Случайны выбор дневника Раскрыть/свернуть полный список возможностей


Найдено 1438 сообщений
Cообщения с меткой

ар нуво - Самое интересное в блогах

Следующие 30  »
Donnarossa

Art Deco

Пятница, 27 Мая 2016 г. 12:42 (ссылка)

Это цитата сообщения Rietta Оригинальное сообщение



 






























  




Влиятельное течение в изобразительном и декоративном искусстве первой половины XX века, которое впервые появилось во Франции в 1920-х годах, а затем стало популярно в 1930—1940-е годы в международном масштабе, проявившееся в основном в архитектуре, моде, живописи, и переставшее быть актуальным в период после Второй мировой войны.


62307511_68930dde1f69 (90x37, 3Kb)







 


Метки:   Комментарии (0)КомментироватьВ цитатник или сообщество
vladlysen

Стиль Ар нуво – проявление в моде и ювелирных украшениях

Вторник, 25 Мая 2016 г. 01:22 (ссылка)

Ар нуво возник в конце 1880-х гг. и достиг своих высот к концу следующего десятилетия. К 1905 г. начался спад, превративший стиль в один из второстепенных составных компонентов коммерческого дизайна, а вскоре он и вовсе уступил место более современным эстетическим тенденциям, созвучным новому веку. Как бы то ни было, ар нуво в период расцвета приобрел невероятную популярность именно благодаря своей оригинальности,
что нашло отражение во французском термине -«ар нуво» означает «новое искусство», - получившем широкое распространение во всем мире.


1 (500x459, 202Kb)
В XIX в. произошли колоссальные изменения в жизни общества как в Европе, так и в Америке. Благодаря индустриализации производства, в городах, ставших крупными промышленными и коммерческими центрами, создаются и накапливаются огромные богатства. Широкое внедрение методов машинного производства не только привело к появлению класса рабочих, но и создало невиданное ранее обилие доступных товаров. Появление телеграфа, поездов и пароходов значительно расширило возможности связи и передвижений.


2 (564x572, 219Kb) Мир стремительно преображался, однако в области искусства эти изменения происходили гораздо медленнее, художественных стилей, призванных отразить появление нового, все еще не было.


3 (350x391, 131Kb) В дизайне предметов быта, так же как и в архитектуре, наблюдались бесконечные возвраты к старым стилям: классическому, готическому, ренессансу, барокко или стилю Людовика XV. Ар нуво оказался первым действительно новым стилем XIX в., несмотря на то что он возник в самом его конце.


4 (564x574, 225Kb) И это в какой-то мере объясняет его невероятную популярность и скорость распространения по всему свету.


5 (379x352, 97Kb)Читать далее

Метки:   Комментарии (0)КомментироватьВ цитатник или сообщество
lj_bellezza_storia

Особняк С.П. Рябушинского

Суббота, 07 Мая 2016 г. 20:01 (ссылка)

"В старинном доме есть высокий зал,
Ночью в нем слышатся тихие шаги,
В полночь оживает в нем глубина зеркал,
И из них выходят друзья и враги"
К. Бальмонт, "Старый дом"


В начале прошлого века, когда началось строительство особняка Рябушинского, Малая Никитская выглядела провинциально и довольно просто. Невысокие каменные и деревянные дома с мезонинами, булыжная мостовая, поросшая травой, по которой свободно прогуливались куры. За особняками были небольшие палисадники, а за ними в сторону Гранатного переулка простирался большой пустырь, заросший крапивой, бурьяном и одуванчиками, на нем обычно играли дворовые дети. По улице изредка проезжала коляска или нагруженный ломовик, из садов весной шел густой запах сирени, а летом тянулся легкий парок самоварного дыма, там под старыми липами горожане пили чай. Под звон колоколов храма Большого Вознесения, в котором когда-то венчался А.С. Пушкин с красавицей Натали, тихая и малолюдная улица оживала, весь окрестный люд: чиновники, купцы, дворяне, все от мала до велика, направлялись в храм. Так неспешно и просто жили москвичи, но этот мир начал стремительно меняться в начале 1900-х годов. Перемены не обошли стороной и Малую Никитскую — на ней появился изысканный особняк в стиле модерн, построенный одним из самых модных московских архитекторов Федором Осиповичем Шехтелем.



Федор Осипович Шехтель – замечательный русский архитектор, живописец, график и сценограф, один из наиболее ярких представителей стиля «модерн» в русском и европейском зодчестве. Федор Шехтель построил сотни зданий в разных уголках России. Он строил храмы, часовни, театры, гостиницы, банки, вокзалы, особняки и даже общественные бани, создавал уникальные интерьеры и театральные декорации, он даже иллюстрировал книги. Каждый новый его проект раскрывал все новые и новые грани его таланта, который был так безупречно отточен, что никому в голову не могло прийти, что Шехтель почти самоучка, не имеющий специального образования!
Шехтель всю свою жизнь строил роскошные дома, но по злой иронии судьбы в конце жизни оказался фактически бездомным. Его великолепному творчеству не нашлось места в суровой революционной эпохе, которой потребовалась новая архитектура красного конструктивизма. Шехтель с его изящными зданиями и продуманными до мелочей интерьерами этой новой реальности не соответствовал. Его выселили из собственного дома и он – Почетный член Общества британских архитекторов, архитектурных обществ Рима, Вены, Глазго, Парижа доживал свой век в нищете. В одном из писем он с горечью пишет о том, что строил всем Морозовым, Рябушинским, фон Дервизам, а сам остался нищим…
Умер Шехтель в Москве 7 июля 1926 года и, несмотря на широкую известность его архитектурного наследия в Москве, где он так много построил, нет его мемориального музея, как и впрочем, музея, посвященного московскому модерну.



Оригинальность творений Шехтеля состояла в том, что в своих проектах он часто использовал архитектурные традиции Древней Руси. Соединив их с новейшими тенденциями, он получил тот органический сплав, который стали называть "московским модерном". В приметах нового стиля отразились особенности переломной эпохи - стремление осмыслить накопленный опыт и предчувствие грядущих перемен. Напряженные социальные конфликты порождали настроение тревоги и надежды, люди искали в прошлом ответы на происходящее. Отсюда возросший интерес к отечественной культуре и истории, что в немалой степени способствовало возникновению нового направления. Первые образцы его появились в Москве и Петербурге. И если на Западе, как писал англичанин Д. Рескин, задачу архитектуры видели в том, чтобы "насколько возможно заменить нам природу, говорить нам о ней, напомнить о ее тишине, быть как природа торжественной и нежной, давать нам образцы, заимствованные у природы, образцы цветов, которые мы не можем больше рвать, и живых существ, которые теперь далеко от нас в своей пустыне", то Шехтель пошел дальше. Привлекая к сотрудничеству талантливых художников-единомышленников, - Врубеля, Коровина, Богаевского, Кутырина, он поставил перед собой грандиозную задачу - гуманизируя общество средствами искусства, привести его к более совершенным социальным отношениям.

Заказчиком изысканного особняка стал Степан Павлович Рябушинский – известный предприниматель, ученый и меценат. Он был четвертым сыном из восьми сыновей многочисленной семьи Рябушинских. Работали братья очень много, были прекрасно образованы, большие средства тратили на благотворительность. "Собственность не только дает права, - говорил старший брат П.П.Рябушинский, - но собственность обязывает".
Главным наследственным делом Рябушинских была текстильная фабрика в селе Заворове Верхне-Волоцкого уезда. Степан и Сергей были создателями первого в России автомобильного завода АМО.

Степан Павлович Рябушинский с женой Анной Александровой и сыном Борисом, 1901 г.



Созданный Шехтелем особняк не мог не привлекать внимания, однако прожить Степану Павловичу в нем пришлось не долго. В 1917 г. вместе с семьей он спешно покинул Россию и переехал в Париж, а затем в Италию, где открыл магазин тканей. Его братья также разъехались по разным городам Европы, а их имущество было национализировано.

Сегодня в особняке Рябушинского располагается музей Алексея Максимовича Горького. Писатель жил здесь с 1931 года и до конца жизни, до 1936 года. Надо заметить, что дом он не любил и отказывался в него въезжать. "Величаво, грандиозно - улыбнуться не на что..." - говорил он. "Лучше бы нам дали хорошую квартиру"... На его отказ Сталин написал: "Все писатели очень капризные, а Вы, Алексей Максимович, больше всех. Вам доверяют, Вам хотят угодить, а Вы противитесь и ставите всех в неловкое положение". Дом сохранился в том виде в каком был при жизни Горького и именно благодаря тому, что в особняке расположен его музей, у нас есть возможность увидеть этот памятник архитектуры изнутри.



Небольшой участок, на котором в течение двух лет, с 1900 по 1902 годы возводился особняк вписывался в единую линию улицы, а не был угловым как сейчас. Будущий хозяин особняка пожелал, чтобы дом не примыкал плотно к улице, и тогда Шехтель вынес парадное крыльцо на красную линию, а сам особняк отодвинул вглубь, окружив его небольшим садом. Таким образом, между линией улицы и домом возникло воздушное пространство, которое в дальнейшем стало своеобразным естественным обрамлением всего архитектурного ансамбля.

