальное признание – в 1912 году Академия художеств присвоила Лукиану Попову звание академика живописи.



Лукиан Васильевич Попов - академик живописи. 1912 г.

О творчестве

Попов, как ученик Маковского, избрал жанр, в котором работал его учитель - жанр сюжетно-тематических картин. Живя в российской глубинке он бытописал жизнь как интеллигенции Оренбурга, так и жизнь оренбургского крестьянства.



Лукиан Попов Тряпичники - нищие. Оренбургский областной музей изобразительных искусств



Лукиан Попов Девочка - крестьянка с ребенком и корзиной в руках.

Отдельной темой выступает в творчестве художника тема крестьян - переселенцев, покидающих родные деревни в поисках заработка. Этих обездоленных людей (здесь я могу согласиться с социально-политической подоплекой картин) художник видел на дорогах и вокзалах, в ненастную дождливую погоду и в заснеженной степи. Эти жанровые работы отличаются продуманным композиционным решением, тонкой психологической разработкой сюжета, яркой психологической характеристикой персонажей и сочувственным отношением автора к ним.



Лукиан Попов Переселенцы зимой. начало 1900-х гг.



Лукиан Попов Переселенцы. Гроза. 1900-е гг.



Лукиан Попов Ходоки на новые места. 1904 г. Пермская художественная галерея

Писал Попов и пейзажи, изображая тонко с большой любовью к местной природе «и марево разогретого степным солнцем воздуха летом, и свежесть морозного воздуха зимой».



Лукиан Попов Городской пейзаж.



Лукиан Попов Зима. 1909 г.

Как портретист, Попов умело передавал характер и настроение модели, раскрывал психологическое состояние, давал точную социальную характеристику. В портретах Попов предпочитает поясной срез фигур, как бы приближающий их к зрителю.



Лукиан Попов Женщина, примеряющая кольцо. 1901-04 гг.



Лукиан Попов Женский портрет.



Лукиан Попов Девочка в красном сарафане. 1900-е гг. частное собрание

Много писал Лукиан свою супругу.



Лукиан Попов Портрет жены в красном сарафане. 1908 г.

Но доминирующей в творчестве художника оставалась все-таки жанровая живопись. Большое место в творчестве Попова занимают произведения, посвященные изображению интеллигенции, и в частности коллег-художников. В работах, посвященных интеллигенции, почти всегда наличествует мотив дружеской беседы, а часто и спора. Мотив спора искусствоведы часто трактуют, как поднимание вопросов о судьбах русского народа и России вообще.



Лукиан Попов Приятели. 1907 г.



Лукиан Попов Своя компания. 1904 г.

Искусствоведы в качестве примера называют картину «Социалисты» (1908), я, увы, не нашел такой картины, либо она тоже имеет второе «нейтральное» название. На этой картине изображено нелегальное собрание, в котором участвуют студенты, профессиональные революционеры и рабочие. Еще чаще всего в разряд «политических» картин причисляют полотно «Где же истина?».



Лукиан Попов Где же истина? (Искатели истины). 1903 г. Рыбинский историко-архитектурный и художественный музей-заповедник



Лукьян Попов Под красным светом. 1910-11 гг.

Интересный факт, но в 1913 году в юбилейный год 300-летия царствования Дома Романовых для актового зала мужской гимназии Лукиан Попов написал портрет Государя Императора Николая II.
Вот и пойми, за революционеров был художник или за царя?!
Среди наиболее известных работ, принесших живописцу широкую известность и популярность, называют картины «Взяты» (1904, Русский музей) и «Луга затопило» (1908, Оренбургский художественный музей).



Лукиан Попов Взяты. 1904 г. Русский музей



Лукиан Попов Луга затопило. 1908 г. Оренбургский областной музей изобразительных искусств

Последние годы

В начале 1910-х годов художник странствовал с богомольцами на открытие мощей Серафима Саровского, много ездил по Вологодской и Архангельской губерниям, изучал Башкирию и киргизские степи.



Лукиан Попов В святые места. 1911 г. частное собрание

В его творчестве появляется религиозная тема. В Оренбурге Попов расписал церковь Второго кадетского корпуса, алтарь Введенского собора и иконостас церкви учительской семинарии, им были написаны две картины для церкви Вознесения.
Летом 1913 года художник руководил работами по украшению Казанского кафедрального собора в Оренбурге. В соборе имелись семь картин художника В. Маковского, находившиеся в ужасном состоянии. Эти картины были реставрированы Поповым и поставлены под стекло.
В конце 1913 года в оренбургской учительской семинарии состоялось освящение домовой церкви, оборудованной на средства купца Н.Н. Андреева. Все иконы для церкви написал Лукиан Попов.