Красивый, двухэтажный особняк, с кубическим объемом и асимметричными выступами стен, облицован светлым глазурованным кирпичом. Каждое окно индивидуально по форме, размеру и окантовочному замысловатому плетению, которое хорошо сочетается с рисунком решеток ограды и балконов. Украшением особняка является проходящий по периметру верхней части широкий мозаичный фриз с изображением гигантских орхидей (мотив преувеличения деталей часто встречается в работах Шехтеля, например, клубники на здании Ярославского вокзала), созданный в знаменитой петербургской мастерской Фролова.







Сын архитектора вспоминал, что Федор Осипович много раз ездил на рынок в поисках определенного сорта орхидей. Он расставлял их под разным освещением и делал эскизы в натуральную величину на больших листах ватмана. Один из исследователей стиля модерн назвал эти панно орхидей "драгоценным мерцающим поясом, опоясывающим фасад особняка Рябушинского". Мерцающий - потому что в мозаику вкраплены кусочки золотистой смальты и в солнечную погоду этот эффект проявляется.









Вся структура дома подчинена символам мироустройства. Спиралевидные завитки уличной ограды напоминают бегущие волны, переплеты окон и входной решетки уподоблены извивающимся побегам или растущему дереву, в балконной решетке можно уловить мотив рыбьей чешуи. Пластическое пространство напоминает архитектуру Гауди. Кстати, Шехтель и Гауди были хорошо знакомы, не раз встречались и обменивались идеями. Гауди был почти на 20 лет старше и обладал несомненным авторитетом для Шехтеля.





Вписать дом в контекст улицы и расположить его на неудобном, угловом пространстве - это талант и способность видения пространства. Именно этот дар позволил архитектору создать проект, в котором все комнаты расположены вокруг спиралевидной лестницы. Проект этот оказался настолько рациональным, что по его подобию стали строить не только частные, но и многоквартирные дома.
Идейно-композиционным центром особняка является парадная лестница «Волна» — символ постоянного движения человека, она напоминает, что жизнь вышла из воды на землю, чтобы потом возвести человека на небеса к Богу. Лестница как некий путь возвышения души. Внизу подводный мир, бездна и чем выше, тем ближе мы к Солнцу. Величественная лестница из зеленовато-серого мрамора пенным кружевом разворачивается в виде спирали – символа бесконечности развития. Ее резной парапет передает упругую энергию морских волн постепенно уходящий в сине-голубую бездну лестничного витража, символизирующего начало воздушной стихии. На гребне волны установлен светильник в виде медузы. Свет, проходя через витражный абажур и голубовато-синий витраж окна, усиливают ощущение фантастического мира, созданного Шехтелем. Медуза при взгляде на неё сверху превращается в черепаху (олицетворения жизни активной и жизни созерцательной). Лестница становится не просто приспособлением для физического подъема, а символом духовного восхождения человека.

Серо-зеленый мрамор, зеленоватые стены, имитирующие морскую стихию, приглушенное освещение (стекла витражей тонированные, потолка - матовые) создают грандиозную картину подводного и надводного миров. Повествовательность декора - характерная черта творческого почерка Шехтеля. В то же время образы волны, моря, бури понятные для современников символы своего времени, повествующие об общественной жизни России начала века. Как писал Рерих: "Символическая характеристика времени, которая скоро будет окрашена в красные тона".

Лестница изготовлена из эстонского вазалеммаского мрамора. Красивый камень обработали в московской мастерской М.Д. Кутырина. В начале лестницы есть мраморная лавочка: чтобы не замерзнуть, сидя на ней, из рядом расположенной решетки шел поток теплого воздуха. Это был своего рода первый московский кондиционер. Шехтель изобрел его на основе работы каминов. Система эта работала до 1909 г.







Весь первый этаж связан с водной стихией. Каждая комната особняка обладает собственной эстетической ценностью. Уникальна каждая деталь интерьера, созданного Шехтелем: ручки дверей, паркет, выложенный под рыбью чешую или с волнообразной каймой, колонна с лилиями и саламандрами в капители, обои с наскальными рисунками - все создает чувство единения с миром природы.





Самая большая комната - гостиная. Картина постоянно меняющейся природы (близость к ней), которую можно постоянно наблюдать из окна, становится главной идеей, частью интерьера.

На месте большого кожаного дивана при Рябушинском находился шикарный камин из знаменитого каррарского мрамора. На верхней его части было вытесано изображение полуобнаженной женщины-бабочки с распахнутыми руками-крыльями. Как-то раз, во время собрания кружка поэтов и писателей, Горький заметил, что молодые люди уделяют больше внимания разглядыванию декора, нежели вопросам литературы, и шехтелевский камин по приказу нового хозяина был разобран, а после так нигде и не был найден. К сожалению, безвозвратно утрачены были и оригинальные светильники, сделанные по эскизам Шехтеля для этого дома.

Существует мнение, что буфет в этой комнате спроектирован Федором Осиповичем. Это не так, несмотря на то, что он один из первых стал проектировать встроенную мебель. Архитектор никогда не позволил бы закрыть рисунок паркета.



Столовая. Эскизы Ф.О. Шехтеля: окно, фриз, экран, сервант, дверь на балкон. Начало 1900-х гг.









В бытность Горького в этом доме самая большая комната служила столовой и гостиной. Завтрак обычно проходил в узком кругу, более оживленно становилось за обедом и вечерним чаем. Здесь проходили встречи с многочисленными гостями, прежде всего писателями, людьми искусства. Почти все известные писатели 1930-х годов побывали у Горького — его дом заменял им писательский клуб. В особняке часто устраивались большие обеды и ужины, на которые приглашались молодые литераторы и те, кто был менее угоден советской власти и нуждался в помощи. За один раз дом мог принимать до 100 гостей. До 1934 года, в котором отношения между писателем и Сталиным значительно ухудшились, здесь часто гостил и сам вождь со своей семьей. Для таких вечеров из Кремля приглашали двух официанток. Кухня располагалась в полуподвальном этаже, где сейчас находится гардероб квартиры-музея. Еда из нее поднималась на специальном лифте, а около лифта висел телефон, по которому отдавались указания повару.

Переезд Горького был организован на самом высоком правительственном уровне. Была создана комиссия по организации быта писателя в Москве. Комиссия нашла дом, сделала ремонт, привезла мебель - кожаные диваны, спальню. В 30-е годы такой проблемы, как дизайн не существовало, поэтому мы видим такое нагромождение шкафов, поэтому многое было разобрано и ликвидировано.











Парадная мужская гостиная Рябушинских, где гости играли в карты. Условно мы под водой. Ряска. Сквозь толщу воды мы видим хризантемы, склонившиеся над водной гладью. Четыре резных скульптурных улитки в оформлении потолка. Модерн подразумевает разнообразие. Заметьте, что в лепнине потолка отражается еще и рисунок оконного переплета.







Книжные шкафы появились в этой комнате с приездом Горького. Его библиотека, находящаяся в доме, насчитывает 12 000 томов, 2000 томов с пометками.. По словам самого писателя, это четвертая его библиотека, остальные разбросаны по тем городам, где он жил. Горький часто покупал книги в нескольких экземплярах, чтобы иметь возможность их раздаривать. 1000 томов он подарил родному городу Нижнему Новгороду. Если он знал, что какой-то писатель сочиняет рассказ на историческую тему, старался подарить ему полезную в его труде подборку книг. Собранная им здесь библиотека до сих пор служит людям. Если нужной книги нет ни в одной библиотеке Москвы, кроме квартиры Горького, вы можете прийти сюда, заказать книгу и почитать ее прямо в Горьковской гостиной. Гостиная-библиотека – это еще одна комната, где собирались компании литераторов.





Каждая дверь имеет свой макет дверной ручки. Украшение замочной скважины - отражение дверной ручки.







Вестибюль парадного входа. Пол в парадной прихожей напоминает водную гладь, в которую брошен камень. Мозаика-египетский знак воды. Каждая деталь обусловлена общим смыслом дома. Дверная ручка - морской конек. Еще одна модель дверной ручки - остроумная и гениальная одновременно. Дело в том, что на тот момент еще не было изобретено небьющееся стекло, и эта ручка прекрасно его защищает. Стекло 1902 года до сих пор не разбивалось и не менялось. Вместо гигантских шкафов стояли витражные ширмы, напоминающие крылья стрекозы. Это было сказочное, необычное пространство, похожее на театральные декорации.









Но самое мистическое в этом доме - это витражная картина, которая в зависимости от освещения и точки обозрения постоянно меняется - может быть то холодной синей, то ярко-желтой. Интерьер постоянно преображается за счет света и цвета витражей. Как и в природе - нет ничего постоянного. Украшающий эту прихожую витражный пейзаж очень важен для общей стилевой и философской концепции дома. Модерн, как известно, черпает вдохновение в природе и активно заимствует ее образы. Небезызвестно и то, что красавица-природа непостоянна и изменчива. В течение всего дня этот витраж меняет свой вид, изображая то вечерний, то дневной, то утренний, то ночной пейзаж в зависимости от освещения и угла зрения. Андрей Вознесенский любил витражи и часто приходил сюда. Он говорил: "Магия преломленного света может быть адекватна поэзии слова".





Отсюда мы попадаем в комнату, которая служила парадным кабинетом и Рябушинскому, и Горькому. Общий ее мотив – это лавр – с античных времен символ успеха, славы и благополучия и прославления хозяину. Лавр здесь можно найти в деревянной отделке, на дверных ручках и на еще одном витраже. На первый взгляд он изображает горный пейзаж, а, приглядевшись, мы можем увидеть здесь голову бородатого мужчины, в размышлениях сидящего под лавровым деревом. Это, пожалуй, самый загадочный , наполненный философским смыслом, витраж. Не обозначено у мужчины только лицо, благодаря чему человек сливается с природой как неотъемлемая ее часть. В то же время он выделяется из общей среды, легко может влиять на природу, даже нарушить ее гармонию, но тесно связанный с нею, он погубит и себя. Однажды Шехтель записал в дневнике: "Мы многое не замечаем, как не замечаем кислорода, которым дышим... Мы не замечаем перил на лестнице, обыкновенно на них и не опираемся... а попробуй их снять. И по лестнице все будут бояться ходить и лестница никуда не годится". Возможно, в этом смысл необычного витража.

Рабочий стол Степана Павловича Рябушинского имел подковообразную форму, что гармонировало с рисунком паркета. Практически вся мебель была утрачена когда в усадьбе располагались различные организации. Единственное, что осталось от мебели, которую Шехтель проектировал для этого дома - шкафчик над камином.















Рядом с камином (тоже работа Шехтеля) Горький распорядился расположить свою коллекцию восточной миниатюры из слоновой кости, нэцкэ. Сегодня это одна из лучших коллекций нэцкэ в мире. Последние 30 лет жизни Горький собирал миниатюры. Все друзья и знакомые знали об этой его страсти и могли долго не ломать голову над подарком. В одном из писем Горького даже найдена строчка «не забудьте купить для меня пуговиц» – на языке коллекционеров «пуговицами» называются нэцке, так как на своей родине они используются примерно как пуговицы.





Кружево из слоновой кости. Китайские шары, имеющие в своей основе ту же идею,что и нэцкэ, привезены Горькому писателем Всеволодом Ивановым. Эти диковинные сувениры изготавливаются из цельного куска слоновой кости. Вырезая кружевные шары один в другом, китайцы могут доходить до шестнадцати таких катающихся друг в друге слоев. Из-за сложности изготовления эти шары еще называют дьявольскими. Эта метафора стала официальным названием в истории искусств. Горькому подарок не понравился, он сказал, что китайцы зря старались и что в искусстве должна быть душа, а здесь есть только техника.



Восточные стол и табурет из железного дерева – подарок Горькому от его семьи, сделанный по его же заказу. Из Петербурга этот гарнитур доставил Алексей Толстой. Паркет - мореный дуб, разный в каждой комнате. Паркет в этом доме единственный из паркетов модерна, который сохранился без реставрации. Во всяком случае в Москве.







Спальня Горького, как и Рябушинского, сначала располагалась на 2-ом этаже, но потом ее перенесли на 1-ый, так как из-за проблем с ногами писателю тяжело было подниматься на 2 этаж. Спальня не является отражением вкуса Горького - вся мебель подобрана комиссией по организации его быта в Москве.

У Шехтеля эта комната обозначалась на архитектурном плане как малый кабинет или приемная.



Комната для прислуги Рябушинских и секретаря Горького Крючкова. Один из телефонных аппаратов - прямая линия со Сталиным.



Между пролётами лестницы предусмотрено место для отдыха. Во время реставрации особняка в 70-х годах в стене за одним из диванчиков было найдено подслушивающее устройство величиной с холодильник. Оказалось, что одной из причин, по которой Сталин не соглашался селить Горького в обычную квартиру, было то, что там гораздо сложнее спрятать громоздкую «прослушку», а компактные жучки в то время еще не производились. «Здесь за каждой дверью есть ухо», – говорил об этом доме Елене Булгаковой Максим Горький.





Небезынтересный балкончик над лестницей похож на дракона или сову. Брови этого зверя образуют собой МХАТовскую чайку – символ, нарисованный Шехтелем для А.П.Чехова. Театральность, мистицизм и желание увести от реальности характерны для стиля модерн, и Шехтелю удалось блестяще воплотить эти черты в архитектуре. Балкон, кстати, функциональный. Вот это стремление дезориентировать посетителя, увести от реальности, чтобы дом не раскрывался, чтобы чувствовалась некая тайна - особенность стиля модерн. Архитектурное пространство модерна - философское пространство. Мистика дома - впервые в архитектуре.







Из мира подводного мы поднимаемся по лестнице в мир земной. На земле много проблем, бесконечное противостояния добра и зла - это отражено в капители колонны - ее окольцовывает композиция из отвратительных саламандр, олицетворяющих зло, и прекрасных чистых лилий, отражающих добро.







Весь второй этаж когда-то занимала знаменитая коллекция икон С.П.Рябушинского. В историю русской культуры Степан Павлович вошел как один из первых, кто начал научную расчистку и реставрацию древних икон. Он доказал, что древняя икона является памятником мирового значения.
Его коллекция была самой большой в России, и, по словам искусствоведа Н.Пунина, снискала себе огромную славу «художественно-исторической ценностью входящих в нее икон». В этом же доме находилась реставрационная мастерская, где художники-реставраторы отец и сын Тюлины занимались восстановлением икон.

Сейчас на втором этаже расположена экспозиция, посвященная жизни Горького.







В закрытых комнатах у Рябушинских были спальня, детская, будуар, ванна. А во времена жизни Горького в этих комнатах жила семья его сына.





Особенное значение имела и узкая галерея. Она означала, что путь к добру узок и тернист. Дальше по лестнице можно было подняться к высшим духовным и религиозным ценностям - в старообрядческую молельню.



Венчает мир - малый космос - этого особняка, эстетика которого должна вести человека к нравственному совершенству и добру, старообрядческая тайная молельня, расположенная в мансарде, в северо-западном углу дома. Рябушинские были старообрядцами. Старообрядцы были уравнены в правах с остальными верующими только в 1905 году, а до этого подвергались гонениям, сопровождающимися «запечатанием» культовых для них алтарей Рогожского кладбища. Поэтому молельня, построенная в 1904 году, была тайной.
Это единственная старообрядческая молельня, в оформлении которой использованы христианские символы и символы модерна. Она уникальна абстрактной храмовой росписью, покрывающей ее стены и купол. Квадратный план молельни, круглые купол и световое окно символизируют покой и вечность. Здесь завершается долгий путь к добру и духовным ценностям... В основании купола, напротив парусов, повторяющаяся четыре раза сокращенная надпись на древнегреческом языке:"Истинные христианки восприимут святость за свои страдания в день страшного суда". Разбросанные по внутренней поверхности треугольники напоминают о Троице.









Создав великолепный образец московского модерна, Шехтель решил не только творческую задачу, но и угодил заказчику. Будущий хозяин особняка Степан Рябушинский, увидев его, долго разглядывал каждую деталь, а потом восторженно и несколько недоуменно произнес:" А любопытно таки получилось…Полагаю, в Европе ничего подобного и не видывали…"

http://bellezza-storia.livejournal.com/451365.html

Метки:   Комментарии (0)КомментироватьВ цитатник или сообщество
lj_la_gatta_ciara

Золотые платья Ирен Шарафф и Барбры Стрейзанд.

Суббота, 09 Апреля 2016 г. 09:03 (ссылка)

Я уже писала про "иллюзорные" и стеклярусные платья, дошла очередь до золотых)
Мы тут обсуждали с художником по костюмам Дмитрием Андреевым известные золотые платья и он напомнил мне про знаменитый наряд Барбры Стрейзанд. А знаете ли вы, что это золотое платье из фильма «Хелло, Долли!» принято считать самым дорогим костюмом за всю историю кинематографа? Стоимость его изготовления в 1969 году была 8000 $. В 2011 году на аукционе Дебби Рейнольдс это платье было продано за 100 000$. Так что, покупка кинокостюмов звезд может стать хорошим вложением капиталов!



Кадр из фильма "Хэлло, Долли!"


Но не об этом думала в 1970 году Дебби Рейнольдс (голливудская кинозвезда, многим вам известная по главной роли в фильме «Поющие под дождем»), когда потратила на аукционе МГМ более 400 000$, приобретая костюмы, реквизит, сценарии, ноты и автомобили из известных кинофильмов (про эту глобальную распродажу я уже писала). Прослышав, что студия 20th Century Fox собирается устроить подобный аукцион, она уговорила главу кинокомпании дать ей возможность купить некоторые интересные костюмы до начала официальной распродажи.




Дебби Рейнольдс в фильме "Поющие под дождем".


Дебби мечтала создать музей кино, но этому не суждено было осуществиться, финансирование для него так и не было найдено, актриса была вынуждена продать всю свою коллекцию, более 40 лет пролежавшую на ранчо в Северной Калифорнии, с молотка.