Понять, почему художник обратился к религиозным темам, можно, если знать о семейной трагедии Лукиана Васильевича. Эта трагедия стала известна, благодаря книге «Воспоминания о передвижниках» художника – передвижника и мемуариста Якова Даниловича Минченкова (1871—1938). Думаю, что эта трагедия и развивающиеся за ней события и стали причиной преждевременной кончины художника.
Минченков описывает вечер, когда товарищи-художники собрались за общим столом помянуть Попова и других ушедших коллег. Тогда-то художник-пейзажист Николай Никанорович Дубовской, с 1889 года возглавлявший Товарищество передвижников, рассказал, что пережил Лукиан Васильевич в последний год своей жизни.

Ниже привожу фрагмент из книги Минченкова.
У него (Попова) был маленький сын, родившийся слепым. Врачи сказали, что это несчастье можно побороть операцией, и советовали обратиться к знаменитому окулисту в Харькове Гиршману. Отец с сыном из Оренбурга поехали в Харьков. Гиршман удачно сделал операцию, и ребенок должен был лежать некоторое время в совершенно темной комнате, в которую будет впускаться свет лишь понемногу, пока ребенок не освоится с первыми зрительными впечатлениями от мира и глаза не привыкнут к свету. Отец находился в другой комнате, рядом. В одно утро, когда стали освещать комнату сына, он услышал его испуганный голос: «Папа, папа! иди ко мне, я что-то вижу!» Встревоженный Попов вбежал в комнату и увидал его с широко раскрытыми испуганными глазами. «Что с тобой?» — спросил отец сына и хотел было подойти к нему. «Не подходи, не подходи!» — закричал неестественным голосом ребенок и замолчал. И когда Попов приблизился, на него смотрели в неописуемом ужасе глаза мертвого сына. От рассказа многие вздрогнули, а Дубовской добавил: Так вот что пришлось испить от жизни нашему товарищу и отчего, возможно, он и ушел от нас, а все считали его по виду здоровым, цветущим и уравновешенно-спокойным.

Потрясенный смертью малолетнего сына, подавленный горем отец написал портрет умершего мальчика. Эту картину художник в феврале 1914 года поместил на Сорок второй выставке передвижников в Петербурге, которая проходила с 16 февраля по 13 апреля 1914 года в Обществе поощрения художеств. Но Совет Товарищества отказал Попову в размещении картины на выставке, попросив художника убрать портрет с экспозиции, как нарушающий «праздничный тон выставки».
Узнав об этом, Илья Ефимович Репин 5 апреля 1914 года написал письмо Дубовскому: «Поступок товарищей с Поповым я считаю ошибкой, и надо всеми силами нам отделаться однажды и навсегда от этой бестактной опеки очень взрослых людей - своих близких.<...> Устроители могли поместить вещь в укромном месте, где она не бросалась бы в глаза зрителю».

Спустя чуть более месяца после этого письма и закрытия выставки, Лукиан Попов умер у себя на родине в Оренбурге в возрасте сорока лет. Панихида состоялась 20 мая 1914 года в церкви Иоанна Богослова, поминки прошли в доме Попова на улице Фельдшерской № 84, которая сейчас носит имя художника.
В сороковой день со дня смерти художника газета «Оренбургская жизнь» написала:
«Сколько задуманных вещей, сколько начатых, сколько копошилось идей - не пришлось осуществить. В первые годы учения жизнь была ему мачехой, такой осталась она и в последние дни расцвета сил, когда он уже был академиком. Много было невидимых рук, сыпавших на его голову удары за ударами... Можно сказать: он носил в душе трагедию и ее унес в могилу».
Вдова Вера Васильевна Попова после смерти художника переехала со старшими детьми в Самару.

Возвращение забытого имени

Интерес к забытому после смерти художнику в середине 1940-х годов вернул журналист и председатель Оренбургского Союза художников Сергей Андреевич Варламов, который наткнулся на имя Попова в уже упомянутой выше книге воспоминаний Якова Минченкова.
Варламов выступил по областному радио, и на это выступление откликнулись лично знавшие Попова художники Н.В. Кудашев и братья В.М. и Н.М. Ледяевы, которые в свое время посещали студию Попова в Зауральной роще и у которых имелись работы художника.
Варламов же вместе с тогдашним директором местного краеведческого музея (1946-1957), журналистом, педагогом и краеведом Андреем Яковлевичем Борисовым (16 (29) октября 1897 –27 декабря 1968) собирали работы художника по всему краю. На весьма скромные средства краеведческого музея скупались произведения художника у его семьи и частных лиц.