Debbie Reynolds talks to her daughter Carrie Fisher and son Todd Fisher at a preview of her Hollywood costume and prop collection in Beverly Hills. Кстати, их отец - один из мужей Лиз Тейлор.


На аукционе в 2011 году было продано 3500 предметов из коллекции Дебби, среди которых были: платье Мэрилин Монро из фильма «Зуд седьмого года», рубиновые туфельки Джуди Гарланд из фильма «Волшебник страны Оз», комплект (платье, зонтик, шляпка) Одри Хепберн из фильма «Моя прекрасная леди» (мой пост про это платье), котелок Чарли Чаплина, костюмы Лиз Тейлор из «Клеопатры» и многое другое. Сама Дебби призналась журналистам, что это был самый грустный день в ее жизни – расставание с мечтой…
Золотой костюм Барбры Стрейзанд из фильма «Хэлло, Долли!», изготовленный по эскизу и под руководством художника по костюмам Ирен Шарафф, также был продан на том аукционе.






Фото из интернета: костюм Стрейзанд на предаукционной выставке.


Ирен Шарафф 14 раз была номинирована на «Оскар» из них 5 раз унесла заветную статуэтку себе домой, за картины: «Американец в Париже» (1951), «Король и я» (1956), «Вестсайдская история» (1961), «Клеопатра» (1963), «Кто боится Вирджинии Вульф?» (1966).
Художник очень любила работать с активным цветом (вспомним «Клеопатру» с Тейлор!), поэтому она отлично вписалась в эпоху «Техниколора». «Я все вижу цветовыми блоками, - говорила Ирен, - для меня фильм – это картина». Но мало видеть цвет, нужно еще знать, как передать его через кинопленку.

Фильм «Хэлло, Долли!» был снят по одноименному мюзиклу, который с успехом шел на Бродвее. Ключевое платье, в котором главная героиня появляется в ресторане "Сад гармонии", в шоу было ослепительно красного цвета, но Барбра попросила Шарафф изменить колористику, чтобы избежать сравнений со сценическим персонажем.




Freddy Wittop - Долли в бродвейской постановке.




Барбра Стрейзанд на съемках фильма "Хэлло, Долли!".


Ирен просьбу выполнила и сделала это платье из золотистого бархата, расшитого чистым золотом! На него ушло более 1/2 фунта (230 г.) 14-ти каратного золота (в виде бисера) и еще множество камней, в том числе, кристаллов «Сваровски», которые при освещении софитами создавали радужное сияние. «Из-за некоторых технических проблем с освещением, золото было единственным материалом, который устраивал меня и режиссера», - скромно призналась Шарафф.





Платье весит 18 кг, при том, что Стрейзанд приходилось в нем танцевать. Более того, изначально, у платья имелся еще почти метровый шлейф, от которого пришлось отказаться, потому что танцоры постоянно наступали на него во время танца. В итоге мы видим шлейф в самом начале номера, когда Барбра спускается по лестнице, потом подол платья становится ровным.





Надо сказать, что это далеко не единственный золотой шедевр, который создала Ирен Шарафф для кино: если вы помните, в фильме «Клеопатра» Тейлор носила золотой костюм в сцене триумфального въезда в Рим.




Художник по костюмам Ирен Шарафф и Лиз Тейлор на съемках "Клеопатры".


На накидку этого костюма были нашиты тонкие полоски из позолоченной 24-каратным золотом кожи.










Она также была расшита бисером и стеклярусом.





Накидка была продана в 2012 году на аукционе за 59 375 $.

И не могу не показать вам еще одно платье, коль уж речь пошла о золоте и Барбре Стрейзанд)

В 1984 году Барбра появилась в "климтовском платье" от американского художника по костюмам иранского происхождения Ray Aghayan на церемонии Scopus Award.





Пишут, что Стрейзанд очень нравилась картина Г. Климта "Портрет Адель Блох-Бауэр" и она попросила сделать ей платье "как на картине".




К платью она надела украшение от Рене Лалика.



Густав Климт Портрет Адель Блох-Бауер I


Платье Барбры продали на аукционе в 2005 году. За сколько не знаю...




Фото https://www.liveauctioneers.com/item/327574_barbra-streisand-custom-ray-aghayan-gown


Сегодня на изготовление костюмов из золота продюсеры вряд ли отважатся, битвы за смету между ними и художниками по костюмам происходят нешуточные. Но кто знает, может, снова вернутся золотые деньки и для современного кинематографа? Будем надеяться!


http://nypost.com/2011/06/01/hollywood-for-sale/
http://www.dailymail.co.uk/femail/article-2000219/Debbie-Reynolds-set-make-millions-reluctantly-auctions-3-500-items-film-memorabilia.html
http://www.icollector.com/Barbra-Streisand-sleeveless-gold-velvet-heavily-jeweled-gown-shoes-and-headpiece-from-Hello-Dolly_i10658365
http://barbra-archives.com/films/hello_dolly_5_sharaff.html
https://www.liveauctioneers.com/item/327574_barbra-streisand-custom-ray-aghayan-gown

Посты на похожие темы:

Марлен Дитрих и ее "иллюзорные платья" http://la-gatta-ciara.livejournal.com/328729.html

Платья Золотой эры Голливуда, расшитые стеклярусом http://la-gatta-ciara.livejournal.com/362728.html

Коллекция костюмов Золотого века Голливуда Николаса Инглиса. http://la-gatta-ciara.livejournal.com/358951.html

История платья в перьях Джинджер Роджерс http://la-gatta-ciara.livejournal.com/309414.html

http://la-gatta-ciara.livejournal.com/366893.html

Метки:   Комментарии (0)КомментироватьВ цитатник или сообщество
lj_la_gatta_ciara

Belle 'Epoque. Видео.

Суббота, 26 Марта 2016 г. 08:32 (ссылка)

Красивое видео, собранное из картин) Париж на рубеже веков.


http://la-gatta-ciara.livejournal.com/365650.html

Метки:   Комментарии (0)КомментироватьВ цитатник или сообщество
Maja2012

Прекрасные дизайны эпохи модерна: 19 схем из журнала 1900 года

Суббота, 19 Марта 2016 г. 15:27 (ссылка)


Среди немалого разнообразия схем мой выбор остановился на этих прекрасных дизайнах эпохи модерна. Меня буквально завораживают присущие этому стилю лёгкость линий, динамика изгибов, цветочный орнамент. И хотя изначально эти мотивы предназначались для вышивки крестом, я полагаю, что истинный художник, вдохновившись такой красотой, найдёт им применение в различных сферах творчества.



Желаю всем приятного просмотра!

Читать далее...
Метки:   Комментарии (0)КомментироватьВ цитатник или сообщество
lj_bellezza_storia

Опера и Музыкальная академия – по обе стороны от 1900 года

Суббота, 05 Марта 2016 г. 20:56 (ссылка)



Музыкальная академия: перед сумерками


С первого взгляда – "Ах!" И зажмуриться… Да что ж это такое? "Вавилонский сецессион", честное слово… Потом разбираешь по кусочкам, что здесь "так", а что "не так", даже не пытаясь понять, "а как?".

Первое и самое главное: сменилось поколение. Академию строили для детей тех будапештцев, во времена зрелости которых возводилась Опера. Между 1884-м и 1907-м годом – как раз двадцать три года. Работа над проектом началась в 1889 году; архитекторам (Флориш Корб и Калман Гиргл) – двадцать девять и двадцать шесть лет…

Это не просто "дети", это поколение молодых, молодыми быть желающих. Оперу-то Ибл начинал в пятьдесят девять, идя к ней долго и обстоятельно, на момент открытия ему – семьдесят. А эти… Открылась Музыкальная академия в 1907 году. Ни одному из соавторов-архитекторов не исполнилось еще и пятидесяти.






Колонна. Точнее, две, как два гриба рядом, что переворачивает представления о тектонике. Еще вырасти два таких гриба рядышком – могут, а что делает – именно делает, как работает? – эта колонна-карлик рядом с восьмигранной колонной-монстром? И что это на том месте, где у порядочных колонн капитель? Или вот это, змееобразное – такое теперь носят?




Главное, что решительного-то разрыва с прошлой эстетикой нет. Будапешт к таким вещам вообще не склонен, он по духу – город компромисса, но тут уж, право, лучше б прокламировался полный отказ.


А то – путаница. Маскарад. Колонна переодетая – вот что это такое.






К капители пристегнут кронштейн, капитель оказалась заметно уже, чем ствол. А все эти овальные бляшки и пирамидальные пимпочки пусть соглашаются на такие названия – терминов для подобных деталей в истории архитектуры все равно нет.





Пирамидка. Зачем? С какой целью? В силу какой традиции?..

А вот!





И внезапно сбитый масштаб. Шарик мог бы быть бусиной, но этот – с арбуз величиной. И если правильные формы круга в интерьере Оперы всегда служили лишь рамкой, исчезающей линией, направляющей расположение других, более сложных форм, то тут – шарик как драгоценность, сам по себе.





Это и сбивает с толку – всё так же, и всё не так. В Опере каждая деталь включала череду известных ассоциаций; пусть складывались они в композицию именно будапештской Оперы, но за каждой тянулся шлейф: подобное имелось в ренессансном, например, Риме, потому что основывалось на прототипах из аттической, допустим, храмовой архитектуры. Родословная! Вот что отличало детали Оперы. Родословная, длинная, как у правящей династии. Габсбурги себя сосчитывали с ХIII века, и обе столицы украшали себя зданиями, нафаршированными цитатами из средневековья, а лучше из античности; логично.





А тут? Светильники эти – почему они так устроены, анти-канделябром? Откуда вдруг эти бляшки концентрических кругов? Золотой листопад потолка – что это?




Гуси-лебеди будто нанизаны на шампур, крылья их не помещаются в рамку. Рамка, гусиные крылья и лира закрывают собой гирлянду – так пусть бы и не было той гирлянды, но нет – именно кусками, фрагментами, торчит она среди прочих деталей композиции, которая издалека выглядит обычной вариацией на античную тему, а вблизи – мама дорогая.

Что же произошло между временем Оперы и временем Академии?
Мир зашатался.




Как уютно в Опере и как неуютно в Академии! При этом богато и роскошно – одинаково, и тем ощутимей контраст.

Но Опера делалась людьми, которые знали, что хорошо, а что плохо, одно с другим не путали, к мастерству относились с уважением, полагали необходимым соблюдать приличия и умерять мечтания рассудительностью.

Академию же делали люди, у которых уходила земля из-под ног. "Гамлета" здесь хорошо ставить – переживать открытие той истины, что истины-то как раз и нет. Нет того эталона, который можно приложить к действительности и вынести вердикт: это, мол, добро, а то – зло.

Архитекторы Академии играют скорлупками, оставшимися от живых когда-то форм. Им "всё равно".

Академия строится, а в России Лев Толстой читает рассказ Мопассана и комментирует: "Отвратительное преступление описано в виде забавной шутки". И не понятно теперь, что шутка, а что преступление (тем более что в том рассказе все живы-здоровы и весьма веселы). И не понятно, что красиво, а что наоборот. Эталон перестал выручать, и спросить некого.




Люди времен Оперы строили свой мир сами. Люди времен Академии получили его готовым.
Но с трещиной.

Первомайские, понимаете ли, демонстрации, забастовки, в Германии принят закон о страховании рабочих от неспособности к труду, французы требуют восьмичасового рабочего дня. Во Франции, поблизости, приняли закон, запретивший членам прежде царствовавших династий избираться в сенат республики. Вот и население Австро-венгерской империи возжелало всеобщего избирательного права. Наверху – тоже беда: принц Рудольф дезертировал, самоубийством лишив империю наследника.




Ладно, с империями неприятности случались и раньше, но меняется порядок вещей, образ жизни, быт. Следующий за открытием Оперы год считается годом рождения автомобиля: привет, современность! В Америке изобретают Кока-колу. В Лондоне открывается отель "Савой" с ванной в каждом номере, а в Париже строится Эйфелева башня – тем самым Эйфелем, что начинал с вокзала в Пеште. Родились кино и новые Олимпийские игры. Полетел первый самолет. Бог умер.
Нет, фраза Gott ist tot написана была куда раньше – еще Оперу достраивали. Но то – написана. А к открытию Музыкальной академии – прочитана и усвоена.

Это называют сменой типов мировоззрения – от классического к неклассическому. Первый термин еще несет как-то смысл, отсылая к тому, что считается классикой, а "классика" – это то, что поколения европейцев привыкли считать образцом, и чему действительно удалось сохранять значимость, невзирая на смену поколений. Второй термин просто отрицает предыдущий, но указание на качество – "что есть не-классика" – отсутствует.

С названиями архитектурных стилей то же самое. По отношению к Опере говорят о неоренессансе, но мне нравится более широкий термин – эклектика, в котором четко указывается на художественный метод – выбор. Европа осознает себя наследницей всей мировой культуры и выбирает оттуда то, что подходит к данной ситуации. Удобно, особенно в архитектуре: все просчитано и проверено многократно, и зодчий может быть спокоен – арка, сделанная по правилам, по правилам же и будет работать. Причем и в том смысле "работать", о котором говорит сопромат, и в том, который касается эстетики. Дорическая колонна всегда будет выглядеть официальнее, коринфская – веселее, с атлантом на фасаде – солиднее, с готическим окном – романтичнее. Смешать, но не взбалтывать.

А то, что демонстрирует Академия… Названия модерн, ар нуво, юген стиль – тоже просто отрицание предыдущего: не старое, а новое.

Какое, черт возьми, новое?
Сущность-то в чем? О чем речь?
Ну… Новое.




В Музыкальную академию пошли слушать музыку те люди, которым Опера должна была казаться слишком буржуазной. Слишком бархатной. Слишком мещанской. Они были другими, и хотели другого, чем предки.

Время изменилось… Но ведь время всегда меняется? Каждый новый год отличается от предыдущего, но продолжает его. Все так же рождаются дети, и все тот же император пребывает на престоле…Тот, настоящий, катастрофический разрыв еще впереди. Оба архитектора Академии его увидят; архитектор Оперы – нет, он умрет до начала Первой мировой.

И все же рубеж есть. Для всего мира намеком на то, что время вывихнуло сустав, станет смена века, с XIX на ХХ. Будапешту небеса подадут сигнал чуть раньше.

За время, прошедшее между открытием Оперы и открытием Музыкальной академии, Будапешт отпраздновал Тысячелетие Венгрии. К юбилею готовились, строили город. Праздновали тщательно, полгода. Год праздника, 1896-й, это самый пик того времени, что вошло в историю как прекрасная эпоха, Belle Époque, если по-французски.
Или венгерский полдень, если речь идет о Будапеште.

Всем хорош полдень, кроме того, что после него день идет на убыль, и солнце движется к закату. Балет под названием "Послеполуденный отдых фавна" через пять лет после открытия Академии покажет в Париже Сергей Дягилев; послеполуденный.

Первое десятилетие ХХ века – еще не вечер, даже еще не сумерки, но… Предчувствие сумерек? Их холодной неотвратимой близости?
Полдень миновал.



Фото: Максим Гурбатов

http://bellezza-storia.livejournal.com/435504.html

Метки:   Комментарии (0)КомментироватьВ цитатник или сообщество
lj_bellezza_storia

Фотокарточки

Среда, 03 Февраля 2016 г. 11:36 (ссылка)



Когда-то, сто лет назад, фотография была предметом. Вещью. Имела размер, шероховатость, гладкость. Ее можно было подарить – то есть отдать навсегда, так чтобы она насовсем переходила к другому человеку, а у вас оставалось только воспоминание о сделанном подарке. У нее, у фотографии, была толщина. Вес (в граммах, не в килобайтах), упругость. На лицевой стороне могли от неаккуратного хранения появиться трещины, и лучше бы не хватать ее мокрыми, а тем более грязными руками. И была оборотная сторона. Кажется, скоро придется объяснять: как это? Куда на письмо марку клеить? Где это на клавиатуре? И что такое оборот фотографии?

Вот они, обратные стороны фотографий времен Австро-Венгрии.





Это реклама фотоателье, естественно. Но реклама не в нынешнем смысле, где так или иначе заложен призыв "Покупайте!", а, скорее в смысле поставленного мастером клейма: "Это моя работа". Это авторское удостоверение означает готовность к хвале и к хуле: "Да, сделал я". Как у Вайля по поводу стихов (и сапогов) Ганса Сакса: "в ожидании благодарности и в готовности к Рекламации". Плохо сделал, хорошо сделал – но вопрос Райкина "Кто сшил костюм? Кто это сделал? Я ничего не буду делать, не буду кричать, я только хочу в глаза ему посмотреть" в мире, где есть эти знаки-клейма-подписи, – невозможен. Не нужен…




На оборотах этих фотокарточек обязательны указания на название фотоателье и его адрес. Тексты двуязычны – как двуязычна империя. На практике-то она многоязычна, конечно, но эти два, немецкий и венгерский – главные.




Самая первая здесь картинка, та, что горизонтальная – это, кстати, оборот карточки из знаменитого ателье Mai Manó. Справа указано: Csász. és kir. udvari fényképész, то есть Császári és királyi udvari fényképész, то есть Императорский и королевский придворный фотограф, вот! Вполне сумасшедшей архитектуры здание напротив Оперетты, на Nagymez"o utca – это как раз его ателье и есть, теперь Дом Венгерской фотографии, Magyar Fotográfusok Háza – Mai Manó Ház.





Фотомастера сообщают о полученных в Париже медалях. Заботливо уточняют адрес, помогая посетителю найти дорогу к ателье: "Напротив табачного склада", "Перед Nemzeti Casino", "На углу Sugárut и Váczi Kökut" (это, стало быть, где-то пересечении нынешних проспектов Андраши и Байчи-Жилински), "Напротив центрального рынка".




Вензеля, цветы, портреты – само собой.