Лукиан Попов В саду. 1911 г.

В 1960 году, когда был организован Оренбургский областной музей изобразительных искусств, картины Попова были переданы в его фонды и стали основой музейного собрания. В музее находится основная часть творческого наследия художника, его творчеству посвящен главный зал музея.



Лукиан Попов Крепкий сон. 1912 г. Оренбургский музей изобразительных искусств

Кроме того, картины Попова хранятся в Русском музее и музее Российской Академии художеств в Санкт-Петербурге, Третьяковской галерее, Самарской картинной галерее, Рыбинском художественном музее-заповеднике.

Источники – Википедия, БСЭ и электронные энциклопедии, статья Татьяны Судоргиной в газете «Вечерний Оренбург» (1998), статья Владимира Трифонова в газете «Вести» (С-Пб), статья Татьяны Орловой на сайте art.ufanet.ru, книга Ф.С. Рогинской «Товарищество передвижных художественных выставок», сайт Оренбургского музея изобразительных искусств, сайты izomuseum.56web.ru и artinvestment.ru.

b295a26142b9(147x40, 0 Kb)]]> 7 <![CDATA[ЖЗЛ (ИВАН ПУНИ. ТРИ ВОПРОСА К ИСТОРИКАМ (Продолжение темы))]]> здесь, послужили комментарии к этому посту. На мой материал вышел Георгий Артемьевич Копытов, который написал, что в биографии Ивана Альбертовича существуют явные пробелы и неточности. У нас завязалась переписка, следствием которой и стал этот пост.
Начну с того, что Георгий является внуком авиаконструктора Виктора Львовича (Людвиговича) Кербера (Корвина) (1894–1970), который закончил Пажеский корпус, участвовал в составе Лейб-егерского полка в I Мировой войне, в 1917 году стал летчиком, участвовал в белом движении в составе армии Деникина, затем стал советским авиаконструктором, был ближайшим помощником одного из первых авиаконструкторов СССР Дмитрия Павловича Григоровича (1883 – 1938).
Как написал Георгий, «мой интерес к Ивану Альбертовичу Пуни, вполне, утилитарен. Я не являюсь поклонником его творчества, но Пуни в молодые годы был приятелем моего деда (они учились в одной школе и были соседями по даче в Куоккале – Прим. мое), а я стараюсь установить подробности и его жизни, и жизни тех людей, с которыми он сталкивался. К сожалению, деда мне уже не расспросить».



Виктор Кербер
Иван Пуни в Куоккале. начало 1900-х г.

Георгий Артемьевич прислал мне фотографии, на которых запечатлены Пуни и Кербер вместе. Эти фотографии ранее нигде не публиковалось, и мне приятно, что "премьера" состоится в моем Дневнике!



На снимке, сделанном в Куоккале в 1910 году изображены (слева направо):
- Иван Пуни;
- брат Керберов, кадет Пажеского корпуса Евгений фон Гарф (погиб 3 сентября 1916 года в Галиции во время Брусиловского прорыва в составе Лейб-егерского полка);
- Виктор Кербер (дед Георгия Копытова);
- штабс-капитан Лейб-егерского полка, выпускник Пажеского корпуса Вильгельм фон Гарф (после революции начальник штаба Восточного фронта у Фрунзе, дослужился до комдива, репрессирован и расстрелян в 1938 по делу Тухачевского);
- Леонид Кербер (младший брат Виктора, будущий кадет I кадетского корпуса, после революции – красноармеец, участник Гражданской войны, затем авиаконструктор, заместитель Туполева по оборудованию).



Виктор Кербер в гостях у Ивана Пуни.



Виктор Кербер и Иван Пуни в Куоккале. начало 1900-х г.



Иван Пуни в Куоккале. начало 1900-х г.



Иван Пуни на корте в парке усадьбы сестер Рюдингер.

В комментариях к посту о Пуни Георгий написал, что в поисках исторических фактов о жизни его деда он «почти не имеет возможности заниматься архивными исследованиями и чаще всего пользуется сведениями из интернета». Эти поиски навели моего респондента на мысль, что «домыслы и ошибки, после того, как на них начинают ссылаться другие авторы, приобретают черты факта и уже не оспариваются». С чем я абсолютно согласен, поскольку сам, разыскивая информацию о художниках, не раз сталкивался с искажениями фактов, как в датировании, так и в описании самих событий.
Как и Георгий, я считаю, что «обнаруженные противоречия и нестыковки надо обязательно подчеркивать. Возможно, именно это и натолкнет кого-то на мысль необходимости установления истины».
Итак, с помощью Георгия Артемьевича я ставлю несколько вопросов, которые возникли при детальном изучении биографии художника Ивана Альбертовича Пуни.