А буковки!
Целое направление графического дизайна… Надо полагать, свои мастера были, следившие за модой, вовремя осваивавшие новый стиль "сецессион" и новейшие полиграфические возможности.
Хороши?


Фото: http://www.fortepan.hu


http://bellezza-storia.livejournal.com/427591.html

Метки:   Комментарии (0)КомментироватьВ цитатник или сообщество
lj_bellezza_storia

Страсбург, Музей современного искусства: коты, цветы и птицы в стиле ар нуво

Воскресенье, 31 Января 2016 г. 11:42 (ссылка)

Оригинал взят у marinagra в Страсбург, Музей современного искусства: коты, цветы и птицы в стиле ар нуво


Искусству ар нуво в Музее модернизма и современного искусства в Страсбурге (Musée d'Art moderne et contemporain) посвящен отдельный небольшой зал. Немного мебели, два витража, вазы... Все это - произведения местных эльзасских художников. Вы не встретите здесь известных имен, Страсбургу было далеко до такого прославленного, рафинированного центра ар нуво, как Нанси в соседней Лотарингии. Но в ту благословенную для искусства эпоху и средний уровень был столь высок, а вкус мастеров столь безупречен, что встреча с каждой работой в стиле ар нуво радует нас несказанно. Особенно, если художников вдохновляют всеми любимые мотивы - цветы, птицы и .. коты!


Общий вид зала ар нуво

Франсуа Рупер-Карабин (1862 - 1932). Кресло. 1893
Луи-Филипп Камм (1882 - 1959). Витраж. 1924



Вот оно, восхитительное кошачье кресло! Не уверена, что оно удобное, но без сомнения, уникальное!




Красноречиво, не правда ли? Что есть человек, как не пьедестал для кошек?


Эльзасские кошки передают теплый привет читателям котоальманаха "Коты через века"! Котоколлектив отправился в далекую экзотическую экспедицию для подготовки нового выпуска. Продолженiе будетъ!



Спасаясь от кошек, мышки забрались очень высоко!


Франсуа Рупер-Карабин (1862 - 1932). Сладострастие. 1902
Кошка ведет себя вполне корректно, а вот обезьяна....



Шарль Спиндлер (1865-1938). Палисандровая ширма в технике маркетри. 1902


Теодор Дек (1823-1891). Жардиньер и ваза. Последняя четверть 19 века.



Фрагмент жардиньера

Фрагмент жардиньера

Фрагмент жардиньера


Фрагмент вазы



Дезире Кристиан (1846-1907). Ваза с павлином. 1900


Неизвестный художник, Эльзас. Витраж "Аллегория весны", 1900






http://bellezza-storia.livejournal.com/426382.html

Метки:   Комментарии (0)КомментироватьВ цитатник или сообщество
про_искусство (Автор -lomovolga)

Beautiful Art Nouveau | В стиле Ар Нуво (Модерн)

Понедельник, 25 Января 2016 г. 11:27 (ссылка)


 



http://li-web.ru/http://li-web.ru/http://li-web.ru/





 



Art Nouveau Peacock Jewel Box: An Art Nouveau diamond, enamel and 18K gold brooch/pendant.:



Art Nouveau:



4360286_96326004_3166706_cooltext886026658 (130x127, 27Kb)
Метки:   Комментарии (36)КомментироватьВ цитатник или сообщество
lj_bellezza_storia

Вилла Грок (Villa Grock), Империя, Лигурия

Среда, 13 Января 2016 г. 21:53 (ссылка)

Оригинал взят у uchitelj в Вилла Грок (Villa Grock), Империя, Лигурия


Вилла Грок носит имя знаменитого швейцарского клоуна Грока, который приобрел ее в 1920-м году. Сейчас в здании распложен музей, посвященный ее бывшему хозяину.








Башенка на крыше виллы.



"Клоунские" мотивы встречаются много раз в декоре виллы. Не все они стилистически соответствуют декору, но определенно придают свое лицо комплексу.





Поднимаемся по изогнутой лестнице...





... и попадаем на лоджию.









Крыльцо на боковой стороне здания.





Фрагменты декора фасада.







Вид со стороны виллы на парк и пруд. К сожалению его немного портят здания за пределами парка.



По лестнице спускаемся в парк.









Каждую деталь хочется рассматривать и фотографировать.









В центре пруда - причудливая беседка. На заднем плане за пальмами виднеется сама вилла.



Ступени, ведущие в беседку.



Один из парковых павильонов.











Внутри пусто, но симпатично.





В декоративных панно на стенах угадываютс все те же мотивы.



Роспись потолка.



Второй павильон, точнее галерея.





Небольшой грот.



Повсюду в парке разбросаны разнообразные фонари, столбики, тумбы и вазоны.

























Выход из парка.



http://www.votpusk.ru/country/dostoprim_info.asp?ID=9216


http://bellezza-storia.livejournal.com/421608.html

Метки:   Комментарии (0)КомментироватьВ цитатник или сообщество
lj_bellezza_storia

Ар-деко Жоржа Барбье. 18+

Понедельник, 11 Января 2016 г. 17:48 (ссылка)

Оригинал взят у gorbutovich в Ар-деко Жоржа Барбье. 18+

Художник Жорж Барбье: иллюстрации вначале зимние, приличные; потом всякие, в том числе фривольные – уж такие были времена.

Французский иллюстратор и дизайнер Жорж Барбье (1882-1932) /George Barbier - один из крупнейших графиков первой трети XX века, чей индивидуальный стиль был сформирован под влиянием Арт Деко.


Жорж Барбье / Petit dictionnaire illustré des exclamations. George Barbier. BNF. Source

В первое десятилетие ХХ века продолжалось развитие стиля Модерн в моде и в иллюстрации. Пьер Боннар, Обри Бердслей, Альфонс Муха, Чарльз Дан Гибсон и другие художники конца ХIХ века оставили в наследие ХХ веку искусство, где все, от формы до содержания, было создано для радостей ХХ века.

В 20-х годах ХХ века, когда "модная" журналистика начинает развиваться быстрыми темпами, занятие "коммерческой графикой" - впервые стало полноценной профессией. Именно в это время появляется профессия иллюстратора "модных" журналов, а "модная картинка" становится иллюстрацией.


1-2.

Художик Жорж Барбье. В стиле (?)"Галантных празднеств". Опубликовано в журнале "La Vie Parisienne", 1922 / Le Vie Parisienne was a fun, slightly risque weekly magazine published in Paris / Petit dictionnaire illustré. Des Exclamations. Vlan!.. / Vue 125 - Petit dictionnaire illustré des exclamations: [un défet]. George Barbier (MFILM G-169354). // Dessinateurs et humoristes. George Barbier. Date d'édition: 1912-1924. Format: 1 vol. (208 p.): 207 reproductions d'estampes; 43,1 cm. Bibliothèque nationale de France, département Estampes et photographie, TF-733-PET FOL. Source

Процессу "превращения" Арт Деко в респектабельный стиль межвоенных десятилетий способствовали такие иллюстраторы как: Жорж Барбье /George Barbier, Жоржа Лепапа /Georges Lepape, Поль Ириб /Paul Iribe, Луи Икар /Louis Icart, Джордж Планк /George Plank, Хелен Драйден /Helen Dryden, Андре Марти Эдуард /Andre Edouard Marty, Эрик /Eric и другие. Журнал "Vanity Fair" способствовал продвижению работ иллюстраторов Мигеля Коварубия /Miguel Covarrubias и Паоло Гарретто /Paolo Garretto. Самым влиятельным и плодотворным графиком моды периода Арт Деко считается Роман Тыртов, русский по происхождению, и известный под псевдонимом Эрте (1892-1990). Эрте был исключительно творческим художником, иллюстрируя свои собственные творения, в отличие от Жорж Барбье и других: Лепапа, Мартэн, Бенито и Рейнальдо Луза, которые были иллюстраторами чужих замыслов.


2.

Иллюстрация Жоржа Барбье к книге Поля Верлена "Галантные празднества", 1928 / Skating - en patinant. Artist: George Barbier. A glamorous woman wearing a muffler is pushed on a sledge by a skater in this colourful winter scene. This illustration originally appeared in Fêtes galantes, a book of poems by Paul Verlaine published in 1928. L.45/2847. The British Library. Source

Родился Жорж Барбье (1882-1932) в Нанте, художественное образование получил в Школе изящных искусств.


3.

George Barbier. 1913

Первая персональная выставка живописи и графики художника состоялась в 1911 г. и привлекла серьезное внимание.


4.

George Barbier. 1925

Свою творческую карьеру Барбье начал как театральный художник, разрабатывая эскизы костюмов и декораций для балетных постановок, что впоследствии отразилось на его авторском стиле "модных" иллюстраций.


5.

Dessinateurs et humoristes. George Barbier. 1912-1924. Vue vue 148 - La patineuse: [un défet]. George Barbier, 1915. Bibliothèque nationale de France, département Estampes et photographie, TF-733-PET FOL. Source. Фрагмент. Полный вид

В качестве театрального художника Жорж Барбье выступал для балетов "Русских сезонов" Дягилева.


6.

Жорж Барбье. Саломея / Georges Barbier. Salomé. 1914

Например, он делал эскизы к "Саломее". Стилистика всех эскизов представляет собой смешение стиля Бакста с его плавными движениями пышных фигур персонажей и стилем Барбье, основанном на модернистских принципах построения образа: плоскостное изображение, отсутствие деталировки, схематичность.

Барбье работал также над эскизами дягелевской "Шахерезады" вместе с Бакстом. Влияние Бакста на его версию эскизов очевидно. В движениях моделей и деталях костюма его "Шахерезада" сравнима с эскизами костюмов и для "индо-персидских танцев" маркизы Казати, 1911-1912 Бакста.


7.

Жорж Барбье. "Шахерезада", 1910 / George Barbier (signé LARRY). Shéhérazade, 1910, aquarelle. Source

На Барбье оказывал заметное влияние и Анри Матисс, в те времена фовист. Сюжет картины Матисса "Танец", 1910 был в точности повторен иллюстратором в танце одалисок для "Шахерезады". Это пример абсолютной эклектики – бакстовские восточные мотивы смешаны с новым авангардным настроением.


8.

Жорж Барбье. Ида Рубинштейн и Вацлав Нижинский в балете "Шахерезада". 1913 / Vaslav Nijinsky (1890-1950) and Ida Rubinstein (1880-1960) in Schéhérazade, Paris, 1910. By George Barbier. Nijinsky, 1913. George Barbier. via / Вариант этой иллюстрации из Британской библиотеки. The British Library: Nijinsky as the Golden Slave in Scheherazade. George Barbier. An illustration by George Barbier from Designs on the Dances of Vaslav Nijinsky, 1913. Foreword by Francis de Miomandre, translated from the French by C. W. Beaumont. Source

Первая книга с иллюстрациями Жоржа Барбье вышла в 1913 г. Это был альбом "Вацлав Нижинский. Рисунки танцев".


9.

Арлекин и Коломбина. Балет "Карнавал". Тамара Карсавина была первой балериной, которая станцевала роль Коломбины. После роль исполняли Лидия Лопухова и Вера Фокина. Арлекина танцевали Вацлав Нижинский и Михаил Фокин / Dessinateurs et humoristes. George Barbier. 1912-1924. Les Ballets Russes. Vue 124 - Au feu ... de la rampe: [un défet]. George Barbier, 1917. Bibliothèque nationale de France, département Estampes et photographie, TF-733-PET FOL. Source

В 1914 г. он выпустил следующий "балетный" альбом, посвященный Тамаре Карсавиной.


10-1.

Dessinateurs et humoristes. George Barbier. 1912-1924. Vue 134 - Prenez garde Mesdames: [un défet]. George Barbier. Bibliothèque nationale de France, département Estampes et photographie, TF-733-PET FOL.

Жорж Барбье также обращался к дизайну ювелирных украшений, изделий из стекла, занимался плакатом и рекламой в периодических изданиях. Особое место в его творчестве занимают книжная графика и иллюстрации в модных журналах.


10-2.

Dessinateurs et humoristes. George Barbier. 1912-1924. Vue 134 - Prenez garde Mesdames: [un défet]. George Barbier. Bibliothèque nationale de France, département Estampes et photographie, TF-733-PET FOL.

После первой мировой войны художник сотрудничал с модными изданиями "Газетт дю бон тон" /"Gazette du bon ton" и "Vogue", а также газетами "La Gazette", "Modes et manieres d'aujourd'hui", "Les Feuillets d'art", "Femina" и "le Jardin des dames et des modes".


11.

Dessinateurs et humoristes. George Barbier. 1912-1924. Vue 58 - La mythologie galante: [un défet de] "La Vie Parisienne". George Barbier. Bibliothèque nationale de France, département Estampes et photographie, TF-733-PET FOL.

Его выразительный стиль середины 1920-х годов был обращен к восточной тематике, а также к салонной живописи XVIII века. Восточные орнаменты в виде драконов, экзотических цветов, гроздьев винограда, цветущей сакуры были обязательным дополнением к образу "героини" Барбье.


12.

George Barbier. L'armour est aveugle. A blindfolded man dances with four women in this illustration by George Barbier, engraved by Henri Reidel, from an album that depicts Paris couture and the fashionable elite at the beginning of the 1920s. The image is from Le bonheur du jour, ou, Les graces a la mode, Paris: Meynial, 1920. The British Library. Source

"Женщины Барбье" почти всегда изображались на фоне определенного интерьера богато обставленной гостиной, оперного театра


13.

Dessinateurs et humoristes. George Barbier. 1912-1924. Vue 160 - [Sans titre]: [un défet]. George Barbier, 1917. Bibliothèque nationale de France, département Estampes et photographie, TF-733-PET FOL.

или дорогого питейного заведения – 1920-е годы знаменованы появлением "café society" /"общество кафе" и развитием индустрии развлечений.


14-1.

Dessinateurs et humoristes. George Barbier. 1912-1924. Vue 113 - Idylle moderniste : [un défet]. George Barbier. BNF. Source

Женщины музицируют, читают любовные письма, курят, прихорашиваются, глядя в зеркало.


14-2.

Dessinateurs et humoristes. George Barbier. 1912-1924. Vue 113 - Idylle moderniste : [un défet]. George Barbier. BNF. Source

Они сами являются украшениями этих интерьеров.


15.

1914

Барбье не давал подробного описания всех деталей изображенного костюма, как это делал Эрте, поскольку не являлся дизайнером моделей, но давал звучные названия каждой "картинке" в духе Жана Мишеля Моро, "модного" гравера XVIII века. Например, "Au revoir" /Прощание, "Des Roses Dans la Nuit" /Розы в Ночи, "La fontaine de coquillages" /Фонтан Ракушек, "Minuit! . . ou l'appartement à la mode" /"Полночь!... или модная квартира. Многие из них были гравированы H. Reidel для "Le bonheur du jour, ou les grâces à la mode" /Счастье дня или милости моды и сейчас хранятся в библиотеках Princeton University и Yale University.


16.

George Barbier. Visez au Coeur, Belles Dames!, 1924. Original etching and pochoir /"Aim For the Heart, Beautiful Ladies", signed in the plate, 1924. From the large format album "Le Bonheur du Jour, ou Les Graces a la Mode" assembled and published by Jules Meynial, 1924 (Chez Meynial, pochoiriste; Paris. H. Reidel, printer/engraver; Paris). Source

Не ограничиваясь рисованием, Барбье писал предисловия к выставочным каталогам, статьи в популярные газеты и журналы, посвященные искусству, моде, театру. Кроме того, в середине 1920-х гг. он вместе с Эрте создал оформление и эскизы костюмов для обновленного "Фоли Бержер".


17.

Au revoir. From an album by George Barbier, with engravings by Henri Reidel, 1920. A glamorous party, with party goers wearing evening dress including a man in a top hat and tails. A guest waves as she leaves, while others depart by car. The British Library. Source

К концу 1920-х гг. постоянные публикации Барбье в периодике достигли невероятной популярности.


18.

Жорж Барбье. Иллюстрация к книге Поля Верлена "Галантные празднества" / Evening romance. George Barbier. A multitude of couples flirting in a garden at night. The illustration is by George Barbier and is from Fetes galantes by Paul Verlaine, 1928. The British Library. Source

В эти годы одна за другой выходили и книги, проиллюстрированные художником, — как правило, это были издания для коллекционеров, выпускавшиеся ограниченными тиражами.


19.

Жорж Барбье. Иллюстрация к книге Пьера Луиса "Песни Билитис". Source

Так, "Песни Билитис" были отпечатаны другом Барбье, гравером и художником Франсуа-Луи Шмидом, тиражом 125 экземпляров. Это издание 1928 г. с 42 изящными иллюстрациями и 148 виньетками признано шедевром искусства книги эпохи ар деко.


20.

Жорж Барбье. Иллюстрация к книге Поля Верлена "Галантные празднества". Source

Не менее известно среди библиофилов и редкое издание книги стихов Поля Верлена "Галантные празднества", рисунки к которому создавались художником с 1920 по 1924 г., и были собраны под одной обложкой лишь в 1928 г.


21.

Жорж Барбье. Иллюстрация к книге Теофиля Готье "Роман о мумии". Source

Среди книжной графики Барбье выделяются также серии рисунков к "Афродите" Пьера Луиса, 1928, совместно с Ж.Лепапом; "Роману ароматов" Ришара Ле Галена, 1928; "Роману о мумии" Теофиля Готье, 1929.


22.

Жорж Барбье. Иллюстрация к книге Анри де Ренье "Встречи господина де Брео". Source

Барбье не раз обращался к творчеству Анри де Ренье, создав яркий стилизованный мир, созвучный эстетизму писателя. В парижском издательстве "A. et G. Mornay" были в разные годы выпущены четыре романа Ренье с рисунками Барбье: "Грешница" (1924), "Дважды любимая" (1928), "Встречи господина де Брео" (1930) и "Эскапада" (1931).


23.