1. Когда же родился Иван Пуни?

Обычно я выискиваю в поисковике всю информацию о художнике, собираю ее, перевожу, редактирую, а потом "фильтрую", оставляя все интересные факты биографии. Таким образом, получается наиболее полная из существующих информаций о художнике. Повторюсь, что я сам не раз сталкивался и по поводу разночтения дат, и по поводу неточностей в названии городов и т.д. Проверить, какова истина - это нужно копаться в библиотеках и архивах, что не представляется возможным. Поэтому, если встречаются, например, разные даты, и я не могу проверить подлинность с помощью каких-нибудь других источников, я оставляю наиболее встречающуюся в найденных материалах дату, как говорится, "веря на слово" тем, кто это написал.
У меня в материале указано, что художник родился 20 февраля (4 марта) 1892 года в Куоккале. Но в некоторых источниках, как правильно отметил Георгий, указаны (часто без числа и месяца) и 1893 год, и 1894-й.
Какой же год рождения достоверен?

2. Где же учился Иван Пуни с 1900 по 1908 годы?

Из биографии Пуни:
В 1899 году Иван Пуни поступил в известную Петербургскую частную немецкую мужскую школу Карла Ивановича Мая (1820—1895), получившую еще в 1861 году официальное название «Реальное училище на степени гимназии». В школе Иван дружил с будущим авиаконструктором Виктором Кербером (Корвиным) (1894–1970), поскольку дачи их родителей находились рядом.

Неизвестна причина, почему мальчика забрали из школы Мая, но в 1900 году Иван поступил в Императорское Николаевское военное училище, где проучился восемь лет. Все годы учебы в училище Пуни брал частные уроки рисования у жившего в Куоккале И. Е. Репина, дружившего с семьей Пуни. Поэтому по окончании военного училища Пуни не стал офицером, он решил стать художником.

В некоторых источниках вместо Императорского Николаевского военного училища указано более общее определение "петербургское военное училище".
Георгий Артемьевич справедливо замечает (и это подтверждается всеми источниками в интернете), что «в восемь лет мальчик никак не мог быть зачислен в Николаевское военное училище (их было два - кавалерийское и инженерное). Эти училища были следующей ступенью образования. Туда могли быть зачислены выпускники кадетских корпусов и гимназий, начиная с 16 лет».
В переписке с Георгием я предположил, что, возможно, само заведение названо неправильно, и это был, к примеру, I Кадетский корпус, который при своем основании назывался Сухопутный шляхетский кадетский корпус, который в 1918 году был упразднен. В истории корпуса написано, что туда "принимались исключительно дворянские дети, уже научившиеся читать и писать. Здесь они обучались математике, истории и географии, артиллерии, фортификации, фехтованию, верховой езде и «прочим к воинскому искусству потребным наукам», а также немецкому, французскому и латинскому (для желающих после обучения заниматься науками) языкам, чистописанию, грамматике, риторике, рисованию, танцам, морали и геральдике, а также предписывалось обучать кадет "солдатской экзерции". Эти последние занятия предписывалось проводить ежедневно, но потом было определено: «Впредь кадет военной экзерции обучать в каждую неделю по одному дню, дабы оным от того в обучении других наук препятствий не было».
Но Георгий ответил, что «в списках воспитанников I кадетского корпуса имя Ивана Пуни ему не встречалось».

Из комментария Г. Копытова:
В Петербурге был еще Пажеский, II Кадетский и Морской корпусы, но, и там фамилии Пуни я не встречал. Правда, опубликованные списки отрывочные (Думаю, имя такого именитого выпускника они бы указали! – Прим. мое). Мне представляется, что Иван Альбертович вообще не учился в каком-либо военном корпусе, тем более 8 лет. Просто до революции в подавляющем проценте случаев в военных корпусах учились дети офицеров и чиновников. В Пажеском корпусе в 100 % случаев. Римский-Корсаков, например, закончил Морской корпус, потому что был потомственным военным моряком.