Жорж Барбье. Иллюстрация к книге Лакло "Опасные связи". Source

Одной из самых известных работ художника стали иллюстрации к "Опасным связям" Шодерло де Лакло, в которых Барбье создал изысканную графическую интерпретацию прославленного романа, связав воедино изящество галантного века с легкомыслием "смеющихся двадцатых".


24.

Жорж Барбье. Иллюстрация к книге Лакло "Опасные связи". Source

"Опасные связи" стали последней книгой художника — в 1932 г., в зените славы, Жорж Барбье скоропостижно скончался.


25.

Dessinateurs et humoristes. George Barbier. 1912-1924. Vue 126 - Petit dictionnaire illustré des exclamations : [un défet]. George Barbier, 1922. BNF. Source


26.

Dessinateurs et humoristes. George Barbier. 1912-1924. Vue 132 - Dictionnaire illustré des exclamations: [un défet]. George Barbier. BNF. Source


27.

Dessinateurs et humoristes. George Barbier. 1912-1924. Vue 133 - Petit dictionnaire illustré des exclamations: [un défet]. George Barbier. BNF. Source


28.

Jazz band. Dessinateurs et humoristes. George Barbier. 1912-1924. Vue 92 - Le cauchemar d'une nuit d'été: [un défet]. George Barbier, 1919. Bibliothèque nationale de France, département Estampes et photographie, TF-733-PET FOL / Аналогичная картинка: vue 137. Source


29.

Dessinateurs et humoristes. George Barbier. 1912-1924. Vue 106 - Le petit d'ejeuner du permissionnaire : [un d'efet]. George Barbier, 1916. BNF. Source


30.

Жорж Барбье. Иллюстрация к книге Анри де Ренье "Встречи господина де Брео". Source


Иллюстраций Жоржа Барбье очень много. Если вдруг 30+ изображений мало, что и так перебор, то вот 8:18 минут картинок:


30.

Просто графика Жоржа Барбье.


Источники:

Изображения:
Подробное описание альбома из Национальной библиотеки Франции: [Collection Jaquet]. Dessinateurs et humoristes. George Barbier: [défets d'illustrations de périodiques]. Auteur: Barbier, George (1882-1932). Illustrateur. Date d'édition: 1912-1924. Type: image fixe. Type: estampe. Langue: Français. Format: 1 vol. (208 p.) : 207 reproductions d'estampes ; 43,1 cm. Collectionneur : Desbenoît (1...-195. ; collectionneur). Bibliothèque nationale de France, département Estampes et photographie, TF-733-PET FOL. Source

Для текста:
Вадим Зартайский. Жорж Барбье. Издательство "Вита Нова"
Лапик Н. А. Стилистический анализ "модных" иллюстраций периода Арт Деко. // Международный научно-исследовательский журнал. Выпуск № 1-2 (8) / 2013
Лапик Н. А. Проблема интерпретации темы Востока в эскизах театрального костюма и модной иллюстрации начала ХХ века. // Международный научно-исследовательский журнал. Выпуск № 3-2 (22) / 2014




http://bellezza-storia.livejournal.com/420514.html

Метки:   Комментарии (0)КомментироватьВ цитатник или сообщество
lj_bellezza_storia

Пермь. Казанская церковь.

Вторник, 24 Ноября 2015 г. 10:08 (ссылка)

Самый интересный из храмов Перми - Казанская церковь:

Построена она в 1905-1908 годах и представляет собой превосходный образец неорусского стиля

Автор ее точно неизвестен.

В качестве предположительных авторов предлагают В. М. Васнецова, В. А. Покровского и Ю. Скавровского.

Иконы для храма изначально писал Н. К. Рерих.

Предполагают, что он был и автором эскизов для майоликовых панно снаружи храм:



Смотреть остальные храмы...

http://bellezza-storia.livejournal.com/409105.html

Метки:   Комментарии (0)КомментироватьВ цитатник или сообщество
Lenyr

Альфонс Мариа Муха

Понедельник, 19 Октября 2015 г. 19:22 (ссылка)


Альфонс Мариа Муха



Этим художником по праву гордится чешский народ, хотя большую часть жизни он прожил в Париже, а в искусстве был убежденным последователем направления, которое именуется югендштиль. В России этот стиль получил название модерн, а во Франции — ар нуво («новое искусство»). Художники данного направления сыграли колоссальную роль в истории западноевропейского изобразительного искусства начала ХХ века, — не меньшую, чем члены объединения «Мир искусства» в развитии русского.



3726595_ (494x700, 190Kb) Альфонс Муха (Alphonse Maria Mucha) (1860–1939), чешский живописец, декоратор, основатель и мастер театральной и рекламной афиши в стиле модерн, в частности стиля Арт Нуво (Art Nouveau). Родился в Иванчице 24 июля 1860. Получил художественное образование в Брно. В 1880 работал в Вене театральным художником-декоратором. Продолжил обучение в Академии художеств в Мюнхене (1885–1887) и академии Р.Жюльена в Париже. В 1887–1922 жил в основном в Париже. Несколько раз (начиная с 1903) посетил США, где работал как живописец и педагог.



Широкую известность приобрел после создания афиш для спектаклей театра «Ренессанс», парижского театра Сары Бернар («Жисмонда», 1894; «Дама с камелиями» Александра Дюма-сына, 1896; «Лорензаччо» Альфреда де Мюссе, 1896; «Медея» Еврипида, 1898).



Муха выступал и как дизайнер этих постановок; по его эскизам создавались платья и сценические ювелирные украшения.



В эти же годы Муха становится одним из ведущих художников французской рекламы, его композиции печатались в журналах в виде плакатов. В том же стиле Art Nouveau создавались и красочные графические серии («Времена года», 1896; «Цветы», 1897; «Месяцы», 1899; «Звезды», 1900;), которые и до нашего времени широко тиражируются в виде арт-постеров. Именно плакаты, созданием которых Альфонс Муха занимался в 1895-1905 гг., выдвинули чешского художника в число лидеров мирового модерна.



Альфонс Муха стал очень знаменит еще при жизни, в конце XIX в. его работы экспонировались во всех основных столицах Европы и в США. После окончания первой мировой войны Муха вернулся на родину. После провозглашения в 1918 г. республики, Мухе было поручено изготовление первых чехословацких почтовых марок, денежных знаков и государственного герба.



С середины 1920-х годов он резко меняет направление своего творчества. Создает большой цикл картин «Славянская Эпопея», посвященный истории славянства (чехов, поляков, болгар, русских и других славянских народов), и в частности языческой, дохристианской истории(все полотна в музее замка Моравски Крумлов).

Умер Муха в Праге 14 июля 1939г.



Предлагаю взглянуть на несколько  работ художника: картины "Славянской эпопеи", а также ювелирные украшения, предметы дизайна и интерьера. 



Портрет юной девушки в моравском костюме-1908

Портрет юной девушки в моравском костюме-1908 (646x700, 539Kb)

Читать далее...
Метки:   Комментарии (0)КомментироватьВ цитатник или сообщество
lj_bellezza_storia

Дом с витражами и ремонтом

Вторник, 08 Сентября 2015 г. 08:25 (ссылка)



Ремонт – потому и попала. Двери настежь, взад-вперед ходят рабочие в комбинезонах, носят что-то тяжелое, "Целую ручки" говорят скороговоркой.



Дверь, что ведет во дворик – с витражами.




День был пасмурный, и гамма витражных стекол оказалась как раз в гармонии с небом цвета стен и стенами цвета облаков.




Мотивы геометрические, расцветка сдержанная. Светло-серые стены и темно-темно-вишневые рамы.




Галереи отражаются в стекле…




А это они в реальности.
Дом 1911 года постройки (сецессион, естественно). Архитектор Fodor Gyula.




Кое-где кое-что начато, но нигде еще ничего не сделано.




Все в процессе.




А витражи – как были в начале прошлого века.




Вот так.




Так.




Стеклянные рамы витража открываются, как форточки.




Дом снаружи.

Хм, а http://showmystreet.com/ все еще показывает его так:



Присутствует дом и на сайте BudapestArchitect.
Здесь есть фотографии деталей, которых мне при слабом освещении снять не удалось:
















И на прощанье:




Будапешт, VII. Kertész u. 29.

http://bellezza-storia.livejournal.com/391265.html

Метки:   Комментарии (0)КомментироватьВ цитатник или сообщество
dollfason

Американский модерн. Попытка воплощения.

Суббота, 17 Августа 2013 г. 16:14 (ссылка)

Продолжая тему американских диванов покажу интерьер, который был сделан в стиле американского модерна.
В этом проекте у меня получилась удачная планировка, и вообще в этой квартире много всяких "вкусностей".

Зал. Со столь полюбившимися мне американскими диванами.


1.
Зал-вход-в-кухню1 (700x525, 316Kb)



2.
План-мебель (700x529, 186Kb)

Читать далее...
Метки:   Комментарии (0)КомментироватьВ цитатник или сообщество

Следующие 30  »

<ар нуво - Самое интересное в блогах

Страницы: [1] 2 3 ..
.. 10

LiveInternet.Ru Ссылки: на главную|почта|знакомства|одноклассники|фото|открытки|тесты|чат
О проекте: помощь|контакты|разместить рекламу|версия для pda