Мне самому непонятен тот факт, что в мужской школе Карла Мая Иван проучился всего лишь год, а потом его ЗАБРАЛИ оттуда. Ведь это было известное в Санкт-Петербурге учебное заведение.
Может парень был драчуном и разгильдяем, поэтому родители и решили отдать его в военное заведение, потому что там был интернатовский режим, то есть парни всю неделю кроме выходных жили в училище? Если предположить такую версию, то тогда возвращаемся к вопросу – в каком же военном заведении (по возрасту поступления это может быть только кадетский корпус) учился Пуни? А если в биографии художника не было годов учебы в военном заведении, то тогда, тем более, интересно – где учился Пуни с 1900 по 1908 год?

3. Ходил ли Пуни по льду Финского залива в Куоккалу?

Из биографии И.Пуни:
В январе 1919 года Марк Шагал пригласил супругов Пуни преподавать в Витебскую народную художественную школу, некоторое время Иван Альбертович даже поработал в Коллегии Наркомпроса по делам искусств. Но уже осенью супруги возвратились в Петроград, испытав разочарование в революционных перспективах, Иван и Ксения решили покинуть Россию. Политическая ситуация в столице была нестабильна, по всей стране шла гражданская война. Пуни по льду Финского залива незаконно пересекли границу, направляясь в имение отца в Куоккале, которая в 1919 году уже находилась на территории получившей независимость Финляндии. Воспользовавшись греческим происхождением Ксении Богуславской, супруги получили визу на въезд в Грецию, но по пути осенью 1920 года остановились в Берлине, где и прожили в течение трех лет (1920-1923). Таким образом, в 27 лет художник эмигрировал из России, чтобы больше сюда не возвратиться.

Понятное дело, что поселок Куоккала находился на территории княжества Финляндского, входившего в состав Российской империи. Понятно, что ситуация во время гражданской войны в Петрограде и окрестностях была нестабильна. Тем более, в Финляндии в 1918 году началась гражданская война за независимость, которая переросла в революцию, разделившую Финляндию на «красных» и «белофиннов».
Исторические источники пишут:
Революционное правительство Финляндии, называвшееся Советом народных уполномоченных Финляндии, который поддержала молодая Советская республика, контролировало южную территорию республики. Остальная территория была под контролем прежнего Финляндского сената, и эту сторону называют «белофиннами», их поддержала кайзеровская Германия, направившаяся в Финляндию свои войска.
К этому можно добавить, что в марте 1918 года войска генерала Густава Маннергейма вошли в Северную Карелию и началась Первая советско-финская война.
23 апреля 1918 года, например, в районе станции Куоккала прошёл бой между белыми отрядами майора Бонсдорфа и красными финнами, на помощь которым подошёл бронепоезд из Терийоки и 700 большевиков из Петрограда.
В середине мая 1918 года в результате Первой советско-финской войны волость Терийоки Выборгской губернии отошла к Финляндии. А деревня Куоккала входила в состав волости Терийоки (вплоть до 1939 года). В результате Тартуского мирного договора 14 марта 1920 года официальная граница между РСФСР и Финляндией была закреплена по реке Сестре.

Георгий Копытов считает, что пересечение границы в 1919 году по «льду Финского залива» совершенно не логично. В 1919 году в Куоккалу и обратно можно было бродить сколько душе угодно, ведь граница с Финляндией не охранялась (наверное, точнее будет написать – еще не определилась окончательно – Прим. мое). Зачем же нужно было делать круг и с риском для жизни – продолжает Георгий, - выходить на лед, где ты виден на огромном расстоянии. Действительно, по льду уходили участники Кронштадтского мятежа, но они находились на острове и не имели другой возможности, т.к. дамбы еще не существовало.

Поддерживая рассуждения Георгия, могу предположить, что переход по льду из России за границу все-таки состоялся. Но совершен он был по льду пограничной реки Сестры, которая перед впадением в Сестрорецкий Разлив протекает рядом с так называемой Ржавой канавой (ранее это место называлось — Гагаринский ручей) и в то время (даже до официального статуса, полученного в марте 1920 года) считалась границей между Финляндией и молодой Россией. В информации о реке указано, что именно в этом месте часто переходили границу беглецы из Советской России.
Если же мои рассуждения неточны, то тогда возникает вопрос – каким путем супруги Пуни покинули Россию?

Напоследок публикую ссылки на материалы о предке Георгия Копытова – авиаконструкторе Викторе Львовиче Кербере (Корвине). Очень интересная личность и интересная судьба. О Викторе Кербере можно почитать здесь и здесь. Эти материалы опубликованы в интернете при помощи Георгия Артемьевича.

b295a26142b9(147x40, 0 Kb)]]> 1